Ko redzēt MoMA

Modernās mākslas muzejs (MoMA) ir viens no pasaulē atzītākajiem modernās un laikmetīgās mākslas muzejiem.

Tās plašā kolekcija, kurā ir vairāk nekā 200 000 darbu, aptver laiku no 19. gadsimta beigām līdz mūsdienām.

Apmeklējums MoMA sniedz iespaidīgu ieskatu mākslas evolūcijā, demonstrējot revolucionārus un ietekmīgus darbus dažādos medijos.

Šajā rakstā ir aplūkoti 15 ikoniski darbi no MoMA kolekcijas, kas ir obligāti jāapskata ikvienam apmeklētājam.

Les Demoiselles d'Avignon (1907), Pablo Pikaso

Šī ievērojamā spāņu mākslinieka Pablo Pikaso glezna attēlo piecas kailas sievietes, kuras tiek uzskatītas par prostitūtām, bordelī.

Ievērojams ar fragmentētajām perspektīvām, Āfrikas masku iedvesmotajām sejām un košajām krāsām, tas ir novatorisks darbs, kas pavēra ceļu kubismam un modernajai mākslai.

Sākotnēji šokējoša un pretrunīga, tā iemieso agrīnā modernisma garu un uzsver Pikaso statusu kā celmlauža mākslinieciskai figūrai.

Deja I (1909), autors Anrī Matiss

Ar šo gleznu leģendārais franču mākslinieks Anrī Matiss sāka savu atzīto Dejas sēriju.

Tajā attēlotas piecas kailas figūras, kas dejo aplī uz spilgti sarkana fona. Raksturīga ir Matisa īpatnējā drosmīgu, nereālistisku krāsu izmantošana.

Tā ir viņa fovistiskā stila raksturīga iezīme – šis darbs pauž prieku, dejas garu un Eiropas pirms Pirmā pasaules kara valdošā Skaistā laikmeta bezrūpīgo dabu.

"Dance I" ir ne tikai Matisa krāsu meistarības apliecinājums, bet arī ilgstošs vitalitātes simbols vizuālajā mākslā.

Pablo Pikaso "Trīs mūziķi" (1921)

Šajā kubisma stila eļļas gleznā Pikaso attēlo trīs mūziķus Pjero, Arlekīna un mūka maskās, kas ir komēdijas delārtes tēli.

Attēlojot Pikaso kubisma stilu, glezna abstrahē realitāti ģeometriskās formās, radoši spēlējoties ar telpu un formu.

Kā izcils kubisma tehniku piemērs un rotaļīga kopīgas mākslinieciskas tēmas interpretācija, šis ir viens no Pikaso ievērojamākajiem darbiem no viņa kubisma perioda.

Vincenta van Goga "Zvaigžņotā nakts" (1889)

Visiem apmeklētājiem, kas vēlas uzzināt, ko redzēt Modernās mākslas muzejā, ir iespēja vērot pasaulslaveno Zvaigžņoto nakti.

Iespējams, ka visslavenākā glezna pasaulē ir holandiešu postimpresionista Vinsenta van Goga "Zvaigžņotā nakts", kurā attēlota virpuļojoša nakts debesis virs neliela ciemata.

Van Goga unikālais spilgto krāsu un dinamisko otas triepienu izmantojums pauž dziļas emocijas, atspoguļojot viņa cīņas.

"Zvaigžņotā nakts" turpina fascinēt, demonstrējot van Goga dziļo ietekmi, piepildot mākslu ar emocijām, iztēli un personisku skatījumu.

Salvadora Dalī "Atmiņas noturība" (1931)

Spāņu sirreālists Salvadors Dalī radīja savu ikoniskāko gleznu "Atmiņas noturība".

Tas ir spilgts piemērs viņa spējai radīt iespaidīgus un neaizmirstamus attēlus.

Šajā gleznā attēloti mīksti, kūstoši kabatas pulksteņi, kas nedzīvi pārklāti ar akmeņiem uz satraucoša saulrieta ainavas fona.

Šis simbolisms nekavējoties apstrīd mūsu tradicionālo izpratni un paliek atmiņā tā dīvainā simbolika dēļ.

Glezna ieguva plašu popularitāti un nostiprināja Dalī kā vienu no prasmīgākajiem sirreālisma gleznotājiem.

Guļošā čigāniete (1897), autors Anrī Ruso

Anrī Ruso, franču postimpresionists, bija pašmācības ceļā mācījies mākslinieks, kas saistīts ar avangarda aprindām.

Viņa darbi, tostarp neticamā glezna "Guļošais čigāns", paredzēja vairākus vēlāk radušos modernās mākslas stilus.

Šajā gleznā eksotisks lauva mierīgi atpūšas blakus guļošam cilvēkam zem zvaigžņotām nakts debesīm.

Lai gan Ruso nekad nav atstājis Franciju, viņa sapņainie eksotisko zemju tēli atklāj viņa spilgto iztēli.

Glezna, kurā detalizēti dabas novērojumi apvienoti ar sulīgām džungļu ainām un savvaļas dzīvniekiem, demonstrē Ruso unikālo maģiskā reālisma stilu un viņa ievērojamo ietekmi.

Zelta Merilina Monro (1962) — Endijs Vorhols

Endijs Vorhols, viena no vadošajām figūrām amerikāņu popārtā, bija pazīstams ar saviem ikdienas patēriņa preču un slavenību sietspiedes darbiem.

Tas ietvēra viņa slavenos Merilinas Monro portretus pēc viņas nāves 1962. gadā.

Zeltainā Merilina Monro, kuras pamatā ir reklāmas kadrs no viņas 1953. gada filmas “Niagara”, ir grafisks, tomēr valdzinošs portrets.

Mākslas darbs, kas radīts, izmantojot zelta akrila un sietspiedes tinti, apvieno patērnieciskumu, slavenību tēlu un mākslas radīšanas procesu, kas visas ir Vorhola popārta stila iezīmes.

Endija Vorhola "Kembela zupas bundžas" (1962)

Endija Vorhola Kempbela zupas bundžas, 32 audeklu sērija, ir viens no viņa slavenākajiem darbiem.

Šajā sērijā ir atveidots pazīstamais pārtikas produkts, uz katra audekla attēlojot atšķirīgu tā šķirni.

Atkārtošanās atspoguļo masveida ražošanu, kas ir popārta ideoloģijas centrālais elements, un atspoguļo Amerikas vidusšķiras ikdienas dzīvi 20. gs. sešdesmito gadu sākumā.

Vorhola personīgais pieskāriens ir redzams dažu šķirņu nelielajās nepilnībās un nevienmērīgajā izbalēšanā.

Attēlojot ikdienas priekšmetus jaunā gaismā, Campbell's Soup Cans sapludina robežu starp augsto mākslu un ikdienas dzīvi.

Kloda Monē gleznu sērija "Ūdensrozes" (1914–1926)

Neviens MoMA šedevru saraksts nebūtu pilnīgs, nepieminot Ūdensrožu sēriju.

Klods Monē ir franču impresionists, kura gleznu sērija "Ūdensrozes" iemieso impresionisma mērķus un tehnikas, kā arī ietekmē laikmetīgo mākslu.

No 20. gadsimta sākuma līdz savai nāvei 20. gadsimta 20. gadsimta vidum Monē savā Giverny muižā izveidotajos dekoratīvajos dārzos gleznoja vairāk nekā 250 eļļas gleznas ar ūdensrozēm.

Viņa apsēstība ar ūdensrožu dīķi noveda pie kompozīcijām, kas robežojās ar patiesu abstrakciju, paredzot abstraktā ekspresionisma gaitu.

"Ūdensrožu" sērija iemieso Monē centību izpētīt un paplašināt impresionisma robežas.

Tas ir skaidri redzams, pateicoties viņa centieniem tvert īslaicīgās gaismas un laikapstākļu sekas, izmantojot ātrus krāsu un kustības iespaidus.

Frīdas Kahlo pašportrets ar apgrieztiem matiem (1940)

Slavenā meksikāņu māksliniece Frīda Kahlo tiek slavēta par saviem valdzinošajiem pašportretiem, kuros viņš iedziļinās identitātes, seksualitātes, sāpju, dzīves un nāves tēmās.

Šis portrets, kas radīts neilgi pēc viņas šķiršanās no Diego Riveras, attēlo Kahlo netipiski vīrišķīgā apģērbā, uzvelkot vīrieša uzvalku un nogriežot savus ikoniskos garos matus.

Tumšā, mīklainā glezna demonstrē viņas meistarību vizuālajā alegorijā un simbolikā, smeļoties no savas dzīves un integrējot metaforas, kas sakņojas Meksikas folklorā.

Slīkšanas meitene (1963), Rojs Lihtenšteins

Rojs Lihtenšteins, ievērojama popārta figūra, pārveidoja Bena-Deja punktdrukas metodi, kas ir komerciālās mākslas pamatelements, saviem plašajiem audekliem.

Šie audekli attēloja būtiskas amerikāņu tēmas par romantiku, karadarbību un citām tēmām.

“Slīkošā meitene” aizņemas dramatisku mirkli no 20. gs. sešdesmito gadu romantiskā komiksa, kas papildināts ar domu burbuļiem, iemiesojot viņa atturīgo, satīrisko pieeju.

Tas kritizē idealizētas sievišķības, komercialisma un banālu romantisku naratīvu stereotipus.

Glezna iezīmē Lihtenšteina ilgstošo ietekmi uz popārta kustību.

Umberto Bočoni darbs "Unikālas nepārtrauktības formas telpā" (1913)

Papildus gleznām Modernās mākslas muzejā ir apskatāma arī liela skulptūru kolekcija.

Viena no obligāti apskatāmajām skulptūrām ir bronzas mākslas darbs – itāļu futūrista Umberto Bočoni "Unikālas nepārtrauktības formas telpā".

Bočoni šajā statujā tver ātrumu un kustību caur radikāli abstraktu cilvēka figūru, kas sastāv no augošām plaknēm un līnijām.

Tas iemieso 20. gadsimta sākuma aizraušanos ar mašīnu laikmeta dinamismu.

Bočoni darbi, kuros uzsvērts ātrums, spēks un skulpturālais potenciāls, ko iedvesmojušas tehnoloģijas un mūsdienu dzīve, joprojām ir pionieri mūsdienu mākslā.

Velosipēda ritenis (1913), autors Marsels Dišāns

Radikāls novators Marsels Dišāns metās izaicinājumu tradicionālajai mākslai ar savu radīto darbu “Velosipēda ritenis” – uz koka ķebļa apgrieztu velosipēda riteni.

Šis darbs noveda pie vēlākām kustībām, piemēram, dadaisma un konceptuālās mākslas.

“Velosipēda ritenis” un līdzīgi gatavi, parasti masveidā ražoti priekšmeti, kas tika pasniegti kā māksla, mudināja pārvērtēt māksliniecisko radošumu, koncentrējoties uz atlasi un interpretāciju.

Kā viens no agrākajiem readymade darbiem, “Velosipēda ritenis” būtiski mainīja skulptūras uztveri un tās naratīvo potenciālu 20. gadsimtā.

Karogs (1954.–1955. g.), autors Džaspers Džonss

Pēc Otrā pasaules kara, kad dominēja abstraktā māksla, Džaspers Džonss ieviesa "karogu" — dzīvespriecīgu Amerikas karoga attēlojumu.

Gleznai ir smalkas plaisas un kontūras, līdzīgas karogam, ko aizrauj vējš.

Šī atklātā reālisma un patriotisko tēlu atkārtota ieviešana augstajā mākslā iezīmēja pāreju uz neodadaisma un vēlāk popārta tendencēm.

Džonsa darbs, līdzīgi kā Vorhola iesaistīšanās patērētāju kultūrā, atjaunoja saikni ar reālismu un ikdienas dzīvei atbilstošām tēmām.

1A numurs, 1948. gads, autors Džeksons Polloks

Džeksons Polloks, abstraktā ekspresionisma nozīmīga figūra, 20. gadsimta vidū revolucionizēja glezniecību ar saviem abstraktajiem audekliem, dinamisku pilienu sajaukumu un citiem paņēmieniem.

Viņa tehnika, uzsverot spontānas, pilnvērtīgas kustības, nodeva iekšējās emocijas, nevis ārējās formas.

“Numurs 1A, 1948” ir šīs metodes apliecinājums, Pollokam manipulējot ar audeklu uz zemes un veidojot ap to krāsu deju.

Šis darbs iezīmēja nozīmīgu atkāpi glezniecībā, vērtējot radīšanas aktu un personisko izpausmi, nevis taustāmas realitātes attēlojumu.

Piedāvātais attēls: Moma.org