“El Juicio Final” es una de las composiciones más famosas e imponentes de Miguel Ángel, pintada entre 1536 y 1541 en la Capilla Sixtina. Ocupa un lugar especial en la capilla de la Museos del VaticanoSobre el altar, con fuertes referencias cristianas. Estas connotaciones religiosas se refieren a la Segunda Venida de Cristo y al veredicto sobre la humanidad: quiénes irán al cielo y quiénes al infierno. En este artículo, presentamos los diversos aspectos que se tuvieron en cuenta para pintar esta obra maestra para todas las épocas.
Historia de la pintura
Miguel Ángel pintó «El Juicio Final» casi 25 años después de terminar su obra en los techos. El papa Clemente VII lo contrató en 1534 para pintar el Juicio Final en el muro del altar, renovando así la decoración de la Capilla Sixtina. Debido a esto, se perdieron los frescos del siglo XV, incluyendo las pinturas de Perugino de los dos primeros episodios de las Historias de Moisés y Cristo y el retablo que representa a la Virgen Asunta entre los Apóstoles.
Finalmente, la obra del muro del altar comenzó en 1536, durante el papado de Pablo III, cuando Miguel Ángel quiso mostrar el glorioso regreso de Cristo a la luz de los textos del Nuevo Testamento. Gracias a sus extraordinarias habilidades artísticas, Miguel Ángel logró transmitir la majestuosidad y la belleza invisible de Dios. Transformó la Capilla Sixtina en “el santuario de la teología del cuerpo humano”, inspirándose en las palabras del Génesis.
Sobre la pintura
La pintura cubre toda la pared sobre el altar y comienza en lo alto del techo, ofreciendo un enorme lienzo de representación. Mide unos 14 m (46 pies) de altura y termina en el panel de madera de la pared y el altar. La representación es circular, con los eventos sucediéndose uno tras otro. Unas 300 figuras, hábilmente pintadas, conforman el fresco, centrado en Cristo con la mano alzada, impartiendo juicio a los condenados que descienden al infierno.
La representación de Cristo, con músculos tonificados, una apariencia imberbe y juvenil, y un porte sereno, fue retratada a propósito. La Virgen se encuentra junto a Cristo, con la cabeza girada en señal de rendición, lo que significa que solo puede esperar el resultado del juicio y ya no puede influir en él.
En los lunetos superiores, Cristo está rodeado por símbolos de su pasión, como una corona de espinas, una lanza, clavos y una cruz. Algunos santos importantes permanecen cerca, esperando el veredicto.
- San Pedro, con las llaves del Cielo,
- San Lorenzo con la parrilla,
- San Bartolomé, con su propia piel,
- Santa Catalina de Alejandría con la rueda dentada
- San Sebastián con las flechas y arrodillado.
Su composición general gira en un movimiento fluido, con los ángeles del Apocalipsis despertando a los muertos al son de largas trompetas. Los resucitados recuperan sus cuerpos mientras ascienden al cielo (la resurrección de la carne) en el lado derecho del fresco, mientras que ángeles y demonios luchan por enviar a los condenados al infierno en el lado izquierdo. Inspirado por el «Infierno» y «La Divina Comedia» de Dante, Miguel Ángel incluyó a Caronte y otros personajes mitológicos en la parte inferior de esta pintura.
Los pensamientos de Miguel Ángel detrás del cuadro.
Un tema popular durante el Renacimiento fue la representación del juicio final de Dios sobre la humanidad y la segunda venida de Jesucristo. Por lo tanto, el «Juicio Final» fue un tema popular en el arte de las iglesias de aquella época. Sin embargo, Miguel Ángel pintó su interpretación de los acontecimientos inspirándose en la «Divina Comedia» y el «Infierno» de Dante.
Además, la representación de Cristo difiere de cómo lo percibía el cristianismo, con músculos tonificados y sin barba. Miguel Ángel creó una sensación de profundidad y espacio superponiendo sus figuras y pintándolas aún más para sugerir una percepción espacial. Además, no pintó con marco, lo que le dio a la pintura una sensación de continuidad, como lo evidencian algunas figuras recortadas en los bordes.
Este efecto confiere a la composición una sensación eterna de movimiento y acción. Otra forma de expresar su interpretación es colocar la pintura en el muro del altar. De esta manera, la pintura quedaría justo frente a todos los que entraran en la capilla, haciendo imposible ignorar la idea del Infierno y la profecía de la Segunda Venida de Cristo.
Era casi como un recordatorio de la justicia contra los culpables. Con el tiempo, Miguel Ángel deleitó al público insertando varios símbolos ocultos. El primero es una figura de San Bartolomé con su piel, un autorretrato del propio Miguel Ángel, probablemente con referencia a su estado mientras pintaba la Capilla Sixtina. Otros son la representación de los siete pecados capitales en forma de diferentes imágenes e implicaciones.
Crítica
Si bien esta obra maestra recibió gran reconocimiento y elogios por el genio y el estilo pictórico de Miguel Ángel, no estuvo exenta de controversias y críticas. No les gustaba la abundancia de desnudez, y Miguel Ángel fue criticado por mezclar figuras religiosas con mitología. Esto representa un cambio con respecto al Renacimiento italiano, donde los desnudos no se consideraban problemáticos.
Muchos críticos creían que Miguel Ángel debería haber seguido los acontecimientos bíblicos con mayor precisión. Algunos señalaron que Cristo debería representarse sentado en un trono y que algunos de los drapeados ondulantes son imposibles porque el mal tiempo debía cesar en el Día del Juicio.
El maestro de ceremonias, Biagio da Cesena, la criticó duramente, afirmando que era "de lo más deshonesto" tener tantas figuras desnudas pintadas en un "lugar tan honorable" como una capilla, y que no era una obra para la Capilla del Papa, sino para tabernas y hornos. Sin embargo, tras la muerte de Miguel Ángel en 1564, se contrató al pintor Daniele Da Volterra para que cubriera gradualmente los desnudos visibles con telas a lo largo de los años.
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