Borghese-gallerian maalaukset

Ihmiset kaikkialta maailmasta rakastuvat Rooman Borghese-gallerian rikkauksiin, joka on taiteellisen kauneuden keskus.

Tämä arvostettu museo, joka sijaitsee Villa Borghesen laajoissa puutarhoissa, on koti vertaansa vailla olevalle taidekokoelmalle, johon kuuluu maalauksia ja veistoksia .

Galleria Borghese perustettiin 1600-luvun alussa kardinaali Scipione Borghese, joka oli intohimoinen taiteen ja kulttuurin ystävä.

Aluksi sitä säilytettiin kardinaalin talossa lähellä Pietarinkirkkoa, mutta 1620-luvulla se siirrettiin hänen uuteen huvilaansa Porta Pincianan portin ulkopuolelle.

Nykyään Borghese-galleriassa on yli 800 maalausta ja monia muita esineitä, mukaan lukien barokin ja renessanssin aikakauden tunnetuimpien taiteilijoiden mestariteoksia.

Borghese-galleria on edelleen loistava esimerkki taiteellisesta loistosta, ja se tarjoaa ihmisille ainutlaatuisen mahdollisuuden kokea menneisyyden ylellisyyttä ja eleganssia.

Sisäänkäynti ja Marcus Curtius hyppäämässä kuiluun

Palatsin kutsuvassa salissa on lattioilla köysillä koristeltu antiikin roomalaisia mosaiikkeja, jotka ovat huolella peräisin Rooman Caracallan kylpylöistä.

Salissa on myös vaikuttava rokokootyylinen korkea kattomaalaus, jossa on esillä erilaisia antiikin kohtauksia.

Merkittävä piirre tässä salissa on tunnetun Gian Lorenzo Berninin isän, Pietro Berninin, suunnittelema reliefi.

Se sijaitsee sisäänkäynnin yläpuolella; seiso vain kasvot ovea kohti ja katso ylös kohtaan, jossa seinä kohtaa katon.

Se on paljon enemmän kuin pelkkä reliefi; se kuvaa Marcus Curtiuksen sankarillista tekoa heittäytyessään kuiluun.

Historioitsijoiden mukaan maanjäristys 300-luvulla eaa. loi kuilun Rooman keskustaan.

Saadakseen selville tämän kuilun syyn roomalaiset kysyivät enteeltä, joka sanoi jumalten vaativan roomalaisia täyttämään sen arvokkaimmilla omaisuuksillaan.

Marcus Curtius vastasi, että rohkeus oli Rooman arvokkain omaisuus.

Osoituksena tästä uskomuksesta hän nousi hevosensa selkään, puki haarniskansa ja hyppäsi rotkoon, joka sulkeutui hänen ympärillään pelastaen Rooman.

Se kuvaa Marcus Curtiusta kuuluisasti syöksymässä jyrkänteeseen, mikä on paljon enemmän kuin pelkkä helpotus.

Caravaggion Poika hedelmäkorin kanssa

Caravaggion ”Poika hedelmäkorin kanssa” on erinomainen esimerkki hänen Caravaggion omaperäisestä maalaustavastaan ja kyvystään antaa tavallisille esineille hämmästyttävä syvyyden ja kauneuden tunne.

Tämä vuonna 1593 luotu taideteos Borghese-gallerian huoneessa VIII hurmaa aina katsojia yksityiskohdillaan ja syvällä emotionaalisella vaikutuksellaan.

Kuvassa on nuori poika, jolla on kori täynnä mehukkaita hedelmiä ja jonka katse on suunnattu suoraan taidemaalariin.

Maalaus on monimutkainen kontrastien ja hienovaraisuuksien vuorovaikutus.

Punaisine poskineen ja lempeine piirteineen, jotka ilmentävät viehätystä ja ystävällisyyttä, pojan kasvot ovat tutkimus viattomasta lapsuudesta.

Hänen ilmeessään on kuitenkin myös häivähdys ilkikurisuutta, tietämystä, joka jättää huomiotta hänen nuoren ikänsä.

Caravaggion valon ja varjon hallinta on läsnä kuvan jokaisessa osassa, pojan kasvojen pienistä äänistä hedelmien kauniisti teksturoidtuun pintaan.

Valon ja varjon vuorovaikutus luo syvyyden ja ulottuvuuden tunteen, houkutellen katsojaa jäämään ja ihailemaan jokaista yksityiskohtaa.

Tarkkuudella kuvatut hedelmät ovat realistisia ja niillä on symbolisia merkityksiä, jotka liittyvät nuoruuden, hedelmällisyyden ja runsauden katoavaisuuteen.

Pojan suoran katseen kautta maalaus kutsuu pohtimaan kauneuden lyhytaikaisia ominaisuuksia ja luonnon kestävää kauneutta.

”Poika hedelmäkorin kanssa” on näkyvästi esillä Borghese-gallerian huoneessa VIII muiden upeiden italialaisen renessanssin ja barokin aikakausien teosten joukossa.

Nuori Pyhä Johannes Kastaja

Tämä maalaus on upea mestariteos, joka sijaitsee Borghese-gallerian huoneessa VIII ja symboloi taiteilijan vallankumouksellista tekniikkaa ja syvää emotionaalista syvyyttä.

Tämä voimakas maalaus pyhimyslapsesta noin vuodelta 1602 kuvaa Caravaggion vertaansa vailla olevaa kykyä vangita ihmishahmo poikkeuksellisen realismin ja elävän intensiivisyyden avulla.

Pyhimys on kuvattu nuorena poikana, jolla on pitkät, hulmuavat hiukset ja mietteliäs ilme, seisomassa sommitelman keskipisteessä.

Hänen huulensa ovat raollaan kuin rukouksessa tai ajatuksessa, ja hänen katseensa on suunnattu ylöspäin.

Valon ja varjon dramaattinen vuorovaikutus korostaa hänen kasvonpiirteitään.

Se välittää hetken vakavuuden, osoittaa Caravaggion taidon tekstuurien luomisessa ja elämän ja läsnäolon tunteen luomisessa valon ja pimeyden kontrastin kautta.

Jokainen kuvan elementti ilmentää Caravaggion vaikuttavaa lahjakkuutta herkästä esitystavasta

Pyhän Johanneksen piirteet hänen ihonsa ja hiustensa herkkiin kuvioihin.

Maalaus ”Nuori Johannes Kastaja” sisältää merkitystä ja symboliikkaa.

Kristillisessä ikonografiassa Pyhä Johannes on erityisen merkittävä Kristuksen esi-isä, joka edustaa moraalista puhtautta ja hengellistä valaistumista.

Hänen nuoruutensa ja tietämättömyytensä muistuttavat lunastuksen mahdollisuudesta ja uskon muuttavasta voimasta.

Tämä maalaus sijoittuu muiden italialaisen renessanssin ja barokin taiteen mestariteosten joukkoon.

Caravaggion Pyhä Hieronymus

Caravaggion Pyhä Hieronymus, joka sijaitsee Borghese-gallerian huoneessa VIII, on voimakas kuvaus pyhimyksestä yksinäisen mietiskelyn tilassa.

Vuosien 1605 ja 1606 välillä luotu mestariteos osoittaa Caravaggion valon ja varjon hallinnan, kyvyn tuottaa voimakkaita tunteita sekä laajan tietämyksen ihmisen psyykestä.

Pyhä Hieronymus kuvataan ikääntyneenä ja vakavana ihmisenä, joka on uppoutunut pohdintaan ja jonka katse on kiinnitetty ristiin, jota hän pitää kädessään, heijastaen vuosien omistautumista ja mietiskelyä.

Hänen kasvojensa ääriviivat – poskien rypyt ja otsan uurteet – korostuvat valon ja varjon tanssissa.

Pyhän Hieronymuksen hahmo on maalattu hämmästyttävän tarkasti ja yksityiskohtaisesti; jokainen karva hänen paksussa parrassaan ja hänen ihonsa luonnolliset rypyt on kuvattu herkästi, mikä antaa maalaukselle syvyyden ja aitouden tunteen.

Tummaa taustaa vasten sijoitettu sommittelu on yksinkertainen mutta voimakas, ja valon ja varjon jyrkät kontrastit korostavat itsetutkiskelun teemaa.

Tämä vetää katsojan tehokkaasti mukaan pyhimyksen hengelliseen matkaan ja sisäiseen kamppailuun, mikä tekee "Pyhästä Hieronymuksesta" syvästi symbolisen teoksen, joka pohtii sovitusta ja hengellistä valaistumista.

Caravaggion Palafrenieri

Pyhän Hieronymuksen vastapäätä on suuri Palafrenieri-niminen maalaus, jossa on kuvattuna Jeesuksen äiti Maria ja Marian äiti Anne.

Alun perin Rooman Pietarinkirkkoon tilattu teos hylättiin liian ekstravaganttina.

Teos kuvaa Mariaa matalakauluksisessa vaatteessa, jota pidetään sopimattomana Neitsyt Marialle, ja Jeesusta punatukkaisena, mikä on kiistanalainen valinta sen taiteessa ilmenevien negatiivisten mielleyhtymien vuoksi.

Lopuksi, Maryn äidillä, Annella, on hieman levoton ilme.

Pienten muutosten jälkeen kardinaali Scipione Borghese puuttui asiaan ja osti taideteoksen erittäin halvalla.

Marian ja Jeesuksen kuvaus tallaamassa käärmettä jalkoihinsa kuvaa heidän uhmaansa Saatanaa vastaan, Marian ihon näyttäessä nahan kaltaiselta ja silmien täyttyessä raivosta.

Daavid ja Goljatin pää

Daavid ja Goljatin pää, jota säilytetään Borghese-gallerian huoneessa VIII, on noin vuonna 1610 maalattu muotokuva raamatullisesta hahmosta Daavidista.

Maalauksessa Daavid on kuvattu surullisen näköisenä nuorena miehenä, joka seisoo teoksen keskellä pitäen kädessään filistealaisjättiläisen Goljatin irtileikattua päätä.

Valon ja varjon luoma dramaattinen ja jännittynyt tunnelma korostaa jyrkkää kontrastia Goljatin kauhistuttavan kuoleman ja Daavidin nuoren viattomuuden välillä.

Hänen hymynsä heijastaa hetken molempia puolia – voiton iloa tasapainottaen toisen ihmisen hengen riistämisen painoa – sekä voiton että katumuksen puolena.

Daavidin hahmo on sijoitettu tummaa taustaa vasten maalauksen suoraviivaisessa mutta tehokkaassa sommittelussa, mikä korostaa kohtauksen intensiivisyyttä.

Maalaus on täynnä symboliikkaa ja merkitystä, ja se edustaa rohkeuden, sankaruuden ja hyvän voiton pahan yli teemoja.

Yhtenä Raamatun ikonisimmista tarinoista, Daavidin ja Goljatin tarina, on ihastuttanut yleisöä vuosisatojen ajan, ja Caravaggion voimakas tulkinta herättää kertomuksen eloon.

Caravaggion Sairas Bacchus

Caravaggion merkittävä teos ”Sairas Bacchus” kuului aikoinaan Scipione Borgheselle ja tarjoaa kiehtovan kurkistuksen taiteilijan psyykeen.

Maalaus esittää Bacchuksen, roomalaisen viinin, hedelmällisyyden ja maanviljelyn jumalan, sairauden ja väsymyksen tilassa, mikä saattaa heijastaa Caravaggion omia kamppailuja päihteiden väärinkäytön, erityisesti alkoholismin, kanssa.

Kuvaus on silmiinpistävän elävä ja kuvaa Bacchusta realismilla, joka ei jätä juurikaan tulkinnanvaraa.

Tämä öljyvärimaalaus kankaalle on Caravaggion viimeinen teos ennen kuin vierailijat siirtyvät Berninin veistoksiin huoneessa VIII, mikä merkitsee siirtymistä barokkimaalausten mestarista toiseen taiteellisen ilmaisun muotoon.

Rafaelin laskeuma

Borghese-gallerian huoneessa IX esillä oleva Rafaelin ”Kuolemanlasku” on 1500-luvun alun mestariteos, joka vangitsee Kristuksen ristiinnaulitsemista seuranneiden hetkien syvän surun ja kauneuden.

Maalaus kuvaa kiehtovasti Mariaa, rakastettua opetuslasta Johannesta ja Maria Magdaleenaa laskemassa varovasti Kristuksen elotonta ruumista ristiltä, heidän ilmeissään syvä suru.

Rafaelin erinomainen värien, valon ja varjojen käyttö korostaa vilpittömyyden ja kunnioituksen vaikutelmaa antaen hahmoille pehmeän eteerisen hehkun, mikä lisää maalauksen emotionaalista vaikutusta.

Jokainen sommittelun osa on sijoitettu huolellisesti selkeyden ja yhtenäisyyden luomiseksi, tehden siitä kokonaisuudessaan harmonisen ja tasapainoisen.

Kuva symboloi ja välittää teemoja lunastuksesta, uhrauksesta ja toivon voitosta toivottomuudesta.

Kävijöitä kannustetaan tutkimaan rakkauden ja anteeksiannon ikuista vaikutusta sekä Jeesuksen ylösnousemuksen ja kuoleman syvällistä mysteeriä.

Rafaelin nainen ja yksisarvinen

Borghesen perheen vuonna 1760 hankkima tämä vuonna 1506 luotu maalaus tunnistettiin alun perin Raffaellon teokseksi vasta 1800-luvulla tehdyn restauroinnin jälkeen.

Tuolloin ei ollut selvää, oliko maalaus Raffaellon tekemä, koska taiteilijan nimi liitettiin siihen vasta sen jälkeen, kun se restauroitiin 1800-luvulla.

Oudon naisen henkilöllisyys on edelleen tuntematon, eikä kukaan tiedä kuka hän oikeasti voisi olla.

Maalauksessa oleva nainen pitelee yksisarvista, neitsyyden symbolia, ja katsoo suoraan katsojaa.

Asettelu ja asetelma tuovat mieleen Leonardo da Vincin maalauksen ”Nainen kärpän kanssa”, mikä viittaa siihen, että Raffaello sai inspiraatiota Leonardon töistä.

Historioitsijat uskovat, että useiden tutkimusten jälkeen Raffaello päätti korvata alun perin tarkoitetun koiran naisen sylissä olevalla yksisarvisella, mikä lisäsi taideteokseen uuden kiehtovuuden ja monimutkaisuuden kerroksen.

Diana ja hänen nymfinsä, kirjoittanut Domenichino

Tämä Domenichinon mestariteos, joka sijaitsee Borghese-gallerian huoneessa XIV, vie sinut roomalaisten legendojen kauniiseen maailmaan.

Tämä upea muotokuva jumalatar Dianasta ja hänen nymfeistään, joka on maalattu 1600-luvun alussa, ilmentää täydellisesti jumalallisen ajatonta kauneutta ja armoa.

Sävellyksen keskellä seisoo metsästyksen jumalatar Diana, tasapainoillen nuoliviin olkapäällään ja jousi kädessään.

Hänen ympärillään ovat kauniissa maalauksessa kuvatut nymfit, jotka pomppivat ja tanssivat nautinnosta.

Kohtauksella on lumoava luonne, joka lisää taian ja lumouksen tunnetta sen täyttävän lempeän, hajavalon ansiosta.

Domenichinon pikkutarkka omistautuminen yksityiskohdille näkyy jokaisella työalueella, ihmisten herkistä piirteistä verhojen hämmästyttäviin laskoksiin.

Nymfit on kuvattu upealla eleganssilla ja kauneudella, ja heidän hulmuavat hiuksensa ja vaatteensa viittaavat liikkeeseen ja energiaan.

Jokainen hahmo sommitelmassa on sijoitettu huolellisesti antamaan rytmin ja tasapainon tunnetta, tehden siitä energisen ja harmonisen.

Kaiken kaikkiaan maalaus herättää rauhan ja tyyneyden tunteen ja kutsuu katsojat uppoutumaan klassisen mytologian maailmaan.

Symboliikaltaan rikas teos käsittelee luonnon, naisellisuuden ja jumalallisen voiman teemoja.

Danae

Tämä maalaus on osa kuuluisaa kokoelmaa, jonka Correggio loi Mantovan herttualle Federico II Gonzagalle.

Herttua lahjoitti myöhemmin nämä maalaukset, mukaan lukien tämän Danaen maalauksen, Kaarle V:lle.

Ne annettiin mahdollisesti Bolognassa vuonna 1530, mutta todennäköisemmin marraskuussa 1532, kun keisari vieraili Mantovassa.

Maalaus esittää prinsessa Danaeta, jonka hänen isänsä, kuningas Akrisios, on lukinnut vankilaan estääkseen tätä saamasta lapsia.

Se vangitsee hetken, jolloin Danaë ja Jupiter, joka Ovidiuksen kertoman mukaan muuttuu kultaiseksi sateeksi, kohtaavat.

Heidän lapsensa, Perseus, täyttää ennustuksen tappamalla lopulta Argiven kuninkaan.

Correggion teosten joukossa ainutlaatuinen kohtaus sijoittuu sisätiloihin intiimimpään ympäristöön.

Siinä on avioliiton jumala Hymen ja kaksi amoria, jotka tarkistavat kullan (Jupiterin hahmon) puhtauden. Tämä teko symboloi Jupiterin todellista ja korvaamatonta rakkautta Danaeta kohtaan.

Usein kysytyt kysymykset Borghese Gallery -maalauksista

Esittelyssä kuva: Tripadvisor.in