Cosa vedere alla Galleria Borghese
Apurva Sinha
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La Galleria Borghese è una vasta galleria d'arte a Roma che ospita un prezioso scrigno di collezioni di artisti del calibro di Bernini e Caravaggio.
Passeggiando, vedrete le vivaci sculture di Gian Lorenzo Bernini che sembrano quasi pronte a muoversi.
E i dipinti profondi e toccanti di Caravaggio che trasmettono emozioni intense.
I Borghese La galleria è molto più di un semplice museo; è un luogo dove puoi fare un viaggio indietro nel tempo e ammirare opere d'arte incredibili.
Dipinti di Caravaggio
La Galleria Borghese di Roma ospita una collezione eccezionale di dipinti di Caravaggio, tra cui sei capolavori di Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Sono presenti sei dipinti, tra cui Il giovane Bacco malato, San Girolamo che scrive e Ragazzo con un cesto di frutta.
Tra questi, spicca "Bacco", con il ritratto realistico di Caravaggio che dà vita al dio romano del vino in modo straordinariamente umano.
Dipinti di Caravaggio in mostra alla Galleria Borghese di Roma:
Il giovane Bacco malato (1593)
Il Bacco malato è un'altra opera notevole di Caravaggio che raffigura un Bacco adolescente realistico e malaticcio, con la pelle ingiallita, mentre stringe un grappolo d'uva.
Questo dipinto non è un autoritratto diretto, ma potrebbe riflettere le lotte personali di Caravaggio.
Quest'opera raffigura Bacco, il dio romano associato all'agricoltura, al vino e alla fertilità, come malato e debole.
Caravaggio stesso lottò contro l'abuso di alcol, e questo dipinto mostra questo suo lato.
Il Bacco malato è l'ultimo dipinto di Caravaggio presente nella sala VIII della collezione, prima che la mostra si sposti sulle sculture del Bernini.
San Girolamo scrive (1605)
Il dipinto di San Girolamo è notevole perché raffigura un momento cruciale nella traduzione della Bibbia dal greco al latino, nella storia del cristianesimo.
È facile dimenticare quanto fosse difficile condividere la conoscenza in passato.
Nel IV secolo a Roma, se eri un cristiano che non capiva il greco, eri in qualche modo emarginato, almeno fino all'arrivo di San Girolamo.
Grazie alla sua traduzione in latino, i Romani che conoscevano solo il latino poterono finalmente leggere e apprezzare la Bibbia.
Davide con la testa di Golia (1605)
Davide, figura biblica, è spesso raffigurato nell'arte, e questa versione di Caravaggio lo mostra vittorioso dopo aver decapitato Golia.
Caravaggio dipinse il proprio volto come Golia, il che ha portato a diverse interpretazioni del dipinto.
Esistono teorie secondo cui il ragazzo nel dipinto rappresenterebbe l'assistente di Caravaggio, forse il suo amante, o addirittura Caravaggio stesso, raffigurato in diverse fasi della sua vita.
Un'altra spiegazione diffusa è che Caravaggio lo dipinse come dono per Papa Paolo V, chiedendo perdono per un crimine commesso.
Tuttavia, non fece mai ritorno a Roma e morì poco dopo, rendendo questo uno dei suoi ultimi dipinti.
Ragazzo con un cesto di frutta (1593)
Questo dipinto fu realizzato da Caravaggio a Milano quando aveva appena 22 anni ed è esposto nella Sala VII della Galleria Borghese .
In questo dipinto, Caravaggio utilizza una tecnica chiamata chiaroscuro, che si traduce letteralmente in "luce-ombra", evidenziando i dettagli del soggetto attraverso l'uso delle ombre.
Quest'opera è una delle prime di Caravaggio e allude in modo sottile alla sua vita travagliata.
Avendo perso i genitori in giovane età e lottato contro la tossicodipendenza, Caravaggio ritrasse spesso prostitute o senzatetto, come si evince dalla sporcizia che ricopre i loro corpi.
Tuttavia, questo particolare dipinto rappresenta un'eccezione.
Perdue elogiò molto la precisione con cui Caravaggio ritraeva la frutta, sottolineando la meticolosa attenzione dell'artista ai dettagli.
Narciso (1597)
Si ritiene che Caravaggio abbia dipinto il Narciso tra il 1597 e il 1599.
Raffigura la storia mitologica di Narciso, un giovane che guarda il proprio riflesso nell'acqua e se ne innamora.
Diventò così ossessionato dalla sua immagine riflessa da non riuscire a distogliere lo sguardo dalla propria immagine, il che lo condusse alla rovina.
Questa composizione mette in luce il tema dell'ossessione per se stessi e il tragico destino di Narciso.
L'uso del chiaroscuro da parte di Caravaggio, il drammatico contrasto tra luce e ombra, sottolinea l'intensità emotiva della scena e l'ossessione di Narciso per la propria immagine.
Il dipinto è famoso per la sua profondità psicologica e per la magistrale gestione della luce e dell'ombra da parte di Caravaggio, che permette di trasmettere la morale della storia.
Giovanni Battista (1602)
Proprio accanto al "Ragazzo con il cesto di frutta", troverete un altro dipinto di Caravaggio, "San Giovanni nel deserto", che raffigura un San Giovanni Battista stanco e magro.
Un critico d'arte occasionale potrebbe pensare che San Giovanni abbia un'espressione così triste perché sta pensando al sacrificio futuro di Gesù Cristo.
Ma chi ha familiarità con i metodi di Caravaggio potrebbe intuire che abbia semplicemente usato come modello un ragazzino di strada che si era annoiato durante la sessione, e che Caravaggio abbia dipinto proprio quello.
Storicamente, si narra che Scipione Borghese e suo zio, Papa Paolo V, abbiano sottratto questo dipinto, insieme a "Bacco malato" e "Ragazzo con cesto di frutta", a Giuseppe Cesari dopo che quest'ultimo sarebbe stato ingiustamente incarcerato.
Ciò ha dato alla famiglia Borghese l'opportunità di impossessarsi di queste opere d'arte.
Presta attenzione a quanto è sporco il ragazzo, soprattutto sul petto e sulle spalle.
Caravaggio spesso sceglieva modelli provenienti dalle classi sociali più basse per risparmiare, quindi il loro aspetto è piuttosto trasandato.
Palafrenieri di Caravaggio
Di fronte al dipinto di San Girolamo, si trova una grande opera d'arte chiamata "Palafrenieri", che raffigura Gesù, sua madre Maria e sua nonna Anna.
Inizialmente, gli autori avevano destinato il dipinto alla Basilica di San Pietro a Roma.
Tuttavia, le autorità lo respinsero perché ritennero la raffigurazione di Maria, Gesù e Anna inappropriata per lo spazio sacro.
Nel dipinto, Maria indossa un abito considerato troppo succinto per la vergine madre di Dio.
Nell'arte, Gesù con i capelli rossi veniva spesso associato a tratti negativi e non era ben accolto.
Inoltre, Anna, la madre di Maria, appare angosciata. La sua pelle sembra ruvida e la sua espressione è di rabbia mentre Maria e Gesù calpestano un serpente, simbolo della loro sconfitta del male.
Le sculture di Bernini
La galleria ospita diverse celebri sculture in marmo del maestro barocco Gian Lorenzo Bernini, come Apollo e Dafne, Il ratto di Proserpina, Davide ed Enea, Anchise e Ascanio.
Ospita l'incredibile collezione personale del cardinale Scipione Borghese, importante mecenate delle arti all'inizio del XVII secolo.
Questo museo intimo e sontuoso è rinomato per il suo atrio d'ingresso principale, dove sono messe in risalto le sculture in marmo di Gian Lorenzo Bernini raffiguranti scene mitologiche.
Tra queste scene, Apollo e Dafne immortalano il momento in cui le mani di Dafne iniziano a trasformarsi in corteccia d'albero e foglie per sfuggire alla presa di Apollo.
In un'altra opera importante, Plutone afferra Proserpina per la coscia mentre la trascina negli inferi, il suo corpo contorcendosi in una posizione serpentina.
La maestria tecnica di Bernini è evidente anche in Enea, Anchise e Ascanio, che raffigurano un eroe troiano in fuga da Troia con la sua famiglia.
Atrio d'ingresso e Marco Curzio che si lancia nel baratro
Nella splendida area di accoglienza del palazzo, troverete antichi mosaici romani delimitati da corde sul pavimento.
Si ritiene che questi mosaici provengano dalle Terme di Caracalla a Roma.
Un altro elemento che noterete è lo splendido soffitto con intricati disegni in stile rococò raffiguranti scene della mitologia pagana.
Se voltate le spalle alla porta e guardate verso il punto in cui il muro incontra il soffitto, troverete un imponente bassorilievo di Pietro Bernini, padre del celebre Gian Lorenzo Bernini.
Questa scultura è unica e raffigura la leggenda di Marco Curzio.
Secondo la leggenda, una grande crepa si aprì nel terreno di Roma dopo un terremoto nel IV secolo a.C.
Pensando che fosse un segno, i Romani chiesero a un indovino cosa fare.
Disse loro che gli dei volevano il loro tesoro più prezioso nascosto nella fessura.
Marco Curzio affermò che il tesoro più prezioso di Roma era il suo coraggio.
Così, indossò l'armatura completa, montò a cavallo e si lanciò nella fessura, che poi si richiuse, salvando, a quanto pare, Roma.
L'amore sacro e profano di Tiziano
Niccolò Aurelio commissionò questo dipinto per le sue nozze con Laura Bagarotto nel 1514.
Inizialmente chiamata "Bellezza adornata e Bellezza non adornata" nel 1613, ha assunto il nome attuale nel 1693.
L'opera d'arte raffigura una conversazione tra due versioni di Venere, simbolo dell'amore tra umani e dei, mostrate insieme ma che ne evidenziano anche le differenze.
Venere, che rappresenta l'amore divino, è raffigurata nuda e in posizione elevata, a simboleggiare purezza e bellezza celeste.
Al contrario, l'altra Venere, che rappresenta l'amore umano e la gioia del matrimonio, è vestita e più vicina al suolo.
Cupido e le rose tra di loro sottolineano il tema dell'amore, e la raffigurazione di una lussuria sfrenata su un sarcofago aggiunge un ulteriore livello di significato al dipinto.
L'opera di Tiziano combina abilmente elementi opposti, dal modo in cui le figure sono raffigurate ai loro significati simbolici, traendo ispirazione da miti e idee rinascimentali.
Diana e le sue ninfe di Domenichino
Il dipinto nella stanza numero 14 raffigura Diana, la dea della caccia, sempre in compagnia del suo gruppo di ninfe.
È anche associata al desiderio e alla fertilità. La storia raffigurata nel dipinto narra di Diana e di un uomo di nome Atteone.
Atteone vede accidentalmente Diana mentre fa il bagno, cosa che la sorprende. Infastidita, Diana gli schizza addosso dell'acqua e lui si trasforma in un cervo.
La situazione peggiora ulteriormente quando i cani di Atteone vengono aizzati contro di lui, finendo per ucciderlo.
Nel dipinto si può osservare lo svolgersi della storia, da Atteone che spia tra gli alberi all'attacco dei cani e, infine, al cervo che viene portato via.
Il dipinto nasconde anche un pizzico di drammaticità.
Il cardinale Pietro Aldobrandini si rifiutò di venderlo a Scipione Borghese, il che gli costò l'arresto, come ad altri.
Il dipinto mostra che non conviene mettersi contro Diana, e forse Scipione Borghese le somigliava un po' sotto questo aspetto.
La sepoltura di Raffaello
Si tratta di una litografia basata su un disegno di Raffaello risalente al 1506-07 circa, ora conservato al Louvre di Parigi.
Il disegno era uno studio preparatorio per il dipinto di Raffaello “La Deposizione Borghese”, completato nel 1507 e attualmente conservato nella Galleria Borghese di Roma.
Questa stampa fa parte di una serie della Lawrence Gallery che presenta copie dei disegni di Raffaello.
Il dipinto costituiva originariamente la parte principale di una pala d'altare per una chiesa di Perugia, realizzata in onore di Grifonetto, figlio di Atalanta Baglioni, ucciso nel 1500.
Raffaello iniziò a lavorarci intorno al 1505, realizzando numerosi schizzi che precedettero l'opera finale.
Raffigura Cristo portato al sepolcro, una scena che mescola temi tradizionali con la narrazione di Raffaello.
Scipione Borghese, un parente di papa Paolo V, trasferì il dipinto nella sua collezione a Roma nel 1608.
Napoleone la portò a Parigi nel 1797, ma fu restituita a Roma nel 1815.
La capra Amaltea con il piccolo Giove e un fauno
Questa scultura raffigura un giovane dio, Giove, intento a mungere una capra di nome Amaltea, che lo osserva.
Un piccolo fauno, Pan, beve il latte da una ciotola dietro la capra.
La prima menzione nota di questa scultura a Villa Pinciana risale al 1615.
Per lungo tempo nessuno seppe chi l'avesse realizzato, fino al 1926, quando venne attribuito a Gian Lorenzo Bernini, un artista famoso.
Alcuni mettono in dubbio che Bernini l'abbia davvero realizzata, ma è comunque considerata una delle prime manifestazioni del suo grande talento.
Si ritiene che la scultura simboleggi un ritorno di speranza a un'epoca di pace e prosperità, ispirata alla storia di Amaltea e collegata a Paolo V della famiglia Borghese, che all'epoca era papa.
Paolina Borghese nel ruolo di Venere Vincitrice
La scultura "Paolina Borghese come Venere Vincitrice" è una celebre scultura neoclassica in marmo realizzata dall'artista italiano Antonio Canova tra il 1805 e il 1808.
La scultura, commissionata da Camillo Borghese, marito di Paolina Borghese e cognato di Napoleone Bonaparte, ritrae Paolina nelle vesti della dea romana Venere.
Realizzata tra il 1804 e il 1810 a Roma, la scultura la ritrae parzialmente coperta, creando un'immagine di grande fascino.
Paolina Borghese fu una figura di spicco del suo tempo, nota per la sua bellezza, il suo fascino e la sua influenza, scelta come la più bella tra altre due dee.
È ritratta sdraiata su un divano, parzialmente avvolta in un tessuto che ne accentua le forme voluttuose.
La sua posa è rilassata e seducente, con un braccio alzato sopra la testa e l'altro appoggiato sul fianco.
La sua espressione è serena e sicura, e incarna il fascino senza tempo della dea Venere.
In questo ritratto, Paolina incarna la bellezza e la grazia idealizzate di Venere, evocando gli ideali classici di armonia, equilibrio e perfezione.
Rappresenta non solo la bellezza del soggetto, ma anche il genio artistico del suo creatore, immortalando sia Paolina Borghese che Antonio Canova negli annali della storia dell'arte.
Mosaici dei gladiatori
Nel 1834, durante uno scavo nella tenuta Borghese, vicino a Roma, furono rinvenuti sette frammenti di antichi mosaici romani.
Queste opere d'arte raffiguravano scene di caccia e combattimenti tra gladiatori, probabilmente provenienti da una ricca villa romana.
L'opera in questione è composta da pezzi colorati che formano una scena di caccia alla pantera su due livelli: pantere morte in alto e una lotta in basso.
Da una parte si vede una pantera che non sta combattendo, dall'altra solo le zampe di un altro animale.
All'epoca, esporre scene di gladiatori e di caccia nelle case era un modo per i ricchi di ostentare il proprio status e il proprio coraggio.
La dama con l'unicorno di Raffaello
Nel 1506 Raffaello dipinse un quadro che la famiglia Borghese acquistò nel 1760, ignara che fosse opera sua.
Fu solo durante un restauro del XIX secolo che ci si rese conto che l'opera era di Raffaello.
Il quadro si trova nella stanza numero nove e raffigura una donna che tiene in braccio un unicorno, simbolo di purezza, ma nessuno sa chi sia.
La sua postura e lo sfondo ricordano un altro dipinto, la "Dama con l'ermellino" di Leonardo da Vinci.
Studi successivi hanno rivelato che Raffaello inizialmente dipinse un cane accanto alla donna, ma poi lo trasformò in un unicorno.
La deposizione di Raffaello
Nel 1507, Raffaello dipinse “La Deposizione” su tavole di legno per Atlante Baglione in memoria del figlio defunto.
Il dipinto si trova nella stanza numero nove e raffigura figure che trasportano Gesù al sepolcro, una delle quali somiglia a suo figlio, Grifonetto Baglione.
Grifonetto fece parte di una congiura per assumere il controllo delle posizioni di potere nella sua città il 3 luglio 1500.
Tuttavia, il piano fallì e, quando tentò di tornare, la madre, piena di vergogna, gli negò asilo.
È stato ucciso in seguito a uno scontro con Gian Paolo Baglione, il nuovo capo della famiglia.
Anni dopo, sua madre chiese a Raffaello di realizzare il dipinto per lui.
Tuttavia, il dipinto non raffigura Gesù che viene deposto dalla croce, come suggerisce il titolo "La Deposizione", poiché quella scena è raffigurata sullo sfondo.
Raffaello si dimostrò creativo nella rappresentazione della scena, mostrando il suo talento nel raffigurare un corpo senza vita con realismo.
Immagine in evidenza: Tripadvisor.com