Qué ver en la Galería Borghese
Apurva Sinha
·14 min read
La Galería Borghese es una vasta galería de arte en Roma que alberga un santuario de impresionantes colecciones de gigantes como Bernini y Caravaggio.
Al pasear por el lugar, verás las vibrantes esculturas de Gian Lorenzo Bernini, que parecen casi a punto de cobrar vida.
Y las profundas y conmovedoras pinturas de Caravaggio que transmiten fuertes emociones.
Los Borghese La galería es más que un museo; es un lugar donde puedes viajar en el tiempo y contemplar obras de arte increíbles.
Pinturas de Caravaggio
La Galería Borghese de Roma alberga una colección excepcional de pinturas de Caravaggio, que incluye seis obras maestras de Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Hay seis pinturas, entre ellas El joven Baco enfermo, San Jerónimo escribiendo y El niño con una cesta de frutas.
Entre ellas, destaca "Baco", con su representación realista que da vida al dios romano del vino de una manera sorprendentemente humana.
Cuadros de Caravaggio expuestos en la Galería Borghese de Roma:
El joven Baco enfermo (1593)
Baco enfermo es otra obra destacada de Caravaggio que presenta a un Baco adolescente, realista y enfermizo, con la piel amarillenta, agarrando un racimo de uvas.
Este cuadro no es un autorretrato directo, pero podría reflejar las luchas personales de Caravaggio.
Esta obra representa a Baco, el dios romano asociado con la agricultura, el vino y la fertilidad, como enfermo y débil.
El propio Caravaggio luchó contra el alcoholismo, y este cuadro muestra esa faceta suya.
El cuadro "Baco enfermo" es la última pintura de Caravaggio en la sala VIII de la colección antes de que la exposición pase a las esculturas de Bernini.
Escritos de San Jerónimo (1605)
La pintura de San Jerónimo es notable porque representa un momento crucial en la traducción de la Biblia del griego al latín en la historia del cristianismo.
Es fácil pasar por alto lo difícil que era compartir conocimientos en el pasado.
En la Roma del siglo IV, si eras cristiano y no entendías griego, quedabas un poco excluido hasta la llegada de San Jerónimo.
Gracias a su traducción al latín, los romanos que solo conocían el latín pudieron finalmente leer y comprender la Biblia.
David con la cabeza de Goliat (1605)
David, figura bíblica, suele ser representado en el arte, y esta versión de Caravaggio lo muestra victorioso tras decapitar a Goliat.
Caravaggio pintó su propio rostro como Goliat, lo que dio lugar a diversas interpretaciones del cuadro.
Existen teorías que sugieren que el niño del cuadro representa al ayudante de Caravaggio, posiblemente a su amante, o incluso al propio Caravaggio, mostrando diferentes etapas de su vida.
Otra explicación popular es que Caravaggio lo pintó como un regalo para el Papa Pablo V, buscando el perdón por un crimen que había cometido.
Sin embargo, nunca regresó a Roma y murió poco después, por lo que esta es una de sus últimas pinturas.
Niño con una cesta de fruta (1593)
Este cuadro fue creado por Caravaggio cuando tenía tan solo 22 años en Milán y se exhibe en la Sala VII de la Galería Borghese .
En este cuadro, Caravaggio utiliza una técnica llamada claroscuro, que se traduce como "luz y oscuridad", resaltando los detalles del sujeto mediante el uso de sombras.
Esta pieza es una de las primeras obras de Caravaggio y alude sutilmente a su vida atormentada.
Tras haber perdido a sus padres a temprana edad y haber luchado contra la drogadicción, Caravaggio solía representar a prostitutas o personas sin hogar, algo que se evidencia en la suciedad que se ve en sus cuerpos.
Sin embargo, este cuadro en particular destaca como una excepción.
Perdue elogió enormemente la precisión con la que Caravaggio representó la fruta y destacó la meticulosa atención al detalle del artista.
Narciso (1597)
Se cree que Caravaggio pintó el Narciso entre 1597 y 1599.
Representa la historia mitológica de Narciso, un joven que mira su reflejo en el agua y se enamora de él.
Se obsesionó tanto con su reflejo que no podía apartar la vista de su imagen, lo que finalmente le causó la muerte.
Esta composición pone de relieve el tema de la obsesión con uno mismo y el trágico destino de Narciso.
El uso que hace Caravaggio del claroscuro, el contraste dramático entre la luz y la oscuridad, resalta la intensidad emocional de la escena y la fijación de Narciso en su propia imagen.
La pintura es famosa por su profundidad psicológica y el dominio magistral de Caravaggio sobre la luz y la sombra para transmitir la moraleja de la historia.
Juan el Bautista (1602)
Justo al lado de "El niño con la cesta de frutas", encontrarás otro cuadro de Caravaggio, "Juan en el desierto", que muestra a un San Juan Bautista cansado y delgado.
Un crítico de arte aficionado podría pensar que San Juan luce tan triste porque está pensando en el sacrificio que Jesucristo realizará más adelante.
Pero quienes estén familiarizados con los métodos de Caravaggio podrían suponer que simplemente utilizó como modelo a un niño de la calle que se aburrió durante la sesión, y eso fue lo que pintó Caravaggio.
Históricamente, se dice que Scipione Borghese y su tío, el Papa Pablo V, se apropiaron de este cuadro, junto con "Baco enfermo" y "Niño con una cesta de frutas", de Giuseppe Cesari después de que supuestamente fuera encarcelado injustamente.
Esto le dio a la familia Borghese la oportunidad de hacerse con estas obras de arte.
Fíjate bien en lo sucio que está el niño, sobre todo en el pecho y los hombros.
Caravaggio solía elegir modelos de las clases sociales más bajas para ahorrar dinero, por lo que tienen un aspecto bastante tosco.
Palafrenieri de Caravaggio
Frente al cuadro de San Jerónimo, hay una gran obra de arte llamada "Palafrenieri", que representa a Jesús, a su madre María y a su abuela Ana.
Inicialmente, los creadores concibieron la pintura para la Basílica de San Pedro en Roma.
Sin embargo, las autoridades lo rechazaron porque consideraron que la representación de María, Jesús y Ana era inapropiada para el espacio sagrado.
En la pintura, María lleva un vestido que se considera demasiado revelador para la Virgen Madre de Dios.
En el arte, la imagen de Jesús con cabello rojo solía asociarse con rasgos negativos y no era bien recibida.
Además, Ana, la madre de María, parece angustiada. Su piel luce áspera y su expresión denota enojo mientras María y Jesús pisan una serpiente, simbolizando su victoria sobre el mal.
Esculturas de Bernini
La galería alberga varias de las famosas esculturas de mármol del maestro barroco Gian Lorenzo Bernini, como Apolo y Dafne, El rapto de Proserpina, David y Eneas, Anquises y Ascanio.
Alberga la increíble colección personal del cardenal Scipione Borghese, un importante mecenas de las artes a principios del siglo XVII.
Este museo íntimo y opulento es famoso por su vestíbulo principal, donde se destacan las esculturas de mármol de escenas mitológicas de Gian Lorenzo Bernini.
Entre estas imágenes, Apolo y Dafne capturan el momento en que las manos de Dafne comienzan a transformarse en corteza de árbol y hojas para escapar del agarre de Apolo.
En otra obra importante, Plutón sujeta a Proserpina por el muslo mientras la arrastra al inframundo, con el cuerpo de ella retorciéndose en una postura serpentina.
La maestría técnica de Bernini también se aprecia en Eneas, Anquises y Ascanio, que representa a un héroe troyano huyendo de Troya con su familia.
Vestíbulo y Marco Curcio saltando al abismo
En la hermosa zona de recepción del palacio, encontrará antiguos mosaicos romanos acordonados en el suelo.
Se cree que estos mosaicos proceden de las Termas de Caracalla en Roma.
Otra cosa que notará es un hermoso techo con intrincados diseños de estilo rococó que representan escenas de la mitología pagana.
Si le das la espalda a la puerta y miras hacia donde la pared se une con el techo, encontrarás una impresionante escultura en relieve de Pietro Bernini, padre del famoso Gian Lorenzo Bernini.
Esta escultura es única, ya que representa la leyenda de Marco Curcio.
Según la historia, una gran grieta apareció en el suelo de Roma tras un terremoto en el siglo IV a. C.
Pensando que se trataba de una señal, los romanos consultaron a un adivino para saber qué debían hacer.
Les dijo que los dioses querían su tesoro más valioso en la grieta.
Marco Curcio dijo que el tesoro más valioso de Roma era su valentía.
Entonces, se vistió con armadura completa, montó a caballo y saltó a la grieta, que luego se cerró, salvando supuestamente a Roma.
El amor sagrado y profano de Tiziano
Nicolo Aurelio encargó este cuadro para su boda con Laura Bagarotto en 1514.
Inicialmente llamada "Belleza adornada y belleza sin adornos" en 1613, recibió su nombre actual en 1693.
La obra de arte muestra una conversación entre dos versiones de Venus, que representan el amor entre humanos y dioses, mostradas juntas pero también resaltando sus diferencias.
Venus, que representa el amor divino, está desnuda y situada en un lugar más elevado, lo que muestra pureza y belleza celestial.
En cambio, la otra Venus, que representa el amor humano y la alegría del matrimonio, está vestida y más cerca del suelo.
Cupido y las rosas entre ellos resaltan el tema del amor, y una representación de la lujuria desenfrenada en un sarcófago añade otra capa a la pintura.
La creación de Tiziano combina hábilmente opuestos, desde la forma en que se muestran las figuras hasta sus significados simbólicos, inspirándose en mitos e ideas del Renacimiento.
Diana y sus ninfas por Domenichino
El cuadro de la habitación número 14 representa a Diana, la diosa de la caza, que siempre está acompañada por su grupo de ninfas.
También se la relaciona con el deseo y la fertilidad. La historia del cuadro trata sobre Diana y un hombre llamado Acteón.
Acteón ve por casualidad a Diana mientras se baña, lo que la sorprende. Molesta, Diana le salpica agua y él se transforma en ciervo.
La situación empeora cuando sueltan a los propios perros de Acteón, quienes acaban matándolo.
En la pintura se puede apreciar cómo se desarrolla la historia, desde Acteón espiando entre los árboles hasta el ataque de los perros y, finalmente, el robo del ciervo.
El cuadro también tiene un toque dramático.
El cardenal Pietro Aldobrandini se negó a vendérselo a Scipione Borghese, lo que provocó que, al igual que otros, terminara en la cárcel.
El cuadro muestra que no conviene meterse con Diana, y quizás Scipione Borghese se parecía un poco a ella en ese sentido.
El entierro de Rafael
Se trata de una litografía basada en un dibujo de Rafael de alrededor de 1506-07, que actualmente se encuentra en el Museo del Louvre en París.
El dibujo era un estudio para el cuadro de Rafael "El entierro de los Borghese", terminado en 1507 y que actualmente se encuentra en la Galería Borghese de Roma.
Esta lámina forma parte de una serie de la Galería Lawrence que muestra copias de dibujos de Rafael.
La pintura era originalmente la pieza principal de un retablo para una iglesia en Perugia, realizada en honor a Grifonetto, hijo de Atalanta Baglioni, quien fue asesinado en 1500.
Rafael comenzó a trabajar en ella alrededor de 1505, y muchos bocetos dieron como resultado la obra final.
Muestra a Cristo siendo llevado a su tumba, una escena que mezcla temas tradicionales con la narrativa de Rafael.
Scipione Borghese, pariente del Papa Pablo V, trasladó el cuadro a su colección en Roma en 1608.
Napoleón se lo llevó a París en 1797, pero fue devuelto a Roma en 1815.
La cabra Amaltea con el infante Júpiter y un fauno
Esta escultura muestra al joven dios Júpiter ordeñando a una cabra llamada Amaltea, que lo mira fijamente.
Un pequeño fauno, Pan, bebe leche de un cuenco situado detrás de la cabra.
La primera mención conocida de esta escultura en Villa Pinciana data de 1615.
Durante mucho tiempo, nadie supo quién lo había hecho, hasta 1926, cuando se le atribuyó a Gian Lorenzo Bernini, un artista famoso.
Algunos cuestionan si Bernini realmente lo logró, pero aún se considera una señal temprana de su gran habilidad.
Se cree que la escultura simboliza un retorno esperanzador a una época de paz y prosperidad, inspirada en la historia de Amaltea y relacionada con Pablo V de la familia Borghese, que era papa en aquel entonces.
Paolina Borghese como Venus Victrix
"Paolina Borghese como Venus Victrix" es una renombrada escultura neoclásica de mármol creada por el artista italiano Antonio Canova entre 1805 y 1808.
La escultura, encargada por Camillo Borghese, esposo de Paolina Borghese y cuñado de Napoleón Bonaparte, retrata a Paolina como la diosa romana Venus.
Realizada entre 1804 y 1810 en Roma, la escultura la muestra parcialmente cubierta, creando una imagen muy atractiva.
Paolina Borghese fue una figura destacada de su época, conocida por su belleza, encanto e influencia, y fue elegida como la más bella de dos diosas.
Se la representa recostada en un sofá, parcialmente cubierta con una tela que acentúa su figura voluptuosa.
Su postura es relajada y seductora, con un brazo levantado por encima de la cabeza y el otro apoyado en la cadera.
Su expresión es serena y segura, encarnando el encanto atemporal de la diosa Venus.
En esta representación, Paolina encarna la belleza y la gracia idealizadas de Venus, evocando los ideales clásicos de armonía, equilibrio y perfección.
Representa no solo la belleza de su tema, sino también el genio artístico de su creador, inmortalizando tanto a Paolina Borghese como a Antonio Canova en los anales de la historia del arte.
Mosaicos de gladiadores
En 1834, durante una excavación en la finca Borghese, cerca de Roma, se encontraron siete fragmentos de mosaicos romanos antiguos.
Estas obras de arte mostraban escenas de caza y luchas de gladiadores, probablemente procedentes de una rica villa romana.
La pieza a la que nos referimos tiene piezas coloridas que conforman una escena de caza de panteras con dos niveles: panteras muertas en la parte superior y una pelea en la parte inferior.
En un lado hay una pantera que no está luchando y en el otro solo se ven las patas de otro animal.
En aquella época, proyectar escenas de gladiadores y de caza en los hogares era una forma que tenían los ricos de alardear de su estatus y valentía.
Dama con unicornio de Rafael
En 1506, Rafael pintó un cuadro que la familia Borghese compró en 1760, sin saber que era obra suya.
Fue solo durante una restauración del siglo XIX cuando la gente se dio cuenta de que la obra era de Rafael.
El cuadro se encuentra en la habitación número nueve y muestra a una mujer sosteniendo un unicornio, que simboliza la pureza, pero nadie sabe quién es.
Su postura al sentarse y el fondo recuerdan a otro cuadro, "La dama del armiño" de Leonardo da Vinci.
Estudios posteriores descubrieron que Rafael pintó primero un perro junto a la mujer, pero luego lo cambió por un unicornio.
El Descendimiento de Rafael
En 1507, Rafael pintó "El Descendimiento" sobre paneles de madera para Atlanta Baglione en memoria de su hijo, que había fallecido.
El cuadro se encuentra en la habitación número nueve e incluye figuras que llevan a Jesús a su tumba, una de las cuales se parece a su hijo, Grifonetto Baglione.
Grifonetto formó parte de una conspiración para hacerse con los puestos de liderazgo de su ciudad el 3 de julio de 1500.
Sin embargo, el plan fracasó y, cuando intentó regresar, su avergonzada madre le negó asilo.
Murió tras un enfrentamiento con Gian Paolo Baglione, el nuevo jefe de la familia.
Años después, su madre le pidió a Rafael que le hiciera el cuadro.
Sin embargo, la pintura no muestra a Jesús siendo bajado de la cruz como sugiere el título "El Descendimiento", ya que esa escena está muy al fondo.
Rafael fue muy creativo con la escena, demostrando su talento para representar un cuerpo sin vida con realismo.
Imagen destacada: Tripadvisor.com