Was man in der Galleria Borghese sehen sollte
Apurva Sinha
·13 min read
Die Galleria Borghese ist eine riesige Kunstgalerie in Rom, die eine beeindruckende Sammlung von Werken von Giganten wie Bernini und Caravaggio beherbergt.
Bei einem Spaziergang durch die Anlage sieht man die lebhaften Skulpturen von Gian Lorenzo Bernini, die fast den Eindruck erwecken, als würden sie sich gleich bewegen.
Und die tiefgründigen, berührenden Gemälde von Caravaggio, die starke Emotionen hervorrufen.
Die Borghese Die Galerie ist mehr als nur ein Museum; sie ist ein Ort, an dem man in die Vergangenheit reisen und unglaubliche Kunstwerke sehen kann.
Caravaggio-Gemälde
Die Galleria Borghese in Rom beherbergt eine außergewöhnliche Sammlung von Caravaggio-Gemälden und präsentiert sechs Meisterwerke von Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Es gibt sechs Gemälde, darunter „Der junge kranke Bacchus“, „Der schreibende Heilige Hieronymus“ und „Junge mit einem Obstkorb“.
Unter diesen sticht „Bacchus“ hervor, denn Caravaggios realistische Darstellung erweckt den römischen Weingott auf bemerkenswert menschliche Weise zum Leben.
Gemälde von Caravaggio in der Galleria Borghese in Rom ausgestellt:
Junger kranker Bacchus (1593)
Der kranke Bacchus ist ein weiteres bemerkenswertes Kunstwerk von Caravaggio, das einen realistischen und kränklichen jugendlichen Bacchus mit gelblicher Haut zeigt, der eine Traube umklammert.
Dieses Gemälde ist kein direktes Selbstporträt, könnte aber Caravaggios persönliche Kämpfe widerspiegeln.
Dieses Bild zeigt Bacchus, den römischen Gott der Landwirtschaft, des Weines und der Fruchtbarkeit, als kranken und schwachen Mann.
Caravaggio selbst kämpfte mit übermäßigem Alkoholkonsum, und dieses Gemälde zeigt diese Seite von ihm.
Der kranke Bacchus ist das letzte Gemälde von Caravaggio in Raum VIII der Sammlung, bevor die Ausstellung zu Skulpturen von Bernini übergeht.
Der heilige Hieronymus schreibt (1605)
Das Gemälde des heiligen Hieronymus ist bemerkenswert, weil es einen entscheidenden Moment in der Übersetzung der Bibel aus dem Griechischen ins Lateinische in der christlichen Geschichte darstellt.
Man vergisst leicht, wie schwierig es in der Vergangenheit war, Wissen zu teilen.
Im vierten Jahrhundert war man in Rom, wenn man Christ war, aber kein Griechisch verstand, weitgehend außen vor, bis der heilige Hieronymus kam.
Dank seiner Übersetzung ins Lateinische konnten auch Römer, die nur Latein konnten, die Bibel endlich lesen und annehmen.
David mit dem Haupt Goliaths (1605)
David, eine biblische Figur, wird oft in der Kunst dargestellt, und diese Version von Caravaggio zeigt ihn siegreich nach der Enthauptung Goliaths.
Caravaggio malte sein eigenes Gesicht als Goliath, was zu verschiedenen Interpretationen des Gemäldes führte.
Es gibt Theorien, dass der Junge auf dem Gemälde Caravaggios Assistenten, möglicherweise seinen Geliebten oder sogar Caravaggio selbst darstellt und verschiedene Lebensabschnitte zeigt.
Eine andere gängige Erklärung ist, dass Caravaggio das Gemälde als Geschenk für Papst Paul V. malte, um für ein von ihm begangenes Verbrechen um Vergebung zu bitten.
Er kehrte jedoch nie wieder nach Rom zurück und starb kurz darauf, sodass dies eines seiner letzten Gemälde ist.
Junge mit einem Obstkorb (1593)
Dieses Gemälde wurde von Caravaggio im Alter von nur 22 Jahren in Mailand geschaffen und ist im Saal VII der Galleria Borghese ausgestellt.
In diesem Gemälde verwendet Caravaggio eine Technik namens Chiaroscuro, was so viel wie „Hell-Dunkel“ bedeutet, und hebt die Details des Motivs durch den Einsatz von Schatten hervor.
Dieses Stück gehört zu Caravaggios früheren Werken und deutet subtil auf sein bewegtes Leben hin.
Da er seine Eltern früh verloren hatte und mit Drogenmissbrauch zu kämpfen hatte, stellte Caravaggio oft Prostituierte oder Obdachlose dar, was sich in dem Schmutz an ihren Körpern zeigte.
Dieses spezielle Gemälde bildet jedoch eine Ausnahme.
Perdue lobte die Genauigkeit von Caravaggios Darstellung der Früchte in höchsten Tönen und hob die akribische Detailgenauigkeit des Künstlers hervor.
Narziss (1597)
Man geht davon aus, dass Caravaggio den Narziss zwischen 1597 und 1599 gemalt hat.
Es schildert die mythologische Geschichte von Narziss, einem jungen Mann, der sein Spiegelbild im Wasser betrachtet und sich in es verliebt.
Er war so besessen von seinem Spiegelbild, dass er den Anblick seines Bildes nicht mehr abwenden konnte, was schließlich zu seinem Tod führte.
Diese Komposition thematisiert die Selbstbesessenheit und das tragische Schicksal des Narziss.
Caravaggios Einsatz des Chiaroscuro, des dramatischen Kontrasts zwischen Licht und Schatten, unterstreicht die emotionale Intensität der Szene und Narziss' Fixierung auf sein eigenes Spiegelbild.
Das Gemälde ist berühmt für seine psychologische Tiefe und Caravaggios meisterhaften Umgang mit Licht und Schatten, um die Moral der Geschichte zu vermitteln.
Johannes der Täufer (1602)
Direkt neben „Junge mit einem Obstkorb“ befindet sich ein weiteres Gemälde von Caravaggio, „Johannes in der Wüste“, das einen müden und abgemagerten Johannes den Täufer zeigt.
Ein unbedarfter Kunstkritiker könnte meinen, der heilige Johannes sehe so traurig aus, weil er an das bevorstehende Opfer Jesu Christi denke.
Wer mit Caravaggios Arbeitsweise vertraut ist, könnte vermuten, dass er einfach einen Straßenjungen als Modell benutzte, der sich während der Sitzung langweilte, und genau das malte Caravaggio.
Historisch gesehen sollen Scipione Borghese und sein Onkel, Papst Paul V., dieses Gemälde zusammen mit „Der kranke Bacchus“ und „Der Junge mit dem Obstkorb“ von Giuseppe Cesari an sich genommen haben, nachdem dieser angeblich zu Unrecht inhaftiert worden war.
Dies gab der Familie Borghese die Möglichkeit, sich diese Kunstwerke zu sichern.
Achten Sie genau darauf, wie schmutzig der Junge aussieht, insbesondere an Brust und Schultern.
Um Kosten zu sparen, wählte Caravaggio oft Modelle aus den unteren Gesellschaftsschichten, weshalb diese recht grob aussehen.
Palafrenieri von Caravaggio
Gegenüber dem Gemälde des heiligen Hieronymus befindet sich ein großes Kunstwerk mit dem Titel „Palafrenieri“, das Jesus, seine Mutter Maria und seine Großmutter Anna zeigt.
Ursprünglich war das Gemälde für den Petersdom in Rom bestimmt.
Die Behörden lehnten es jedoch ab, da sie die Darstellung von Maria, Jesus und Anna für den heiligen Raum als unpassend empfanden.
Auf dem Gemälde trägt Maria ein Kleid, das für die jungfräuliche Mutter Gottes als zu freizügig gilt.
Jesus mit roten Haaren wurde in der Kunst oft mit negativen Eigenschaften in Verbindung gebracht und fand keine gute Resonanz.
Auch Anne, Marias Mutter, wirkt verzweifelt. Ihre Haut sieht hart aus, und ihr Gesichtsausdruck ist wütend, als Maria und Jesus auf eine Schlange treten, was ihren Sieg über das Böse symbolisiert.
Berninis Skulpturen
Die Galerie beherbergt mehrere der berühmten Marmorskulpturen des Barockmeisters Gian Lorenzo Bernini, wie etwa Apollo und Daphne, Der Raub der Proserpina, David und Aeneas, Anchises und Ascanius.
Es beherbergt die unglaubliche persönliche Sammlung von Kardinal Scipione Borghese, einem bedeutenden Kunstmäzen des frühen 17. Jahrhunderts.
Dieses intime und zugleich prunkvolle Museum ist berühmt für seine Haupteingangshalle, in der die Marmorskulpturen mythologischer Szenen von Gian Lorenzo Bernini besonders zur Geltung kommen.
Unter diesen Bildern ist der Moment festgehalten, in dem sich Daphnes Hände in Baumrinde und Blätter verwandeln, um Apollos Griff zu entkommen.
In einem anderen wichtigen Werk hält Pluto Proserpina am Oberschenkel fest, während er sie in die Unterwelt zerrt, ihr Körper windet sich in einer schlangenartigen Haltung.
Berninis technische Meisterschaft zeigt sich auch in Aeneas, Anchises und Ascanius, die einen trojanischen Helden auf der Flucht aus Troja mit seiner Familie darstellen.
Eingangshalle und Marcus Curtius springt in den Abgrund
Im wunderschönen Empfangsbereich des Palastes finden Sie auf den Böden abgesperrte antike römische Mosaike.
Man geht davon aus, dass diese Mosaiken aus den Caracalla-Thermen in Rom stammen.
Was Ihnen außerdem auffallen wird, ist eine wunderschöne Decke mit kunstvollen Verzierungen im Rokokostil, die Szenen aus der heidnischen Mythologie zeigen.
Wenn Sie der Tür den Rücken zukehren und dorthin schauen, wo die Wand auf die Decke trifft, finden Sie eine beeindruckende Reliefskulptur von Pietro Bernini, dem Vater des berühmten Gian Lorenzo Bernini.
Diese Skulptur ist einzigartig und stellt die Legende von Marcus Curtius dar.
Der Legende nach entstand nach einem Erdbeben im vierten Jahrhundert v. Chr. ein großer Riss im Boden Roms.
Die Römer hielten dies für ein Zeichen und fragten einen Wahrsager um Rat.
Er sagte ihnen, die Götter wollten ihren wertvollsten Schatz in dem Riss haben.
Marcus Curtius sagte, Roms größter Schatz sei sein Mut.
Also kleidete er sich in seine volle Rüstung, schwang sich auf sein Pferd und sprang in den Riss, der sich daraufhin schloss und so angeblich Rom rettete.
Tizians heilige und profane Liebe
Nicolo Aurelio gab dieses Gemälde für seine Hochzeit mit Laura Bagarotto im Jahr 1514 in Auftrag.
Ursprünglich hieß es 1613 „Schönheit geschmückt und Schönheit ungeschmückt“, seinen heutigen Namen erhielt es 1693.
Das Kunstwerk zeigt ein Gespräch zwischen zwei Versionen der Venus, die für die Liebe zwischen Menschen und Göttern stehen; sie werden gemeinsam dargestellt, aber auch ihre Unterschiede werden hervorgehoben.
Venus, die die göttliche Liebe repräsentiert, ist nackt und höher platziert, was Reinheit und himmlische Schönheit symbolisiert.
Im Gegensatz dazu ist die andere Venus, die die menschliche Liebe und die Freude an der Ehe repräsentiert, bekleidet und befindet sich näher am Boden.
Amor und Rosen zwischen ihnen unterstreichen das Thema Liebe, und die Darstellung wilder Lust auf einem Sarkophag verleiht dem Gemälde eine weitere Dimension.
Tizians Werk vereint gekonnt Gegensätze, von der Darstellung der Figuren bis hin zu ihren symbolischen Bedeutungen, und greift dabei auf Mythen und Ideen der Renaissance zurück.
Diana und ihre Nymphen von Domenichino
Das Gemälde in Zimmer Nummer 14 zeigt Diana, die Göttin der Jagd, die immer von ihrer Gruppe von Nymphen umgeben ist.
Sie wird auch mit Begierde und Fruchtbarkeit in Verbindung gebracht. Die Geschichte auf dem Gemälde handelt von Diana und einem Mann namens Aktaion.
Acteon sieht Diana zufällig beim Baden, was sie überrascht. Verärgert spritzt Diana ihn mit Wasser an, woraufhin er sich in ein Reh verwandelt.
Die Situation verschlimmert sich noch, als Acteons eigene Hunde auf ihn losgelassen werden und ihn schließlich töten.
Man kann die Geschichte im Gemälde entfalten sehen, von Acteons Spähen durch die Bäume bis zum Angriff der Hunde und schließlich dem Wegtragen des Hirsches.
Das Gemälde birgt auch eine gewisse Dramatik in sich.
Kardinal Pietro Aldobrandini weigerte sich, es an Scipione Borghese zu verkaufen, was dazu führte, dass er wie andere ins Gefängnis geworfen wurde.
Das Gemälde zeigt, dass man sich besser nicht mit Diana anlegt, und vielleicht war Scipione Borghese in dieser Hinsicht auch ein bisschen wie sie.
Raffaels Grablegung
Dies ist eine Lithografie nach einer Zeichnung von Raffael aus der Zeit um 1506-07, die sich heute im Louvre in Paris befindet.
Die Zeichnung war eine Studie für Raffaels Gemälde „Die Grablegung der Familie Borghese“, das 1507 fertiggestellt wurde und sich heute in der Galleria Borghese in Rom befindet.
Dieser Druck ist Teil einer Serie der Lawrence Gallery, die Kopien von Raffaels Zeichnungen zeigt.
Das Gemälde war ursprünglich der Hauptteil eines Altarbildes für eine Kirche in Perugia, das zu Ehren von Atalanta Baglionis Sohn Grifonetto angefertigt wurde, der im Jahr 1500 getötet wurde.
Raffael begann um 1505 mit der Arbeit daran; viele Skizzen führten schließlich zum fertigen Werk.
Es zeigt Christus, wie er zu seinem Grab getragen wird – eine Szene, die traditionelle Motive mit Raffaels Erzählkunst verbindet.
Scipione Borghese, ein Verwandter von Papst Paul V., brachte das Gemälde 1608 in seine Sammlung in Rom.
Napoleon brachte es 1797 nach Paris, aber 1815 wurde es nach Rom zurückgebracht.
Die Ziege Amalthea mit dem Säugling Jupiter und einem Faun
Diese Skulptur zeigt den jungen Gott Jupiter beim Melken einer Ziege namens Amalthea, die ihn dabei ansieht.
Ein kleiner Faun namens Pan trinkt Milch aus einer Schüssel hinter der Ziege.
Die erste bekannte Erwähnung dieser Skulptur in der Villa Pinciana stammt aus dem Jahr 1615.
Lange Zeit wusste niemand, wer es geschaffen hatte, bis es 1926 dem berühmten Künstler Gian Lorenzo Bernini zugeschrieben wurde.
Manche bezweifeln, ob Bernini das Werk wirklich geschaffen hat, aber es gilt dennoch als frühes Zeichen seines großen Könnens.
Man geht davon aus, dass die Skulptur eine hoffnungsvolle Rückkehr zu einer friedlichen und prosperierenden Zeit symbolisiert, inspiriert von der Geschichte von Amalthea und in Verbindung mit Paul V. aus der Familie Borghese, der zu dieser Zeit Papst war.
Paolina Borghese als Venus Victrix
„Paolina Borghese als Venus Victrix“ ist eine berühmte neoklassizistische Marmorskulptur, die zwischen 1805 und 1808 von dem italienischen Künstler Antonio Canova geschaffen wurde.
Die von Camillo Borghese, dem Ehemann von Paolina Borghese und Schwager von Napoleon Bonaparte, in Auftrag gegebene Skulptur stellt Paolina als die römische Göttin Venus dar.
Die zwischen 1804 und 1810 in Rom entstandene Skulptur zeigt sie teilweise verhüllt und erzeugt so ein sehr ansprechendes Bild.
Paolina Borghese war eine herausragende Persönlichkeit ihrer Zeit, bekannt für ihre Schönheit, ihren Charme und ihren Einfluss; sie wurde zur schöneren von zwei anderen Göttinnen auserkoren.
Sie ist auf einem Sofa liegend dargestellt, teilweise in einen Stoff gehüllt, der ihre üppige Figur betont.
Ihre Pose ist entspannt und anziehend, einen Arm über den Kopf erhoben, den anderen auf der Hüfte ruhend.
Ihr Gesichtsausdruck ist gelassen und selbstsicher und verkörpert die zeitlose Anziehungskraft der Göttin Venus.
In dieser Darstellung verkörpert Paolina die idealisierte Schönheit und Anmut der Venus und evoziert die klassischen Ideale von Harmonie, Ausgewogenheit und Perfektion.
Es verkörpert nicht nur die Schönheit seines Sujets, sondern auch das künstlerische Genie seines Schöpfers und verewigt damit sowohl Paolina Borghese als auch Antonio Canova in den Annalen der Kunstgeschichte.
Gladiatorenmosaike
Im Jahr 1834 wurden bei Ausgrabungen auf dem Anwesen der Familie Borghese in der Nähe von Rom sieben Fragmente antiker römischer Mosaike gefunden.
Diese Kunstwerke zeigten Szenen von Jagden und Gladiatorenkämpfen und stammten wahrscheinlich aus einer wohlhabenden römischen Villa.
Das Kunstwerk, von dem wir sprechen, besteht aus farbenfrohen Elementen, die eine Szene einer Pantherjagd auf zwei Ebenen darstellen: oben tote Panther und unten ein Kampf.
Auf der einen Seite kämpft kein Panther, auf der anderen Seite sieht man nur die Füße eines anderen Tieres.
Die Vorführung von Gladiatorenkämpfen und Jagdszenen in Privathäusern war damals für reiche Leute eine Möglichkeit, ihren Status und ihre Tapferkeit zur Schau zu stellen.
Dame mit Einhorn von Raffael
Raffael malte 1506 ein Bild, das die Familie Borghese 1760 kaufte, ohne zu wissen, dass es von ihm stammte.
Erst im Zuge einer Restaurierung im 19. Jahrhundert wurde einem bewusst, dass Raffael das Werk geschaffen hatte.
Das Gemälde befindet sich in Zimmer Nummer neun und zeigt eine Frau, die ein Einhorn hält, das Reinheit symbolisiert, aber niemand weiß, wer sie ist.
Ihre Sitzhaltung und der Hintergrund erinnern an ein anderes Gemälde, „Dame mit dem Hermelin“ von Leonardo da Vinci.
Spätere Untersuchungen ergaben, dass Raffael zunächst einen Hund zusammen mit der Frau gemalt hatte, diesen dann aber in ein Einhorn änderte.
Die Absetzung durch Raffael
Im Jahr 1507 malte Raffael „Die Kreuzabnahme“ auf Holztafeln für Atlanta Baglione zum Gedenken an ihren verstorbenen Sohn.
Das Gemälde befindet sich in Zimmer Nummer neun und zeigt Figuren, die Jesus zu seinem Grab tragen; eine von ihnen sieht ihrem Sohn Grifonetto Baglione ähnlich.
Grifonetto war am 3. Juli 1500 an einer Verschwörung zur Übernahme der Führungspositionen in seiner Stadt beteiligt.
Der Plan scheiterte jedoch, und als er zurückkehren wollte, verweigerte ihm seine beschämte Mutter die Zuflucht.
Er wurde nach einer Auseinandersetzung mit Gian Paolo Baglione, dem neuen Familienoberhaupt, getötet.
Jahre später bat seine Mutter Raffael, das Gemälde für ihn anzufertigen.
Allerdings zeigt das Gemälde nicht die Abnahme Jesu vom Kreuz, wie der Titel „Die Kreuzabnahme“ vermuten lässt, da diese Szene weit im Hintergrund stattfindet.
Raffael gestaltete die Szene kreativ und zeigte sein Talent, einen leblosen Körper realistisch darzustellen.
Titelbild: Tripadvisor.com