Hvad skal man se på Borghese-galleriet
Apurva Sinha
·12 min read
Borghese-galleriet er et enormt kunstgalleri i Rom, der huser et fristed med imponerende samlinger af giganter som Bernini og Caravaggio.
Når du går rundt, vil du se de livlige skulpturer af Gian Lorenzo Bernini, der næsten ser ud til at være klar til at blive flyttet ind.
Og de dybe, rørende malerier af Caravaggio, der formidler stærke følelser.
Borghese-familien Et galleri er mere end bare et museum; det er et sted, hvor du kan rejse tilbage i tiden og se utrolig kunst.
Caravaggio-malerier
Borghese-galleriet i Rom er vært for en enestående samling af Caravaggio-malerier, der præsenterer seks mesterværker af Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Der er seks malerier, herunder Den unge, syge Bacchus, Den hellige Hieronymus skriver og Dreng med en kurv med frugt.
Blandt disse skiller “Bacchus” sig ud, hvor Caravaggios realistiske skildring vækker den romerske vingud til live på en slående menneskelig måde.
Caravaggios malerier udstillet på Borghese-galleriet i Rom:
Den unge syge Bacchus (1593)
Den syge Bacchus er et andet bemærkelsesværdigt kunstværk af Caravaggio, der præsenterer en realistisk og sygelig ungdoms-Bacchus med gulnet hud, der griber fat i en klase druer.
Dette maleri er ikke et direkte selvportræt, men afspejler muligvis Caravaggios personlige kampe.
Dette stykke skildrer Bacchus, den romerske gud forbundet med landbrug, vin og frugtbarhed, som syg og svag.
Caravaggio selv kæmpede med overdreven alkoholindtagelse, og dette maleri viser den side af ham.
Den syge Bacchus er det sidste Caravaggio-maleri i samlingens sal VIII, før udstillingen går videre til skulpturer af Bernini.
Sankt Hieronymus skriver (1605)
Maleriet af Sankt Hieronymus er bemærkelsesværdigt, fordi det skildrer et afgørende øjeblik i oversættelsen af Bibelen fra græsk til latin i kristen historie.
Det er nemt at overse, hvor svært det var at dele viden tidligere.
Tilbage i det fjerde århundrede i Rom, hvis du var kristen og ikke forstod græsk, blev du på en måde udenfor, indtil Sankt Hieronymus dukkede op.
Takket være hans oversættelse til latin kunne romere, der kun kendte latin, endelig læse og omfavne Bibelen.
David med Goliats hoved (1605)
David, en bibelsk figur, er ofte afbildet i kunst, og denne version af Caravaggio viser ham sejrrig efter at have halshugget Goliat.
Caravaggio malede sit eget ansigt som Goliat, hvilket førte til forskellige fortolkninger af maleriet.
Der er teorier om, at drengen på maleriet repræsenterer Caravaggios assistent, muligvis hans elsker, eller endda Caravaggio selv, hvilket viser forskellige stadier af hans liv.
En anden populær forklaring er, at Caravaggio malede det som en gave til pave Paul V, der søgte benådning for en forbrydelse, han havde begået.
Han vendte dog aldrig tilbage til Rom og døde kort efter, hvilket gjorde dette til et af hans sidste malerier.
Dreng med en kurv med frugt (1593)
Dette maleri blev skabt af Caravaggio, da han var blot 22 år gammel i Milano, og er udstillet i sal VII i Borghese-galleriet .
I dette maleri bruger Caravaggio en teknik kaldet chiaroscuro, som oversættes til "lys-mørke", hvor han fremhæver motivets detaljer ved hjælp af skygger.
Dette værk er et af Caravaggios tidligere værker og antyder subtilt hans problematiske liv.
Efter at have mistet sine forældre unge og kæmpet med stofmisbrug, skildrede Caravaggio ofte prostituerede eller hjemløse, hvilket tydeligt ses i snavs på deres kroppe.
Dette særlige maleri skiller sig dog ud som en undtagelse.
Nøjagtigheden af Caravaggios skildring af frugt blev meget rost af Perdue, der bemærkede kunstnerens omhyggelige opmærksomhed på detaljer.
Narcissus (1597)
Det menes, at Caravaggio malede Narcissus mellem 1597 og 1599.
Den skildrer den mytologiske historie om Narcissus, en ung mand, der ser sit spejlbillede i vandet og forelsker sig i det.
Han blev så besat af sit spejlbillede, at han ikke kunne slippe synet af sit billede, hvilket førte til hans død.
Denne komposition fremhæver temaet besættelse af sig selv og Narcissus' tragiske skæbne.
Caravaggios brug af chiaroscuro, den dramatiske kontrast mellem lys og mørke, fremhæver scenens følelsesmæssige intensitet og Narcissus' fiksering på sit eget billede.
Maleriet er berømt for sin psykologiske dybde og Caravaggios mesterlige håndtering af lys og skygge for at formidle historiens morale.
Johannes Døberen (1602)
Lige ved siden af “Dreng med en kurv med frugt” finder du et andet Caravaggio-maleri, “Johannes i ørkenen”, der forestiller en træt og tynd Johannes Døberen.
En tilfældig kunstkritiker synes måske, at Johannes' Bog ser så trist ud, fordi han tænker på Jesu Kristi kommende offer.
Men de, der er bekendt med Caravaggios metoder, gætter måske på, at han bare brugte et gadebarn som model, der kedede sig under sessionen, og det var det, Caravaggio malede.
Historisk set siges det, at Scipione Borghese og hans onkel, pave Paul V, tog dette maleri sammen med "Den syge Bacchus" og "Dreng med frugtkurv" fra Giuseppe Cesari, efter at han angiveligt var blevet uretfærdigt fængslet.
Dette gav Borghese-familien en chance for at få fat i disse kunstværker.
Sørg for at lægge mærke til, hvor beskidt drengen ser ud, især på brystet og skuldrene.
Caravaggio valgte ofte modeller fra de lavere sociale klasser for at spare penge, så de ser ret ru ud.
Palafrenieri af Caravaggio
Overfor Sankt Hieronymus' maleri er der et stort kunstværk kaldet "Palafrenieri", der forestiller Jesus, hans mor Maria og hans bedstemor Anna.
Oprindeligt var maleriet tiltænkt Peterskirken i Rom af skaberne.
Myndighederne afviste det dog, fordi de anså skildringen af Maria, Jesus og Anna for upassende til det hellige rum.
På maleriet har Maria en kjole på, der anses for at være for afslørende for Guds jomfrumoder.
Jesus med rødt hår blev ofte forbundet med negative træk i kunsten og blev ikke godt modtaget.
Derudover virker Anne, Marias mor, fortvivlet. Hendes hud ser hård ud, og hendes udtryk er vredt, da Maria og Jesus træder på en slange, hvilket symboliserer deres nederlag over ondskaben.
Berninis skulpturer
Galleriet huser flere af barokmesteren Gian Lorenzo Berninis berømte marmorskulpturer, såsom Apollo og Daphne, Proserpina's voldtagelse, David og Aeneas, Anchises og Ascanius.
Den indeholder den utrolige personlige samling af kardinal Scipione Borghese, en stor kunstmæcen i begyndelsen af det 17. århundrede.
Dette intime og overdådige museum er kendt for sin hovedindgang, hvor Gian Lorenzo Berninis marmorskulpturer af mytologiske scener er fremhævet.
Blandt disse fanger Apollo og Daphne øjeblikket, hvor Daphnes hænder begynder at forvandle sig til træbark og blade for at undslippe Apollos greb.
I et andet vigtigt værk holder Pluto Proserpina ved låret, mens han trækker hende til underverdenen, hendes krop vrider sig i en slangeagtig stilling.
Berninis tekniske mesterskab er også til stede i Æneas, Anchises og Ascanius, der skildrer en trojansk helt, der flygter fra Troja med sin familie.
Entré og Marcus Curtius springer ned i kløften
I paladsets smukke velkomstområde finder du gamle romerske mosaikker afgrænset med reb på gulvene.
Det menes, at disse mosaikker stammer fra Caracallas bade i Rom.
En anden ting, du vil bemærke, er et smukt loft med indviklede designs i rokokostil med scener fra hedensk mytologi.
Hvis du vender ryggen til døren og kigger mod, hvor væggen møder loftet, finder du en imponerende reliefskulptur af Pietro Bernini, far til den berømte Gian Lorenzo Bernini.
Denne skulptur er unik og skildrer legenden om Marcus Curtius.
Ifølge historien opstod der en stor revne i jorden i Rom efter et jordskælv i det fjerde århundrede f.Kr.
I den tro, at dette var et tegn, spurgte romerne en spåmand, hvad de skulle gøre.
Han fortalte dem, at guderne ville have deres mest værdifulde skat i sprækken.
Marcus Curtius sagde, at Roms vigtigste skat var dens tapperhed.
Så klædte han sig i fuld rustning, steg op på sin hest og sprang ind i sprækken, som derefter lukkede sig og angiveligt reddede Rom.
Titians hellige og profane kærlighed
Nicolo Aurelio bestilte dette maleri til sit bryllup med Laura Bagarotto i 1514.
Oprindeligt kaldt "Skønhed prydet og skønhed usmykket" i 1613, fik det sit nuværende navn i 1693.
Kunstværket viser en samtale mellem to versioner af Venus, der repræsenterer kærlighed til mennesker og guder, vist sammen, men fremhæver også deres forskelle.
Venus, der repræsenterer guddommelig kærlighed, er nøgen og placeret højere, hvilket viser renhed og himmelsk skønhed.
I modsætning hertil er den anden Venus, der repræsenterer menneskelig kærlighed og glæden ved ægteskabet, klædt på og tættere på jorden.
Amor og roser imellem dem fremhæver temaet kærlighed, og en skildring af vild lyst på en sarkofag tilføjer endnu et lag til maleriet.
Titians kreation kombinerer dygtigt modsætninger, lige fra hvordan figurerne vises til deres symbolske betydninger, og trækker på myter og renæssanceideer.
Diana og hendes nymfer af Domenichino
Maleriet i værelse nummer 14 forestiller Diana, jagtgudinden, som altid er sammen med sin gruppe nymfer.
Hun er også forbundet med begær og frugtbarhed. Historien i maleriet handler om Diana og en mand ved navn Acteon.
Acteon ser ved et uheld Diana, mens hun bader, hvilket overrasker hende. Irriteret plasker Diana vand på ham, og han forvandler sig til en hjort.
Situationen bliver værre, da Acteons egne hunde slippes løs på ham, og de ender med at dræbe ham.
Man kan se historien udfolde sig i maleriet, fra Acteon, der spionerer gennem træerne, til hundenes angreb og endelig hjorten, der bliver taget væk.
Maleriet har også lidt drama bag sig.
Kardinal Pietro Aldobrandini ville ikke sælge den til Scipione Borghese, hvilket førte til, at han blev smidt i fængsel ligesom andre.
Maleriet viser, at man ikke vil rode med Diana, og måske var Scipione Borghese lidt ligesom hende på den måde.
Raphaels begravelse
Dette er et litografi baseret på en tegning af Raphael fra omkring 1506-07, som nu findes på Louvre i Paris.
Tegningen var en undersøgelse til Raphaels maleri “Borgheses begravelse”, færdiggjort i 1507 og i øjeblikket i Galleria Borghese i Rom.
Dette tryk er en del af en serie fra Lawrence Gallery, der udstiller kopier af Raphaels tegninger.
Maleriet var oprindeligt hoveddelen af en altertavle til en kirke i Perugia, lavet til ære for Atalanta Baglionis søn Grifonetto, som blev dræbt i 1500.
Raphael begyndte at arbejde på det omkring 1505, og mange skitser førte til det endelige værk.
Den viser Kristus blive båret til sin grav, en scene der blander traditionelle temaer med Rafaels historiefortælling.
Scipione Borghese, en slægtning til pave Paul V, flyttede maleriet til sin samling i Rom i 1608.
Napoleon tog den med til Paris i 1797, men den blev returneret til Rom i 1815.
Geden Amalthea med spædbarnet Jupiter og en faun
Denne skulptur viser en ung gud, Jupiter, der malker en ged ved navn Amalthea, som ser på ham.
En lille faun, Pan, drikker mælk fra en skål bag geden.
Den første kendte omtale af denne skulptur i Villa Pinciana var i 1615.
I lang tid vidste ingen, hvem der lavede den, indtil 1926, hvor den blev tilskrevet Gian Lorenzo Bernini, en berømt kunstner.
Nogle mennesker sætter spørgsmålstegn ved, om Bernini virkelig lavede den, men det ses stadig som et tidligt tegn på hans store dygtighed.
Skulpturen menes at symbolisere en håbefuld tilbagevenden til en fredelig og velstående tid, inspireret af historien om Amalthea og forbundet med Paul V fra Borghese-familien, der var pave på det tidspunkt.
Paolina Borghese som Venus Victrix
Paolina Borghese som Venus Victrix” er en berømt neoklassisk marmorskulptur skabt af den italienske kunstner Antonio Canova mellem 1805 og 1808.
Skulpturen, bestilt af Camillo Borghese, mand til Paolina Borghese og svoger til Napoleon Bonaparte, forestiller Paolina som den romerske gudinde Venus.
Skulpturen, der blev lavet mellem 1804 og 1810 i Rom, viser hende delvist tildækket, hvilket skaber et meget attraktivt billede.
Paolina Borghese var en fremtrædende skikkelse i sin tid, kendt for sin skønhed, charme og indflydelse, valgt som den smukkeste af to andre gudinder.
Hun er afbildet liggende på en sofa, delvist draperet i stof, der fremhæver hendes vellystige figur.
Hendes positur er afslappet og dragende, med den ene arm hævet over hovedet og den anden hvilende på hoften.
Hendes udtryk er roligt og selvsikkert og legemliggør gudinden Venus' tidløse tiltrækningskraft.
I denne skildring legemliggør Paolina Venus' idealiserede skønhed og ynde og fremkalder de klassiske idealer om harmoni, balance og perfektion.
Det repræsenterer ikke blot motivets skønhed, men også skaberens kunstneriske geni, og det udødeliggør både Paolina Borghese og Antonio Canova i kunsthistoriens annaler.
Gladiatormosaikker
I 1834 blev syv stykker af gamle romerske mosaikker fundet under en udgravning på Borghese-godset nær Rom.
Disse kunstværker viste scener med jagt og gladiatorkampe, sandsynligvis fra en velhavende romersk villa.
Det stykke, vi taler om, har farverige brikker, der udgør en scene af en panterjagt med to niveauer: døde pantere ovenpå og en kamp nedenunder.
Der er en panter, der ikke kæmper, på den ene side, og kun fødderne af et andet dyr på den anden side.
Dengang var det en måde for rige mennesker at vise deres status og mod på at vise gladiator- og jagtscener i hjem.
Dame med enhjørning af Raphael
I 1506 malede Rafael et billede, som Borghese-familien købte i 1760, uden at vide, at det var af ham.
Det var først under en restaurering i det 19. århundrede, at folk indså, at Raphael havde lavet den.
Maleriet er i værelse nummer ni og viser en kvinde, der holder en enhjørning, som symboliserer renhed, men ingen ved, hvem hun er.
Hendes måde at sidde på og baggrunden minder folk om et andet maleri, “Kvinden med hermelinen” af Leonardo da Vinci.
Senere studier viste, at Raphael først malede en hund med kvinden, men derefter ændrede den til en enhjørning.
Aflejringen af Raphael
I 1507 malede Raphael “Afsættelsen” på træpaneler for Atlanta Baglione til minde om sin søn, der døde.
Maleriet er i rum nummer ni og viser figurer, der bærer Jesus til hans grav, hvoraf den ene ligner hendes søn, Grifonetto Baglione.
Grifonetto var en del af et komplot om at overtage lederstillinger i sin by den 3. juli 1500.
Planen mislykkedes dog, og han endte med at blive nægtet tilflugt af sin skamfulde mor, da han forsøgte at komme tilbage.
Han blev dræbt efter en konfrontation med Gian Paolo Baglione, familiens nye overhoved.
År senere bad hans mor Raphael om at lave maleriet til ham.
Maleriet viser dog ikke Jesus blive taget ned fra korset, som titlen "Nedsættelsen" antyder, da scenen er langt i baggrunden.
Raphael var kreativ med scenen og viste sit talent for at skildre en livløs krop med realisme.
Fremhævet billede: Tripadvisor.com