Que voir à la Galerie Borghèse ?
Apurva Sinha
·14 min read
La galerie Borghèse est une vaste galerie d'art à Rome qui abrite un sanctuaire de collections impressionnantes d'œuvres de géants tels que Bernini et Caravage.
En vous promenant, vous découvrirez les sculptures vivantes de Gian Lorenzo Bernini, qui semblent presque prêtes à s'animer.
Et les peintures profondes et émouvantes du Caravage qui suscitent des émotions fortes.
Les Borghese La galerie est bien plus qu'un simple musée ; c'est un lieu où l'on peut voyager dans le temps et admirer des œuvres d'art incroyables.
Tableaux du Caravage
La galerie Borghèse à Rome abrite une collection exceptionnelle de peintures du Caravage, présentant six chefs-d'œuvre de Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Il y a six tableaux, dont Le jeune Bacchus malade, Saint Jérôme écrivant et Garçon avec un panier de fruits.
Parmi celles-ci, « Bacchus » se distingue, la représentation réaliste du Caravage donnant vie au dieu romain du vin d'une manière étonnamment humaine.
Des tableaux du Caravage exposés à la galerie Borghèse à Rome :
Le jeune Bacchus malade (1593)
Bacchus malade est une autre œuvre remarquable du Caravage, présentant un Bacchus adolescent réaliste et maladif, à la peau jaunie, tenant une grappe de raisin.
Ce tableau n'est pas un autoportrait direct, mais il pourrait refléter les luttes personnelles de Caravage.
Cette œuvre représente Bacchus, le dieu romain associé à l'agriculture, au vin et à la fertilité, malade et faible.
Caravage lui-même a lutté contre l'alcoolisme, et ce tableau témoigne de cet aspect de sa personnalité.
Bacchus malade est le dernier tableau de Caravage présenté dans la salle VIII de la collection avant que l'exposition ne se poursuive avec des sculptures de Bernini.
Saint Jérôme écrivant (1605)
Le tableau de saint Jérôme est remarquable car il représente un moment crucial de la traduction de la Bible du grec au latin dans l'histoire chrétienne.
Il est facile d'oublier à quel point il était difficile de partager les connaissances par le passé.
Au IVe siècle à Rome, si vous étiez chrétien et ne compreniez pas le grec, vous étiez quelque peu laissé pour compte jusqu'à l'arrivée de saint Jérôme.
Grâce à sa traduction en latin, les Romains qui ne connaissaient que le latin purent enfin lire et apprécier la Bible.
David tenant la tête de Goliath (1605)
David, personnage biblique, est souvent représenté dans l'art, et cette version du Caravage le montre victorieux après avoir décapité Goliath.
Caravage a peint son propre visage sous les traits de Goliath, ce qui a donné lieu à diverses interprétations du tableau.
Il existe des théories selon lesquelles le garçon représenté sur le tableau serait l'assistant de Caravage, peut-être son amant, voire Caravage lui-même, illustrant différentes étapes de sa vie.
Une autre explication courante est que Caravage l'aurait peinte comme un cadeau pour le pape Paul V, cherchant à obtenir son pardon pour un crime qu'il avait commis.
Cependant, il ne retourna jamais à Rome et mourut peu après, faisant de ce tableau l'une de ses dernières œuvres.
Garçon avec un panier de fruits (1593)
Ce tableau a été créé par Caravage alors qu'il n'avait que 22 ans à Milan et est exposé dans la salle VII de la galerie Borghèse .
Dans ce tableau, Caravage utilise une technique appelée clair-obscur, qui met en valeur les détails du sujet grâce à l'utilisation des ombres.
Cette œuvre, l'une des premières de Caravage, évoque subtilement sa vie tourmentée.
Ayant perdu ses parents très jeune et lutté contre la toxicomanie, Caravage a souvent représenté des prostituées ou des sans-abri, ce qui se reflète dans la saleté qui recouvre leurs corps.
Cependant, ce tableau en particulier fait figure d'exception.
La précision de la représentation des fruits par Caravage a été vivement saluée par Perdue, qui a souligné le souci du détail de l'artiste.
Narcisse (1597)
On pense que Caravage a peint le Narcisse entre 1597 et 1599.
Elle illustre l'histoire mythologique de Narcisse, un jeune homme contemplant son reflet dans l'eau et en tombant amoureux.
Il devint tellement obsédé par son reflet qu'il ne pouvait plus se détacher de son image, ce qui causa sa perte.
Cette composition met en lumière le thème de l'obsession de soi et le destin tragique de Narcisse.
L'utilisation du clair-obscur par Caravage, ce contraste dramatique entre la lumière et l'obscurité, souligne l'intensité émotionnelle de la scène et l'obsession de Narcisse pour sa propre image.
Ce tableau est célèbre pour sa profondeur psychologique et la maîtrise avec laquelle Caravage utilise la lumière et l'ombre pour transmettre la morale de l'histoire.
Jean-Baptiste (1602)
Juste à côté du « Garçon au panier de fruits », vous trouverez un autre tableau du Caravage, « Jean dans le désert », représentant un saint Jean-Baptiste fatigué et amaigri.
Un critique d'art occasionnel pourrait penser que saint Jean a l'air si triste parce qu'il pense au sacrifice à venir de Jésus-Christ.
Mais ceux qui connaissent les méthodes du Caravage pourraient deviner qu'il a simplement utilisé comme modèle un enfant des rues qui s'ennuyait pendant la séance, et que c'est ce que le Caravage a peint.
Historiquement, on raconte que Scipione Borghese et son oncle, le pape Paul V, ont pris ce tableau, ainsi que « Bacchus malade » et « Garçon au panier de fruits », à Giuseppe Cesari après que celui-ci aurait été emprisonné injustement.
Cela a donné à la famille Borghese l'occasion de s'emparer de ces œuvres d'art.
Observez bien à quel point le garçon a l'air sale, notamment au niveau de la poitrine et des épaules.
Caravage choisissait souvent des modèles issus des classes sociales inférieures pour économiser de l'argent, c'est pourquoi ils ont un aspect assez rustique.
Palafrenieri par Caravage
En face du tableau de saint Jérôme, se trouve une grande œuvre d'art intitulée « Palafrenieri », représentant Jésus, sa mère Marie et sa grand-mère Anne.
À l'origine, les créateurs destinaient ce tableau à la basilique Saint-Pierre de Rome.
Cependant, les autorités l'ont rejetée car elles ont jugé la représentation de Marie, Jésus et Anne inappropriée pour cet espace sacré.
Sur ce tableau, Marie porte une robe jugée trop révélatrice pour la Vierge Marie, mère de Dieu.
Représenter Jésus avec des cheveux roux était souvent associé à des traits négatifs dans l'art et n'était pas bien accueilli.
De plus, Anne, la mère de Marie, semble bouleversée. Son visage est dur et son expression est empreinte de colère tandis que Marie et Jésus écrasent un serpent, symbolisant leur victoire sur le mal.
Les sculptures de Bernini
La galerie abrite plusieurs des célèbres sculptures en marbre du maître baroque Gian Lorenzo Bernini, telles qu'Apollon et Daphné, L'Enlèvement de Proserpine, David et Énée, Anchise et Ascagne.
Elle abrite l'incroyable collection personnelle du cardinal Scipione Borghese, un grand mécène des arts du début du XVIIe siècle.
Ce musée intimiste et opulent est réputé pour son hall d'entrée principal, où sont mises en valeur les sculptures en marbre de Gian Lorenzo Bernini représentant des scènes mythologiques.
Parmi ces images, Apollon et Daphné capturent le moment où les mains de Daphné commencent à se transformer en écorce d'arbre et en feuilles pour échapper à l'emprise d'Apollon.
Dans une autre œuvre importante, Pluton tient Proserpine par la cuisse tandis qu'il la traîne aux enfers, son corps se tordant dans une posture serpentine.
La maîtrise technique de Bernini est également mise en évidence dans Énée, Anchise et Ascagne, représentant un héros troyen fuyant Troie avec sa famille.
Hall d'entrée et Marcus Curtius sautant dans le gouffre
Dans le magnifique hall d'accueil du palais, vous découvrirez d'anciennes mosaïques romaines délimitées par des cordes au sol.
On pense que ces mosaïques proviennent des thermes de Caracalla à Rome.
Vous remarquerez également un magnifique plafond orné de motifs complexes de style rococo représentant des scènes de la mythologie païenne.
Si vous tournez le dos à la porte et regardez vers l'endroit où le mur rejoint le plafond, vous découvrirez une impressionnante sculpture en relief de Pietro Bernini, le père du célèbre Gian Lorenzo Bernini.
Cette sculpture est unique, elle représente la légende de Marcus Curtius.
Selon la légende, une large fissure serait apparue dans le sol de Rome après un tremblement de terre au IVe siècle avant J.-C.
Pensant qu'il s'agissait d'un signe, les Romains consultèrent un devin pour savoir quoi faire.
Il leur dit que les dieux voulaient leur trésor le plus précieux qui se trouvait dans la fissure.
Marcus Curtius affirmait que le plus grand trésor de Rome était sa bravoure.
Il revêtit donc son armure complète, monta à cheval et sauta dans la fissure, qui se referma alors, sauvant ainsi, paraît-il, Rome.
L'amour sacré et profane du Titien
Nicolo Aurelio commanda ce tableau pour son mariage avec Laura Bagarotto en 1514.
Initialement appelée « Beauté ornée et Beauté nue » en 1613, elle a reçu son nom actuel en 1693.
L'œuvre représente une conversation entre deux versions de Vénus, symbolisant l'amour des humains et des dieux, montrées ensemble mais soulignant également leurs différences.
Vénus, représentant l'amour divin, est nue et placée plus haut, symbolisant la pureté et la beauté céleste.
En revanche, l'autre Vénus, représentant l'amour humain et la joie du mariage, est vêtue et plus proche du sol.
Cupidon et les roses qui les séparent soulignent le thème de l'amour, et une représentation de la luxure débridée sur un sarcophage ajoute une autre dimension au tableau.
L'œuvre du Titien combine habilement les contraires, de la manière dont les figures sont représentées à leurs significations symboliques, puisant dans les mythes et les idées de la Renaissance.
Diane et ses nymphes par Domenichino
Le tableau de la salle numéro 14 représente Diane, la déesse de la chasse, toujours accompagnée de son groupe de nymphes.
Elle est également associée au désir et à la fertilité. L'histoire représentée dans le tableau est celle de Diane et d'un homme nommé Actéon.
Actéon aperçoit Diane par hasard alors qu'elle prend son bain, ce qui la surprend. Agacée, Diane lui jette de l'eau au visage, et il se transforme en cerf.
La situation s'aggrave lorsque les propres chiens d'Actéon sont lâchés sur lui et finissent par le tuer.
On peut voir l'histoire se dérouler dans le tableau, depuis Actéon espionnant à travers les arbres jusqu'à l'attaque des chiens et, finalement, l'enlèvement du cerf.
Ce tableau recèle également une part de drame.
Le cardinal Pietro Aldobrandini refusa de la vendre à Scipione Borghese, ce qui lui valut d'être jeté en prison comme à d'autres.
Ce tableau montre qu'il ne faut pas se frotter à Diane, et peut-être que Scipione Borghese lui ressemblait un peu en cela.
La mise au tombeau de Raphaël
Il s'agit d'une lithographie basée sur un dessin de Raphaël datant d'environ 1506-1507, qui se trouve aujourd'hui au Louvre à Paris.
Ce dessin était une étude préparatoire pour le tableau de Raphaël « La Mise au tombeau Borghèse », achevé en 1507 et actuellement conservé à la Galerie Borghèse, à Rome.
Cette estampe fait partie d'une série de la galerie Lawrence présentant des reproductions de dessins de Raphaël.
Ce tableau constituait à l'origine la partie principale d'un retable pour une église de Pérouse, réalisé en l'honneur de Grifonetto, le fils d'Atalanta Baglioni, tué en 1500.
Raphaël commença à y travailler vers 1505, avec de nombreuses esquisses qui aboutirent à l'œuvre finale.
Elle représente le Christ porté à sa tombe, une scène qui mêle des thèmes traditionnels à l'art narratif de Raphaël.
Scipione Borghese, un parent du pape Paul V, a transféré le tableau dans sa collection à Rome en 1608.
Napoléon l'emporta à Paris en 1797, mais elle fut restituée à Rome en 1815.
La chèvre Amalthea avec le jeune Jupiter et un faune
Cette sculpture représente le jeune dieu Jupiter en train de traire une chèvre nommée Amalthea, qui le regarde.
Un petit faune, Pan, boit du lait dans un bol situé derrière la chèvre.
La première mention connue de cette sculpture à la Villa Pinciana remonte à 1615.
On ignora longtemps qui en était l'auteur, jusqu'en 1926, date à laquelle l'œuvre fut attribuée à Gian Lorenzo Bernini, un artiste célèbre.
Certains se demandent si Bernini l'a réellement réalisée, mais elle est toujours considérée comme un signe précoce de son grand talent.
On pense que cette sculpture symbolise un retour porteur d'espoir à une époque de paix et de prospérité, inspirée par l'histoire d'Amalthée et liée à Paul V de la famille Borghèse, qui était pape à cette époque.
Paolina Borghèse dans le rôle de Vénus Victrix
« Paolina Borghese en Vénus Victrix » est une sculpture néoclassique en marbre de renom, créée par l'artiste italien Antonio Canova entre 1805 et 1808.
La sculpture commandée par Camillo Borghese, époux de Paolina Borghese et beau-frère de Napoléon Bonaparte, représente Paolina sous les traits de la déesse romaine Vénus.
Réalisée entre 1804 et 1810 à Rome, la sculpture la représente partiellement couverte, créant une image très attrayante.
Paolina Borghese était une figure marquante de son époque, connue pour sa beauté, son charme et son influence, choisie comme la plus belle de deux autres déesses.
Elle est représentée allongée sur un canapé, partiellement drapée d'un tissu qui met en valeur sa silhouette voluptueuse.
Sa pose est détendue et séduisante, un bras levé au-dessus de sa tête et l'autre posé sur sa hanche.
Son expression est sereine et confiante, incarnant le charme intemporel de la déesse Vénus.
Dans cette interprétation, Paolina incarne la beauté et la grâce idéalisées de Vénus, évoquant les idéaux classiques d'harmonie, d'équilibre et de perfection.
Elle représente non seulement la beauté de son sujet, mais aussi le génie artistique de son créateur, immortalisant ainsi Paolina Borghese et Antonio Canova dans les annales de l'histoire de l'art.
Mosaïques de gladiateurs
En 1834, sept fragments de mosaïques romaines antiques furent découverts lors de fouilles sur le domaine Borghese, près de Rome.
Ces œuvres d'art représentaient des scènes de chasse et de combats de gladiateurs, probablement issues d'une riche villa romaine.
L'œuvre dont nous parlons comporte des éléments colorés composant une scène de chasse à la panthère sur deux niveaux : des panthères mortes en haut et un combat en bas.
D'un côté, on aperçoit une panthère qui ne se bat pas, et de l'autre, seulement les pattes d'un autre animal.
À l'époque, exposer des scènes de gladiateurs et de chasse dans les maisons était une façon pour les riches d'afficher leur statut et leur bravoure.
La Dame à la licorne par Raphaël
En 1506, Raphaël a peint un tableau que la famille Borghèse a acheté en 1760, sans savoir qu'il était de lui.
Ce n'est que lors d'une restauration au XIXe siècle que l'on a réalisé que Raphaël en était l'auteur.
Le tableau se trouve dans la chambre numéro neuf et représente une femme tenant une licorne, symbole de pureté, mais personne ne sait qui elle est.
Sa façon de s'asseoir et l'arrière-plan rappellent un autre tableau, « La Dame à l'hermine » de Léonard de Vinci.
Des études ultérieures ont révélé que Raphaël avait d'abord peint un chien avec la femme, avant de le remplacer par une licorne.
La Déposition de Raphaël
En 1507, Raphaël peignit « La Déposition » sur des panneaux de bois pour Atlanta Baglione en mémoire de son fils décédé.
Le tableau se trouve dans la salle numéro neuf et représente des personnages transportant Jésus à son tombeau, dont l'un ressemble à son fils, Grifonetto Baglione.
Grifonetto a participé à un complot visant à prendre le contrôle de sa ville le 3 juillet 1500.
Cependant, le plan échoua et, lorsqu'il tenta de revenir, sa mère, honteuse, lui refusa l'asile.
Il a été tué après une confrontation avec Gian Paolo Baglione, le nouveau chef de famille.
Des années plus tard, sa mère demanda à Raphaël de réaliser le tableau pour lui.
Cependant, le tableau ne montre pas la descente de croix de Jésus, comme le suggère le titre « La Déposition », puisque cette scène se situe très loin à l'arrière-plan.
Raphaël a fait preuve de créativité dans cette scène, démontrant son talent pour représenter un corps sans vie avec réalisme.
Image mise en avant : Tripadvisor.com