Qual è la storia del Giudizio Universale di Michelangelo? Un'opera straordinaria della Cappella Sistina.
Apurva Sinha
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Il "Giudizio Universale" è una delle composizioni più famose e imponenti di Michelangelo, dipinta tra il 1536 e il 1541 nella Cappella Sistina. Occupa una posizione speciale nella cappella dei Musei Vaticani , sopra l'altare, con forti riferimenti cristiani. Tali connotazioni religiose rimandano alla Seconda Venuta di Cristo e al verdetto sull'umanità, ovvero a chi andrà in paradiso e chi all'inferno. In questo articolo, metteremo in evidenza i vari aspetti che hanno contribuito alla realizzazione di questo capolavoro senza tempo.
Storia del dipinto
Michelangelo dipinse il Giudizio Universale quasi 25 anni dopo aver completato i lavori sui soffitti. Papa Clemente VII incaricò Michelangelo nel 1534 di dipingere il Giudizio Universale sulla parete dell'altare, nell'ambito del restauro delle decorazioni della Cappella Sistina. A causa di questo intervento, gli affreschi del XV secolo andarono perduti, tra cui le opere di Perugino raffiguranti i primi due episodi della Storia di Mosè e di Cristo e la pala d'altare con la Vergine Assunta tra gli Apostoli.
In definitiva, i lavori sulla parete dell'altare iniziarono nel 1536, durante il pontificato di Paolo III, quando Michelangelo desiderò rappresentare il glorioso ritorno di Cristo alla luce dei testi del Nuovo Testamento. Grazie alla sua straordinaria abilità artistica, Michelangelo riuscì a trasmettere la maestà e l'invisibile bellezza di Dio. Trasformò la Cappella Sistina nel "santuario della teologia del corpo umano", traendo ispirazione dalle parole della Genesi.
Informazioni sul dipinto
L'affresco ricopre l'intera parete sopra l'altare e parte dalla sommità del soffitto, offrendo un'enorme superficie pittorica. La sua altezza è di circa 14 metri, fino al pannello di legno a muro e all'altare. La rappresentazione è circolare, con gli eventi che si susseguono. L'affresco è composto da circa 300 figure dipinte con maestria, al centro delle quali si trova Cristo con la mano alzata, intento a pronunciare il giudizio sui dannati destinati all'inferno.
La raffigurazione di Cristo con muscoli scolpiti, un aspetto giovanile e senza barba e un'espressione serena è stata volutamente scelta. La Vergine è in piedi accanto a Cristo, con il capo chino in segno di resa, a significare che non può far altro che attendere l'esito del giudizio e non può più influenzarlo.
Nelle lunette superiori, Cristo è circondato da simboli della sua passione, tra cui una corona di spine, una lancia, chiodi e una croce. Alcuni santi importanti sono in piedi nelle vicinanze, in attesa del verdetto.
- San Pietro, con le chiavi del Cielo,
- San Lorenzo con la griglia,
- San Bartolomeo, con la sua stessa pelle,
- Santa Caterina d'Alessandria con la ruota dentata
- San Sebastiano con le frecce, inginocchiato.
La composizione complessiva si sviluppa in un movimento fluido, con gli angeli dell'Apocalisse che risvegliano i morti al suono di lunghe trombe. I risorti riprendono i loro corpi mentre ascendono al cielo (la resurrezione della carne) sul lato destro dell'affresco, mentre angeli e demoni lottano per mandare i dannati all'inferno sul lato sinistro. Ispirato all'"Inferno" e alla "Divina Commedia" di Dante, Michelangelo incluse Caronte e altri personaggi mitologici nella parte inferiore del dipinto.
I pensieri di Michelangelo dietro il dipinto
Durante il Rinascimento, un tema molto popolare fu la rappresentazione del giudizio finale di Dio sull'umanità e della Seconda Venuta di Gesù Cristo. Pertanto, il "Giudizio Universale" era un soggetto ricorrente nell'arte e nelle chiese dell'epoca. Tuttavia, Michelangelo dipinse la sua interpretazione degli eventi traendo ulteriore ispirazione dalla "Divina Commedia" e dall'"Inferno" di Dante.
Non solo, la rappresentazione di Cristo è diversa da come il cristianesimo lo raffigurava, con muscoli scolpiti e senza barba. Michelangelo creò un senso di profondità e spazio sovrapponendo le figure e dipingendole ulteriormente per suggerire una percezione spaziale. Inoltre, non dipinse con una cornice, il che conferì al dipinto un senso di continuità, come si evince dal fatto che alcune figure ai bordi risultano tagliate.
Questo effetto conferisce alla composizione un eterno senso di movimento e azione. Un altro modo per esprimere la sua interpretazione è quello di collocare il dipinto sulla parete dell'altare. In questo modo, il dipinto si troverebbe direttamente di fronte a chiunque entri nella cappella, rendendo impossibile ignorare l'idea dell'Inferno e la profezia della Seconda Venuta di Cristo.
Era quasi un monito sulla giustizia contro i colpevoli. Col tempo, Michelangelo deliziò il pubblico inserendo diversi simboli nascosti. Il primo è una figura di San Bartolomeo con la sua pelle, un autoritratto dello stesso Michelangelo, con probabile riferimento al suo stato d'animo mentre dipingeva la Cappella Sistina. Altri simboli sono la rappresentazione dei sette peccati capitali attraverso diverse immagini e implicazioni.
Critica
Sebbene questo capolavoro abbia riscosso grande apprezzamento e riconoscimenti per il genio e lo stile pittorico di Michelangelo, non è stato esente da controversie e critiche. L'abbondanza di nudità non è stata ben accolta e Michelangelo è stato criticato per aver mescolato figure religiose e mitologia. Si tratta di un allontanamento dal Rinascimento italiano, dove le figure nude non erano considerate problematiche.
Molti critici ritenevano che Michelangelo avrebbe dovuto attenersi agli eventi biblici con maggiore precisione. Alcuni fecero notare che Cristo avrebbe dovuto essere raffigurato seduto su un trono e che alcuni dei drappeggi fluenti erano impossibili, poiché il tempo avrebbe dovuto cessare nel giorno del giudizio.
Il Maestro di Cerimonie, Biagio da Cesena, criticò aspramente l'opera, affermando che era "estremamente disonesto" far dipingere così tante figure nude in un "luogo d'onore" come una cappella e che non si trattava di un'opera destinata alla Cappella Papale, bensì a taverne e stufe. Tuttavia, dopo la morte di Michelangelo nel 1564, il pittore Daniele da Volterra fu incaricato di coprire gradualmente, nel corso degli anni, le figure nude visibili con dei drappeggi.
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