«Den siste dommedag» er en av Michelangelos mest berømte og mektigste komposisjoner, malt mellom 1536 og 1541 i Det sixtinske kapell. Denne har en spesiell plass i kapellet i Vatikanmuseene, over alteret, med sterke kristne referanser. Slike religiøse konnotasjoner refererer til Kristi gjenkomst og dommen over menneskeheten – det vil si hvem som skal til himmelen og helvete. I denne artikkelen tar vi for oss de ulike aspektene som lå bak malingen av dette mesterverket for alle aldre.
Maleriets historie
Michelangelo malte «Den siste dom» nesten 25 år etter at han fullførte arbeidet med takene. Pave Klemens VII hyret Michelangelo i 1534 til å male Den siste dom på alterveggen, og renoverte dermed utsmykningen i Det sixtinske kapell. På grunn av dette gikk freskene fra det femtende århundre tapt, inkludert Peruginos malerier av de to første episodene av Moses og Kristus-fortellingene og altertavlen som avbilder Jomfru Maria opptatt blant apostlene.
Arbeidet med alterveggen startet til slutt i 1536, under pave Paul III, da Michelangelo ønsket å vise Kristi strålende gjenkomst i lys av tekstene i Det nye testamente. Gjennom sine usedvanlige kunstneriske evner var Michelangelo i stand til å formidle Guds majestet og usynlige skjønnhet. Han forvandlet Det sixtinske kapell inn i «helligdommen for menneskekroppens teologi», inspirert av ordene i 1. Mosebok.
Om maleriet
Maleriet dekker hele veggen over alteret og starter fra toppen av taket, noe som gir et enormt lerret av maleri. Høyden er omtrent 14 m (46 fot) og ender opp ved trepanelet på veggen og alteret. Fremstillingen er sirkulær, med hendelsene som følger etter hverandre. Omtrent 300 kunstferdig malte figurer utgjør fresken, som sentrerer seg rundt Kristus med hevet hånd, som avslører dom over de fordømte som farer ned til helvete.
Skildringen av Kristus med tonede muskler, et skjeggløst og ungdommelig utseende og en rolig oppførsel ble alle fremstilt med vilje. Jomfru Maria står ved siden av Kristus, med hodet vendt i et tegn på overgivelse, noe som betyr at hun bare kan vente på utfallet av dommen og ikke lenger kan påvirke utfallet.
I de øvre lunettene er Kristus omringet av symboler på sin lidelse, inkludert en tornekrone, en lanse, nagler og et kors. Noen viktige helgener står i nærheten og venter på dommen –
- St. Peter, med himmelens nøkler,
- St. Laurence med grillen,
- St. Bartholomew, med sin egen hud,
- Den hellige Katarina av Alexandria med tannhjulet
- St. Sebastian med pilene og knelende ned.
Hans samlede komposisjon sirkler i en flytende bevegelse, med apokalypsens engler som vekker de døde til lyden av lange trompeter. De oppstandne tar tilbake kroppene sine når de stiger opp til himmelen (kjødets oppstandelse) på høyre side av fresken, mens engler og djevler kjemper for å sende de fordømte til helvete på venstre side. Inspirert av Dantes «Inferno» og «Den guddommelige komedie» inkluderte Michelangelo Charon og andre mytologiske karakterer nederst i dette maleriet.
Michelangelos tanker bak maleriet
Et populært tema under renessansen var skildringen av Guds endelige dom over menneskeheten og Jesu Kristi gjenkomst. Derfor var «Den siste dom» et populært kunsttema i kirker på den tiden. Michelangelo malte imidlertid sin tolkning av hendelsene ved å hente ytterligere inspirasjon fra Dantes «Den guddommelige komedie» og «Inferno».
Ikke bare det, fremstillingen av Kristus er annerledes enn hvordan kristendommen så på ham, med tonet muskelmasse og skjeggløshet. Michelangelo skapte en følelse av dybde og rom ved å overlappe figurene sine og male dem ytterligere for å antyde romlig bevissthet. Han malte heller ikke med en ramme, noe som ga maleriet en følelse av kontinuitet, noe som fremgår av at noen figurer rundt kantene er avskåret.
Denne effekten gir komposisjonen en evig følelse av bevegelse og handling. En annen måte å uttrykke hans tolkning på er ved å plassere maleriet på alterveggen. På denne måten ville maleriet være rett foran alle som går inn i kapellet, noe som gjør det umulig å ignorere ideen om helvete og profetien om Kristi gjenkomst.
Det var nesten som en påminnelse om rettferdighet mot gjerningsmennene. Over tid gledet Michelangelo publikum ved å sette inn flere skjulte symboler. Det første er en St. Bartholomeus-figur med huden sin, et selvportrett av Michelangelo selv, med sannsynlig referanse til hans tilstand mens han malte Det sixtinske kapell. Andre er skildringen av de syv dødssyndene i form av forskjellige visuelle elementer og implikasjoner.
Kritikk
Selv om dette mesterverket fikk mye anerkjennelse og ros for Michelangelos geni og malestil, var det ikke fritt for kontroverser og kritikk. De likte ikke den store mengden nakenhet, og Michelangelo ble kritisert for å blande religiøse figurer og mytologi. Det er et skifte bort fra den italienske renessansen, hvor nakne figurer ikke ble sett på som problematiske.
Mange kritikere mente at Michelangelo burde ha fulgt de bibelske hendelsene mer presist. Noen få påpekte at Kristus burde være avbildet sittende på en trone, og at noen av de flagrende draperiene er umulige fordi været skulle stoppe på dommedag.
Seremonimesteren, Biagio da Cesena, kritiserte det sterkt og uttalte at det var «svært uærlig» å ha så mange nakenfigurer malt på et så «æret sted» som et kapell, og at det ikke var et verk for pavens kapell, men for tavernaer og ovner. Etter Michelangelos død i 1564 ble imidlertid maleren Daniele Da Volterra ansatt for gradvis å dekke til synlige nakenfigurer med draperier over en periode på flere år.
Utvalgte bilder: wikipedia.org
