Co vidět v galerii Borghese
Apurva Sinha
·11 min read
Galerie Borghese je rozlehlá umělecká galerie v Římě, která ukrývá působivé sbírky děl velikánů, jako byli Bernini a Caravaggio.
Při procházce uvidíte živé sochy Giana Lorenza Berniniho, které se zdají být téměř připravené k pohybu.
A hluboké, dojemné obrazy Caravaggia, které vyvolávají silné emoce.
Borghese Galerie je víc než jen muzeum; je to místo, kde se můžete vrátit v čase a prohlédnout si neuvěřitelné umění.
Caravaggiovy obrazy
Římská galerie Borghese hostí výjimečnou sbírku obrazů Caravaggia, která představuje šest mistrovských děl Michelangela Merisiho da Caravaggia.
Je zde šest obrazů, včetně Mladého nemocného Bakcha, Psaní svatého Jeronýma a Chlapce s košíkem ovoce.
Mezi nimi vyniká „Bacchus“, v němž Caravaggio realisticky ztvárnil římského boha vína nápadně lidským způsobem.
Caravaggiovy obrazy vystavené v galerii Borghese v Římě:
Mladý nemocný Bakchus (1593)
Nemocný Bakchus je dalším pozoruhodným dílem Caravaggia, které představuje realistického a nemocného dospívajícího Bakcha se zažloutlou kůží svírajícího hrozen.
Tento obraz není přímým autoportrétem, ale mohl by odrážet Caravaggiovy osobní boje.
Toto dílo zobrazuje Bakcha, římského boha spojovaného se zemědělstvím, vínem a plodností, jako nemocného a slabého.
Sám Caravaggio bojoval s nadměrným pitím a tento obraz ukazuje tuto jeho stránku.
Nemocný Bakchus je posledním obrazem Caravaggia v místnosti VIII sbírky, než se výstava přesune k sochám od Berniniho.
Svatý Jeroným (1605)
Obraz svatého Jeronýma je pozoruhodný, protože zobrazuje klíčový moment v křesťanských dějinách při překládání Bible z řečtiny do latiny.
Je snadné přehlédnout, jak těžké bylo v minulosti sdílet znalosti.
Ve čtvrtém století v Římě, pokud jste byli křesťané, kteří nerozuměli řečtině, byli poněkud opomíjeni, dokud se neobjevil svatý Jeroným.
Díky jeho překladu do latiny mohli Římané, kteří znali pouze latinu, konečně číst a přijmout Bibli.
David s hlavou Goliáše (1605)
David, biblická postava, je často zobrazován v umění a tato verze od Caravaggia ho zobrazuje vítězně po stětí Goliáše.
Caravaggio si namaloval vlastní tvář jako Goliáše, což vedlo k různým interpretacím obrazu.
Existují teorie, že chlapec na obraze představuje Caravaggiova asistenta, možná jeho milence, nebo dokonce samotného Caravaggia a zobrazuje různé fáze jeho života.
Dalším populárním vysvětlením je, že Caravaggio obraz namaloval jako dar pro papeže Pavla V., který žádal o odpuštění za zločin, který spáchal.
Do Říma se však nikdy nevrátil a krátce poté zemřel, čímž se tento obraz stal jedním z jeho posledních.
Chlapec s košíkem ovoce (1593)
Tento obraz vytvořil Caravaggio, když mu bylo pouhých 22 let v Miláně, a je vystaven v místnosti VII galerie Borghese .
V tomto obraze Caravaggio používá techniku zvanou šerosvit, což v překladu znamená „světlo-tma“, a zvýrazňuje detaily objektu pomocí stínů.
Toto dílo je jedním z Caravaggiových raných děl a nenápadně naznačuje jeho problematický život.
Poté, co Caravaggio ztratil rodiče v mladém věku a bojoval se závislostí na návykových látkách, často zobrazoval prostitutky nebo bezdomovce, což bylo patrné ze špíny na jejich tělech.
Tento konkrétní obraz však vyčnívá jako výjimka.
Přesnost Caravaggiova zobrazení ovoce byla vysoce chválena Perduem, který si všiml umělcovy pečlivé pozornosti k detailu.
Narcis (1597)
Předpokládá se, že Caravaggio namaloval Narcise mezi lety 1597 a 1599.
Zobrazuje mytologický příběh o Narcisovi, mladém muži, který se dívá na svůj odraz ve vodě a zamiluje se do něj.
Byl tak posedlý svým odrazem, že se od něj nemohl odtrhnout, což vedlo k jeho smrti.
Tato skladba zdůrazňuje téma posedlosti sebou samým a tragického osudu Narcisa.
Caravaggiovo použití šerosvitu, dramatického kontrastu mezi světlem a tmou, zdůrazňuje emocionální intenzitu scény a Narcisovu fixaci na vlastní obraz.
Obraz je známý svou psychologickou hloubkou a Caravaggiovým mistrovským zacházením se světlem a stínem, kterým vyjadřuje morální ponaučení příběhu.
Jan Křtitel (1602)
Hned vedle obrazu „Chlapec s košíkem ovoce“ najdete další Caravaggiův obraz „Jan na poušti“, který zobrazuje unaveného a hubeného svatého Jana Křtitele.
Běžný umělecký kritik by si mohl myslet, že svatý Jan vypadá tak smutně, protože přemýšlí o nadcházející oběti Ježíše Krista.
Ale ti, kteří jsou obeznámeni s Caravaggiovými metodami, by mohli hádat, že jako model použil jen dítě z ulice, které se během focení nudilo, a přesně to Caravaggio namaloval.
Historicky se říká, že Scipione Borghese a jeho strýc, papež Pavel V., si tento obraz spolu s obrazy „Nemocný Bakchus“ a „Chlapec s košíkem ovoce“ odnesli od Giuseppe Cesariho poté, co byl údajně nespravedlivě uvězněn.
To dalo rodině Borghese šanci tato umělecká díla získat.
Nezapomeňte si všimnout, jak špinavě chlapec vypadá, zejména na hrudi a ramenou.
Caravaggio si kvůli úšetření často vybíral modely z nižších společenských vrstev, takže vypadají dost drsně.
Palafrenieri od Caravaggia
Naproti obrazu svatého Jeronýma se nachází velké umělecké dílo s názvem „Palafrenieri“, na kterém jsou vyobrazeni Ježíš, jeho matka Marie a jeho babička Anna.
Původně tvůrci zamýšleli obraz pro baziliku svatého Petra v Římě.
Úřady to však odmítly, protože považovaly zobrazení Marie, Ježíše a Anny za nevhodné pro posvátný prostor.
Na obraze má Marie na sobě šaty, které jsou pro panenskou Matku Boží považovány za příliš odhalující.
Ježíš s rudými vlasy byl v umění často spojován s negativními rysy a nebyl dobře přijat.
Anna, Mariina matka, navíc vypadá zoufale. Její kůže vypadá drsně a její výraz je rozzlobený, když Marie a Ježíš šlápnou na hada, což symbolizuje jejich porážku zla.
Berniniho sochy
V galerii se nachází několik slavných mramorových soch barokního mistra Giana Lorenza Berniniho, jako například Apollón a Dafné, Únos Proserpiny, David a Aeneas, Anchises a Ascanius.
Uchovává neuvěřitelnou osobní sbírku kardinála Scipiona Borgheseho, významného mecenáše umění na počátku 17. století.
Toto komorní a opulentní muzeum je proslulé svou hlavní vstupní halou, kde jsou vystaveny mramorové sochy mytologických scén od Giana Lorenza Berniniho.
Mezi nimi Apollo a Daphne zachycují okamžik, kdy se Daphniny ruce začnou proměňovat v kůru a listy stromů, aby unikly Apollonovu sevření.
V dalším důležitém díle drží Pluto Proserpinu za stehno, když ji táhne do podsvětí, přičemž její tělo se kroutí v hadí pozici.
Berniniho technické mistrovství je patrné také v dílech Aeneas, Anchises a Ascanius, zobrazujících trojského hrdinu prchajícího se svou rodinou z Tróje.
Vstupní hala a Marcus Curtius skokem do propasti
V krásné uvítací části paláce najdete starověké římské mozaiky ozdobené lany na podlaze.
Předpokládá se, že tyto mozaiky pocházejí z Caracallovy lázně v Římě.
Další věcí, které si všimnete, je krásný strop se složitými vzory v rokokovém stylu s výjevy z pohanské mytologie.
Pokud se otočíte zády ke dveřím a podíváte se směrem k místu, kde se zeď setkává se stropem, najdete impozantní reliéfní sochu od Pietra Berniniho, otce slavného Giana Lorenza Berniniho.
Tato socha je unikátní a zobrazuje legendu o Marcusu Curtiovi.
Podle příběhu se v Římě po zemětřesení ve čtvrtém století před naším letopočtem objevila v zemi velká trhlina.
Římané si mysleli, že je to znamení, a zeptali se věštce, co mají dělat.
Řekl jim, že bohové chtějí v té puklině schovat svůj nejcennější poklad.
Marcus Curtius řekl, že nejvýznamnějším pokladem Říma je jeho statečnost.
Oblékl se tedy do plné zbroje, nasedl na koně a skočil do trhliny, která se pak uzavřela a údajně zachránila Řím.
Tizianova posvátná a profánní láska
Tento obraz si Nicolo Aurelio objednal na svou svatbu s Laurou Bagarotto v roce 1514.
Původně se v roce 1613 nazývala „Krása ozdobená i krása nezdobená“, své současné jméno získala v roce 1693.
Umělecké dílo zobrazuje rozhovor mezi dvěma verzemi Venuše, představující lásku k lidem a bohům, zobrazenými společně, ale zároveň zdůrazňujícími jejich rozdíly.
Venuše, představující božskou lásku, je nahá a umístěna výše, což ukazuje čistotu a nebeskou krásu.
Naproti tomu druhá Venuše, představující lidskou lásku a radost z manželství, je oblečená a blíže k zemi.
Amor a růže mezi nimi zdůrazňují téma lásky a zobrazení divoké touhy na sarkofágu dodává obrazu další vrstvu.
Tizianova tvorba dovedně kombinuje protiklady, od způsobu zobrazení postav až po jejich symbolické významy, čerpá z mýtů a renesančních myšlenek.
Diana a její nymfy od Domenichina
Obraz v místnosti číslo 14 zobrazuje Dianu, bohyni lovu, která je neustále se svou skupinou nymf.
Je také spojována s touhou a plodností. Příběh v obraze je o Dianě a muži jménem Akteón.
Akteón náhodou spatří Dianu, když se koupe, což ji překvapí. Diana ho naštvaně polije vodou a on se promění v jelena.
Situace se zhorší, když na Acteona vypustí jeho vlastní psy a ti ho nakonec zabijí.
Na obraze můžete vidět, jak se příběh odvíjí, od Akteóna špehujícího mezi stromy, přes útočící psy až po odvedení jelena.
Obraz má v sobě i trochu dramatu.
Kardinál Pietro Aldobrandini ho Scipionovi Borghesemu neprodal, což ho stejně jako ostatní dostalo do vězení.
Obraz ukazuje, že si s Dianou nechcete zahrávat, a možná jí byl Scipione Borghese v tomto ohledu tak trochu podobný.
Raffaelův pohřeb
Jedná se o litografii podle kresby Raffaela z doby kolem let 1506-07, která se nyní nachází v pařížském Louvru.
Kresba byla studií k Raffaelově obrazu „Pohřbení Borghese“, dokončenému v roce 1507 a v současnosti umístěnému v římské Gallerii Borghese.
Tento tisk je součástí série z galerie Lawrence, která představuje kopie Raffaelových kreseb.
Obraz byl původně hlavní částí oltářního obrazu pro kostel v Perugii, vytvořeného na počest syna Atalanty Baglioniové, Grifonetta, který byl zabit v roce 1500.
Raphael na něm začal pracovat kolem roku 1505 a k finální podobě vedly mnohé skici.
Zobrazuje Krista nesoucího do hrobu, scénu, která mísí tradiční témata s Raffaelovým vyprávěním.
Scipione Borghese, příbuzný papeže Pavla V., přestěhoval obraz v roce 1608 do své sbírky v Římě.
Napoleon jej v roce 1797 odvezl do Paříže, ale do Říma se vrátil až v roce 1815.
Koza Amalthea s malým Jupiterem a faunem
Tato socha zobrazuje mladého boha Jupitera, jak dojí kozu jménem Amalthea, která se na něj dívá.
Malý faun Pan pije mléko z misky za kozou.
První známá zmínka o této soše ve Villa Pinciana pochází z roku 1615.
Nikdo dlouho nevěděl, kdo ho vyrobil, až do roku 1926, kdy byl jeho autor připsán slavnému umělci Gianu Lorenzu Berninimu.
Někteří lidé se ptají, zda to Bernini skutečně dokázal, ale stále je to považováno za časný důkaz jeho velké dovednosti.
Socha má symbolizovat nadějný návrat do mírové a prosperující doby, inspirovaná příběhem Amalthey a spojená s Pavlem V. z rodiny Borghese, který byl v té době papežem.
Paolina Borghese jako Venus Victrix
„Paolina Borghese jako Venuše Vítězná“ je proslulá neoklasicistní mramorová socha, kterou vytvořil italský umělec Antonio Canova v letech 1805 až 1808.
Socha, kterou si objednal Camillo Borghese, manžel Paoliny Borghese a švagr Napoleona Bonaparteho, zobrazuje Paolinu jako římskou bohyni Venuši.
Socha, vytvořená mezi lety 1804 a 1810 v Římě, ji zobrazuje částečně zakrytou, což vytváří velmi atraktivní obraz.
Paolina Borghese byla významnou osobností své doby, známou pro svou krásu, šarm a vliv, vybrána jako nejkrásnější ze dvou dalších bohyní.
Je zobrazena ležící na pohovce, částečně zahalená v látce, která zdůrazňuje její smyslnou postavu.
Její póza je uvolněná a svůdná, s jednou rukou zdviženou nad hlavou a druhou položenou na boku.
Její výraz je klidný a sebevědomý, ztělesňující nadčasové kouzlo bohyně Venuše.
V tomto ztvárnění Paolina ztělesňuje idealizovanou krásu a půvab Venuše a evokuje klasické ideály harmonie, rovnováhy a dokonalosti.
Představuje nejen krásu svého námětu, ale také umělecký génius svého tvůrce a v análech dějin umění zvěčňuje jak Paolinu Borghese, tak Antonia Canovu.
Gladiátorské mozaiky
V roce 1834 bylo během vykopávek na panství Borghese nedaleko Říma nalezeno sedm kusů starověkých římských mozaik.
Tato umělecká díla zobrazovala scény z loveckých a gladiátorských zápasů, pravděpodobně z bohaté římské vily.
Dílo, o kterém mluvíme, má barevné dílky tvořící scénu lovu panterů se dvěma úrovněmi: mrtví panteři nahoře a boj dole.
Na jedné straně je panter, který nebojuje, a na druhé straně jsou jen nohy jiného zvířete.
Zobrazování gladiátorských a loveckých scén v tehdejších domovech bylo způsobem, jak bohatí lidé ukázat své postavení a statečnost.
Dáma s jednorožcem od Raphaela
V roce 1506 namaloval Raffael obraz, který rodina Borgheseů koupila v roce 1760, aniž by věděla, že je od něj.
Teprve během restaurování v 19. století si lidé uvědomili, že jej vytvořil Raphael.
Obraz je v pokoji číslo devět a zobrazuje ženu držící jednorožce, který symbolizuje čistotu, ale nikdo neví, kdo to je.
Její způsob sezení a pozadí připomínají jiný obraz, „Dámu s hranostajem“ od Leonarda da Vinci.
Pozdější studie zjistily, že Raphael nejprve namaloval psa se ženou, ale poté ho změnil na jednorožce.
Výpověď od Raphaela
V roce 1507 namaloval Raphael pro Atlantu Baglione na dřevěné panely obraz „Sesazení“ na památku jejího syna, který zemřel.
Obraz se nachází v místnosti číslo devět a zobrazuje postavy nesoucí Ježíše k jeho hrobu, z nichž jedna vypadá jako její syn, Grifonetto Baglione.
Grifonetto byl součástí spiknutí s cílem převzít vedoucí pozice ve svém městě 3. července 1500.
Plán však selhal a jeho zahanbená matka mu nakonec odmítla poskytnout útočiště, když se pokusil vrátit.
Byl zabit po konfrontaci s Gianem Paolem Baglionem, novou hlavou rodiny.
O několik let později jeho matka požádala Raphaela, aby pro něj obraz namaloval.
Obraz však nezobrazuje Ježíše snímaného z kříže, jak naznačuje název „Snímání z kříže“, protože tato scéna je daleko v pozadí.
Raphael byl s touto scénou kreativní a projevil svůj talent v realistickém zobrazení bezvládného těla.
Doporučený obrázek: Tripadvisor.com