چه چیزهایی را در MoMA ببینید

موزه هنر مدرن (MoMA) در میان مشهورترین موزه‌های جهان برای هنر مدرن و معاصر قرار دارد.

مجموعه وسیع آن، با بیش از ۲۰۰۰۰۰ اثر، از اواخر قرن نوزدهم تا به امروز را در بر می‌گیرد.

بازدید از موزه هنر مدرن (MoMA) نگاهی اجمالی و چشمگیر به تکامل هنر ارائه می‌دهد و آثار پیشگامانه و تأثیرگذاری را در رسانه‌های مختلف به نمایش می‌گذارد.

این مقاله به بررسی ۱۵ اثر نمادین از مجموعه موزه هنرهای مدرن (MoMA) می‌پردازد که بازدید از آنها برای هر بازدیدکننده‌ای ضروری است.

Les Demoiselles d'Avignon (1907) اثر پابلو پیکاسو

این نقاشیِ تأثیرگذار اثر هنرمند مشهور اسپانیایی، پابلو پیکاسو، پنج زن برهنه را که گمان می‌رود فاحشه باشند، در یک فاحشه‌خانه به تصویر می‌کشد.

این اثر که به خاطر پرسپکتیوهای تکه‌تکه، چهره‌های الهام گرفته از ماسک‌های آفریقایی و رنگ‌های جسورانه‌اش قابل توجه است، اثری پیشگام است که راه را برای کوبیسم و هنر مدرن هموار کرد.

این اثر که در ابتدا تکان‌دهنده و بحث‌برانگیز بود، روح مدرنیسم اولیه را در خود جای داده و جایگاه پیکاسو را به عنوان یک چهره هنری پیشگام برجسته می‌کند.

رقص ۱ (۱۹۰۹) اثر هنری ماتیس

هنری ماتیس، هنرمند افسانه‌ای فرانسوی، مجموعه تحسین‌شده رقص خود را با این نقاشی آغاز کرد.

این اثر پنج پیکر برهنه را نشان می‌دهد که در دایره‌ای در برابر پس‌زمینه‌ای قرمز رنگ و چشمگیر می‌رقصند. مشخصه این اثر، استفاده متمایز ماتیس از رنگ‌های جسورانه و غیرواقع‌گرایانه است.

این اثر، نشانه‌ای از سبک فوویستی اوست - این اثر، شادی، روح رقص و طبیعت بی‌خیال دوران پیش از جنگ جهانی اول اروپا (Belle Epoque) را منتقل می‌کند.

رقص ۱ نه تنها گواهی بر تسلط ماتیس بر رنگ‌آمیزی است، بلکه نمادی ماندگار از سرزندگی در هنر تجسمی نیز می‌باشد.

سه نوازنده (۱۹۲۱) اثر پابلو پیکاسو

در این نقاشی رنگ روغن کوبیستی، پیکاسو سه نوازنده را با ماسک‌های پیرو، هارلکین و یک راهب، شخصیت‌های کمدیا دلارته، به تصویر کشیده است.

این نقاشی با نمایش سبک کوبیسم پیکاسو، واقعیت را به اشکال هندسی انتزاعی تبدیل می‌کند و خلاقانه با فضا و فرم بازی می‌کند.

به عنوان نمونه‌ای برجسته از تکنیک‌های کوبیسم و تفسیری بازیگوشانه از یک مضمون هنری رایج، این اثر یکی از برجسته‌ترین آثار پیکاسو از دوره کوبیسم اوست.

شب پرستاره (۱۸۸۹) اثر ونسان ون گوگ

برای همه بازدیدکنندگانی که می‌خواهند بدانند در موزه هنر مدرن چه ببینند، تماشای شب پرستاره معروف جهانی خالی از لطف نیست.

شاید مشهورترین نقاشی جهان، شب پرستاره اثر ونسان ون گوگ، نقاش پست امپرسیونیست هلندی، باشد که آسمان شب چرخان را بر فراز یک روستای کوچک به تصویر می‌کشد.

استفاده منحصر به فرد ون گوگ از رنگ‌های زنده و ضربات قلم موی پویا، احساسات عمیقی را منتقل می‌کند و منعکس کننده مبارزات اوست.

شب پرستاره همچنان جذاب است و تأثیر عمیق ون گوگ را در ترکیب هنر با احساسات، تخیل و دیدگاه شخصی نشان می‌دهد.

تداوم حافظه (۱۹۳۱) اثر سالوادور دالی

سالوادور دالی، نقاش سورئالیست اسپانیایی، مشهورترین اثر خود، «تداوم حافظه» را خلق کرد.

این نمونه‌ی بارزی از توانایی او در ارائه‌ی تصاویر گیرا و فراموش‌نشدنی است.

این نقاشی ساعت‌های جیبی نرم و در حال ذوب را نشان می‌دهد که بی‌روح بر روی سنگ‌ها در مقابل پس‌زمینه‌ای از منظره‌ی غروب آفتاب قرار گرفته‌اند.

این نمادگرایی بلافاصله درک متعارف ما را به چالش می‌کشد و به دلیل نمادگرایی عجیب و غریبش در حافظه می‌ماند.

این نقاشی محبوبیت گسترده‌ای پیدا کرد و دالی را به عنوان یکی از ماهرترین نقاشان سورئالیست تثبیت کرد.

کولی خفته (۱۸۹۷) اثر هنری روسو

هنری روسو، یک پست امپرسیونیست فرانسوی، هنرمندی خودآموخته بود که با محافل آوانگارد مرتبط بود.

آثار او، از جمله نقاشی باورنکردنی «کولی خفته»، پیش درآمدی بر چندین سبک هنری مدرن بود که بعدها ظهور کردند.

در این نقاشی، یک شیر عجیب و غریب در آرامش در نزدیکی یک انسان خوابیده در زیر آسمان پرستاره شب استراحت می‌کند.

با وجود اینکه روسو هرگز فرانسه را ترک نکرد، تصاویر رؤیاگونه او از چیزهای عجیب و غریب، تخیل زنده او را نشان می‌دهد.

این نقاشی، که مشاهدات دقیق طبیعت را با صحنه‌های سرسبز جنگل و حیات وحش ترکیب می‌کند، سبک رئالیسم جادویی منحصر به فرد روسو و تأثیر قابل توجه او را به نمایش می‌گذارد.

مرلین مونرو طلایی (۱۹۶۲) اثر اندی وارهول

اندی وارهول، از چهره‌های برجسته‌ی پاپ آرت آمریکایی، به خاطر چاپ سیلک اسکرین از کالاهای مصرفی روزمره و افراد مشهور مشهور بود.

این شامل پرتره‌های معروف او از مرلین مونرو پس از مرگش در سال ۱۹۶۲ نیز می‌شد.

مرلین مونرو طلایی، که بر اساس یک عکس تبلیغاتی از فیلم نیاگارا محصول ۱۹۵۳ او ساخته شده، یک پرتره گرافیکی اما جذاب است.

این اثر هنری که با استفاده از اکریلیک طلایی و جوهر سیلک اسکرین خلق شده، مصرف‌گرایی، شهرت و فرآیند خلق اثر هنری را که همگی از نشانه‌های سبک پاپ آرت وارهول هستند، با هم ترکیب می‌کند.

قوطی‌های سوپ کمپبل (۱۹۶۲) اثر اندی وارهول

«قوطی‌های سوپ کمپبل» اثر اندی وارهول، مجموعه‌ای از ۳۲ بوم نقاشی، از جمله مشهورترین آثار اوست.

این مجموعه، همان کالای آشنای خواربارفروشی را بازتولید می‌کند و هر بوم، نوع متفاوتی از آن را به تصویر می‌کشد.

این تکرار، تولید انبوهِ محورِ ایدئولوژی پاپ آرت را منعکس می‌کند و زندگی روزمره طبقه متوسط آمریکا را در اوایل دهه ۱۹۶۰ نشان می‌دهد.

سلیقه شخصی وارهول در نقص‌های جزئی و محو شدن ناهموار برخی از گونه‌ها مشهود است.

با ارائه اقلام روزمره از دریچه‌ای جدید، «قوطی‌های سوپ کمپبل» مرز بین هنر والا و زندگی روزمره را محو می‌کند.

مجموعه نیلوفرهای آبی (۱۹۱۴-۱۹۲۶) اثر کلود مونه

هیچ فهرستی از شاهکارهای موزه هنر مدرن (MoMA) بدون اشاره به مجموعه نیلوفرهای آبی کامل نمی‌شود.

کلود مونه، امپرسیونیست فرانسوی، مجموعه نیلوفرهای آبی او، اهداف و تکنیک‌های امپرسیونیسم را به تصویر می‌کشد و بر هنر معاصر تأثیر می‌گذارد.

مونه از اوایل دهه ۱۹۰۰ تا زمان مرگش در اواسط دهه ۱۹۲۰، بیش از ۲۵۰ نقاشی رنگ روغن از نیلوفرهای آبی در باغ‌های تزئینی که در ملک خود در ژیورنی ایجاد کرده بود، کشید.

علاقه‌ی شدید او به برکه‌ی نیلوفرهای آبی منجر به خلق آثاری شد که به انتزاع واقعی نزدیک بودند و پیش‌درآمد اکسپرسیونیسم انتزاعی به شمار می‌رفتند.

مجموعه نیلوفرهای آبی، نمونه‌ای از تعهد مونه به کاوش و گسترش مرزهای امپرسیونیسم است.

این امر از تلاش‌های او برای ثبت جلوه‌های گذرای نور و هوا با استفاده از برداشت‌های سریع از رنگ و حرکت آشکار است.

خودنگاره با موهای کوتاه (۱۹۴۰) اثر فریدا کالو

فریدا کالو، هنرمند مشهور مکزیکی، به خاطر خودنگاره‌های جذابش که به مضامین هویت، تمایلات جنسی، درد، زندگی و مرگ می‌پردازند، مورد تحسین قرار گرفته است.

این پرتره که کمی پس از طلاق کالو از دیه‌گو ریورا خلق شده، او را در لباسی مردانه و غیرمعمول، با کت و شلوار مردانه و موهای بلند نمادینش نشان می‌دهد.

این نقاشی تاریک و مبهم، مهارت او را در تمثیل بصری و نمادگرایی، با الهام از زندگی‌اش و تلفیق استعاره‌های ریشه‌دار در فرهنگ عامه مکزیک، به نمایش می‌گذارد.

دختر در حال غرق شدن (۱۹۶۳) اثر روی لیختنشتاین

روی لیختنشتاین، چهره برجسته پاپ آرت، روش چاپ نقطه‌ای بن-دی، که از ارکان هنر تجاری بود، را برای بوم‌های نقاشی گسترده خود متحول کرد.

این بوم‌ها مضامین اصیل آمریکایی از عاشقانه، جنگ و موارد دیگر را به تصویر می‌کشیدند.

«دختر غرق» لحظه‌ای دراماتیک را از یک کتاب مصور عاشقانه دهه ۱۹۶۰ وام گرفته است، که با حباب‌های فکری تکمیل می‌شود و رویکرد بی‌طرفانه و طنزآمیز او را به تصویر می‌کشد.

این اثر کلیشه‌های زنانگی ایده‌آل، تجارت‌گرایی و روایت‌های رمانتیک کلیشه‌ای را نقد می‌کند.

این نقاشی نشان‌دهنده‌ی تأثیر ماندگار لیختنشتاین بر جنبش پاپ آرت است.

اشکال منحصر به فرد تداوم در فضا (1913) اثر اومبرتو بوچونی

موزه هنرهای مدرن علاوه بر نقاشی‌ها، مجموعه بزرگی از مجسمه‌ها را نیز در خود جای داده است.

یکی از مجسمه‌های دیدنی، اثر برنزی «اشکال منحصر به فرد تداوم در فضا» اثر هنرمند آینده‌نگر ایتالیایی، اومبرتو بوچونی، است.

بوچونی سرعت و حرکت را در این مجسمه از طریق یک فیگور انسانی کاملاً انتزاعی متشکل از سطوح و خطوط در حال اوج گرفتن، به تصویر می‌کشد.

این اثر، شیفتگی اوایل قرن بیستم به پویایی عصر ماشین را به تصویر می‌کشد.

آثار بوچونی با تأکید بر سرعت، قدرت و پتانسیل مجسمه‌سازی الهام گرفته از فناوری و زندگی مدرن، همچنان در هنر معاصر پیشگام است.

چرخ دوچرخه (۱۹۱۳) اثر مارسل دوشان

مارسل دوشان، یک نوآور رادیکال، با اثر خود «چرخ دوچرخه» - یک چرخ دوچرخه که وارونه روی یک چهارپایه چوبی قرار گرفته بود - هنر متعارف را به چالش کشید.

این اثر منجر به جنبش‌های بعدی مانند دادا و هنر مفهومی شد.

«چرخ دوچرخه» و اقلام مشابه آماده و تولید انبوه که به عنوان هنر ارائه می‌شدند، ارزیابی مجدد خلاقیت هنری را با تمرکز بر انتخاب و تفسیر ضروری ساختند.

«چرخ دوچرخه» به عنوان یکی از اولین آثار آماده، برداشت‌ها از مجسمه‌سازی و پتانسیل روایی آن را در قرن بیستم به طور قابل توجهی تغییر داد.

پرچم (۱۹۵۴-۵۵) اثر جاسپر جانز

پس از جنگ جهانی دوم، زمانی که هنر انتزاعی رواج یافت، جاسپر جانز «پرچم» را معرفی کرد، تصویری واقعی از پرچم آمریکا.

این نقاشی ترک‌ها و خطوط ظریفی دارد، مانند پرچمی که در نسیم گرفتار شده است.

این بازتولید واقع‌گرایی آشکار و تصاویر میهن‌پرستانه در هنر والا، نشان‌دهنده‌ی تغییر به سمت نئودادا و بعدها گرایش‌های پاپ آرت بود.

آثار جانز، بسیار شبیه به تعامل وارهول با فرهنگ مصرفی، پیوندی دوباره با رئالیسم و مضامین مرتبط با زندگی روزمره برقرار کرد.

شماره ۱A، ۱۹۴۸ اثر جکسون پولاک

جکسون پولاک، از چهره‌های شاخص اکسپرسیونیسم انتزاعی، با بوم‌های انتزاعی خود، ترکیبی پویا از قطرات رنگ و موارد دیگر، نقاشی را در اواسط قرن بیستم متحول کرد.

تکنیک او، با تأکید بر حرکات خودجوش و تمام‌عیار، احساسات درونی را بر اشکال بیرونی منتقل می‌کرد.

«شماره ۱A، ۱۹۴۸» گواهی بر این روش است، جایی که پولاک بوم را روی زمین دستکاری می‌کند و رقصی از رنگ را در اطراف آن هماهنگ می‌کند.

این اثر، نقطه عطفی مهم در نقاشی بود و به عمل خلق و بیان شخصی بیش از به تصویر کشیدن واقعیت ملموس بها می‌داد.

تصویر شاخص: Moma.org