Co zobaczyć w Galerii Borghese
Apurva Sinha
·11 min read
Galeria Borghese to ogromna galeria sztuki w Rzymie, w której znajdują się imponujące kolekcje dzieł takich gigantów jak Bernini i Caravaggio.
Spacerując, zobaczysz pełne życia rzeźby Gian Lorenzo Berniniego, które sprawiają wrażenie, jakby miały zostać przeniesione.
I głębokie, wzruszające obrazy Caravaggia, które wywołują silne emocje.
Borghese Gallery to coś więcej niż tylko muzeum. To miejsce, w którym możesz cofnąć się w czasie i zobaczyć niesamowitą sztukę.
Obrazy Caravaggia
Galeria Borghese w Rzymie posiada niezwykłą kolekcję obrazów Caravaggia, składającą się z sześciu arcydzieł autorstwa Michelangela Merisi da Caravaggio.
W zbiorach znajduje się sześć obrazów, w tym: Młody chory Bachus, Święty Hieronim piszący i Chłopiec z koszem owoców.
Na ich tle wyróżnia się „Bachus” – realistyczna kreacja Caravaggia, który w zadziwiająco ludzki sposób ożywił rzymskiego boga wina.
Obrazy Caravaggia wystawione w Galerii Borghese w Rzymie:
Młody chory Bachus (1593)
Chory Bachus to kolejne godne uwagi dzieło Caravaggia. Przedstawia ono realistycznego, chorowitego nastolatka o pożółkłej skórze, trzymającego w dłoni kiść winogron.
Obraz ten nie jest bezpośrednim autoportretem, lecz może odzwierciedlać osobiste zmagania Caravaggia.
Dzieło to przedstawia Bachusa, rzymskiego boga rolnictwa, wina i płodności, jako chorego i słabego.
Sam Caravaggio zmagał się z nadużywaniem alkoholu i ten obraz pokazuje tę stronę jego osobowości.
Chory Bachus jest ostatnim obrazem Caravaggia w sali VIII kolekcji, zanim wystawa obejmie rzeźby Berniniego.
Święty Hieronim pisze (1605)
Obraz św. Hieronima jest niezwykły, ponieważ przedstawia kluczowy moment w historii chrześcijaństwa w tłumaczeniu Biblii z języka greckiego na łacinę.
Łatwo jest przeoczyć, jak trudno było dzielić się wiedzą w przeszłości.
W IV wieku w Rzymie, jeśli byłeś chrześcijaninem i nie znałeś języka greckiego, byłeś w pewnym sensie pomijany, aż do pojawienia się św. Hieronima.
Dzięki tłumaczeniu Biblii na język łaciński, Rzymianie, którzy znali tylko ten język, mogli w końcu czytać i rozumieć Biblię.
Dawid z głową Goliata (1605)
Dawid, postać biblijna, jest często ukazywany w sztuce, a ta wersja autorstwa Caravaggio ukazuje go zwycięsko po ścięciu Goliata.
Caravaggio namalował swoją twarz jako Goliata, co doprowadziło do różnych interpretacji dzieła.
Istnieją teorie, że chłopiec na obrazie przedstawia asystenta Caravaggia, być może jego kochanka, a nawet samego Caravaggia, ukazując różne etapy jego życia.
Inną popularną interpretacją jest to, że Caravaggio namalował obraz jako prezent dla papieża Pawła V, prosząc o przebaczenie za popełnioną przez niego zbrodnię.
Jednakże nigdy nie powrócił do Rzymu i wkrótce potem zmarł. Obraz ten stał się jednym z jego ostatnich dzieł.
Chłopiec z koszem owoców (1593)
Obraz ten został namalowany przez Caravaggia, gdy miał zaledwie 22 lata i mieszkał w Mediolanie. Można go oglądać w Sali VII Galerii Borghese .
W tym obrazie Caravaggio zastosował technikę chiaroscuro, co można przetłumaczyć jako „światło-ciemność”, uwypuklając szczegóły obiektu za pomocą cieni.
Dzieło to należy do wczesnych dzieł Caravaggia i subtelnie nawiązuje do jego trudnego życia.
Caravaggio, który wcześnie stracił rodziców i zmagał się z uzależnieniem od narkotyków, często przedstawiał prostytutki i bezdomnych, o czym świadczy brud widoczny na ich ciałach.
Jednakże ten konkretny obraz wyróżnia się jako wyjątek.
Perdue wysoko ocenił dokładność przedstawienia owoców przez Caravaggio, podkreślając przy tym niezwykłą dbałość artysty o szczegóły.
Narcyz (1597)
Uważa się, że Caravaggio namalował Narcyza w latach 1597–1599.
Przedstawia mitologiczną historię Narcyza, młodego mężczyzny, który patrząc na swoje odbicie w wodzie, zakochuje się w nim.
Był tak zaabsorbowany swoim odbiciem, że nie mógł oderwać od niego wzroku, co doprowadziło do jego śmierci.
W utworze tym podkreślony jest temat obsesji na punkcie własnej osoby i tragiczny los Narcyza.
Zastosowanie przez Caravaggio światłocienia, czyli dramatycznego kontrastu światła i cienia, podkreśla emocjonalne natężenie sceny i skupienie Narcyza na swoim wizerunku.
Obraz ten słynie z głębi psychologicznej i mistrzowskiego operowania światłem i cieniem, dzięki któremu Caravaggio przekazuje morał opowieści.
Jan Chrzciciel (1602)
Tuż obok „Chłopca z koszem owoców” znajdziesz inny obraz Caravaggia, „Jan na pustyni”, przedstawiający zmęczonego i wychudzonego św. Jana Chrzciciela.
Przeciętny krytyk sztuki mógłby pomyśleć, że św. Jan wygląda tak smutno, ponieważ rozmyśla o przyszłej ofierze Jezusa Chrystusa.
Jednak osoby znające metody Caravaggia mogą przypuszczać, że po prostu wykorzystał jako modela dzieciaka z ulicy, który nudził się w trakcie sesji, i właśnie to namalował Caravaggio.
Legenda głosi, że Scipione Borghese i jego wuj, papież Paweł V, zabrali ten obraz, a także „Chory Bachus” i „Chłopiec z koszem owoców” Giuseppe Cesariemu po tym, jak ten rzekomo został niesłusznie uwięziony.
Dało to rodzinie Borghese szansę na zdobycie tych dzieł sztuki.
Zwróć uwagę, jak brudny jest wygląd chłopca, szczególnie jego klatka piersiowa i ramiona.
Caravaggio, aby zaoszczędzić pieniądze, często wybierał modelki z niższych klas społecznych, dlatego ich dzieła wyglądają dość surowo.
Palafrenieri według Caravaggio
Naprzeciwko obrazu św. Hieronima znajduje się duże dzieło sztuki zatytułowane „Palafrenieri” przedstawiające Jezusa, jego matkę Maryję i babcię Annę.
Pierwotnie twórcy zamierzali namalować obraz dla Bazyliki św. Piotra w Rzymie.
Władze jednak odrzuciły projekt, gdyż uznały, że przedstawienie Maryi, Jezusa i Anny jest nieodpowiednie dla tego świętego miejsca.
Na obrazie Maryja ma na sobie suknię, którą uważa się za zbyt odsłaniającą ciało dla dziewiczej Matki Boga.
Rudowłosy Jezus był często kojarzony w sztuce z negatywnymi cechami i nie był dobrze przyjmowany.
Dodatkowo Anna, matka Maryi, wygląda na zmartwioną. Jej skóra wygląda na twardą, a wyraz twarzy wyraża gniew, gdy Maryja i Jezus nadepnęli na węża, symbolizującego zwycięstwo nad złem.
Rzeźby Berniniego
W galerii znajduje się kilka słynnych marmurowych rzeźb autorstwa barokowego mistrza Gian Lorenzo Berniniego, takich jak Apollo i Dafne, Porwanie Prozerpiny, Dawid i Eneasz, Anchizes i Askaniusz.
Znajduje się tu niesamowita, prywatna kolekcja kardynała Scipione Borghese, wielkiego mecenasa sztuki na początku XVII wieku.
To kameralne i luksusowe muzeum słynie z głównego holu wejściowego, w którym znajdują się marmurowe rzeźby Gian Lorenza Berniniego przedstawiające sceny mitologiczne.
Wśród nich Apollo i Dafne uchwycą moment, w którym dłonie Dafne zaczynają zmieniać się w korę drzewa i liście, by uciec przed Apollinem.
W innym ważnym dziele Pluton trzyma Prozerpinę za udo, wciągając ją do podziemi, przy czym jej ciało wygina się w wężowatą pozę.
Mistrzostwo techniczne Berniniego widoczne jest również w dziełach Eneasz, Anchizes i Askaniusz, przedstawiających trojańskiego bohatera uciekającego z Troi wraz z rodziną.
Hol wejściowy i Marcus Curtius skaczący w przepaść
W pięknej strefie powitalnej pałacu można zobaczyć starożytne rzymskie mozaiki przytwierdzone linami do podłóg.
Uważa się, że mozaiki te pochodzą z Term Karakalli w Rzymie.
Kolejną rzeczą, którą zauważysz, jest piękny sufit z misternymi wzorami w stylu rokoko, przedstawiającymi sceny z pogańskiej mitologii.
Jeśli odwrócisz się plecami do drzwi i spojrzysz w stronę miejsca, gdzie ściana spotyka się z sufitem, ujrzysz imponującą rzeźbę reliefową autorstwa Pietra Berniniego, ojca słynnego Gian Lorenza Berniniego.
Ta rzeźba jest wyjątkowa, ponieważ przedstawia legendę Marka Kurcjusza.
Według opowieści, w wyniku trzęsienia ziemi w IV wieku p.n.e. w Rzymie powstała duża szczelina w ziemi
Sądząc, że to znak, Rzymianie zapytali wróżbitę, co mają zrobić.
Powiedział im, że bogowie chcą, aby ich najcenniejszy skarb znalazł się w szczelinie.
Marek Kurcjusz powiedział, że najcenniejszym skarbem Rzymu jest jego odwaga.
Założył więc pełną zbroję, wsiadł na konia i wskoczył w szczelinę, która następnie się zamknęła, rzekomo ratując Rzym.
Miłość święta i profanum Tycjana
Nicolo Aurelio zamówił ten obraz z okazji swojego ślubu z Laurą Bagarotto w 1514 roku.
Początkowo w 1613 r. nazywano je „Piękno ozdobione i Piękno nieozdobione”, a obecną nazwę nadano im w 1693 r.
Dzieło sztuki ukazuje dialog między dwiema wersjami Wenus, symbolizującymi miłość ludzi i bogów. Przedstawione są razem, ale jednocześnie podkreślają różnice między nimi.
Wenus, symbolizująca boską miłość, jest naga i umieszczona wyżej, ukazując czystość i niebiańskie piękno.
Natomiast druga Wenus, reprezentująca ludzką miłość i radość małżeństwa, jest ubrana i znajduje się bliżej ziemi.
Umieszczone między nimi Kupidyn i róże podkreślają temat miłości, a przedstawienie dzikiej żądzy na sarkofagu dodaje obrazowi kolejną warstwę.
Dzieła Tycjana umiejętnie łączą przeciwieństwa – od sposobu ukazania postaci po ich symboliczne znaczenie – czerpiąc przy tym z mitów i idei renesansowych.
Diana i jej nimfy Domenichino
Obraz w pokoju nr 14 przedstawia Dianę, boginię łowów, która zawsze przebywa ze swoją grupą nimf.
Jest również kojarzona z pożądaniem i płodnością. Historia na obrazie opowiada o Dianie i mężczyźnie o imieniu Akteon.
Acteon przypadkowo zauważa Dianę podczas kąpieli, co ją zaskakuje. Zirytowana Diana ochlapuje go wodą, przez co zamienia się w jelenia.
Sytuacja staje się jeszcze gorsza, gdy Acteon zostaje spuszczony na ziemię ze swoimi psami, które go zabijają.
Na obrazie możemy zobaczyć historię, która się rozwija – od Akteona szpiegującego przez drzewa, poprzez atak psów, aż po zabranie jelenia.
Obraz ten ma też w sobie odrobinę dramatyzmu.
Kardynał Pietro Aldobrandini nie chciał sprzedać majątku Scipione Borghese, za co trafił do więzienia, tak jak inni.
Obraz pokazuje, że nie należy zadzierać z Dianą, a być może Scipione Borghese był pod tym względem do niej podobny.
Złożenie Rafaela do grobu
Jest to litografia oparta na rysunku Rafaela z około 1506-07 roku, która obecnie znajduje się w paryskim Luwrze.
Rysunek stanowił studium do obrazu Rafaela „Złożenie do grobu Borghese”, ukończonego w 1507 roku i znajdującego się obecnie w Galerii Borghese w Rzymie.
Ta grafika jest częścią serii Lawrence Gallery, w której prezentowane są kopie rysunków Rafaela.
Obraz pierwotnie stanowił główną część ołtarza kościoła w Perugii, wykonanego ku czci syna Atalanty Baglioni, Grifonetta, który zginął w 1500 roku.
Rafael rozpoczął pracę nad dziełem około 1505 roku. Powstało wiele szkiców, które ostatecznie doprowadziły do jego powstania.
Na obrazie widać niesienie Chrystusa do grobu – scena ta łączy tradycyjne motywy z historią opowiadaną przez Rafaela.
Scipione Borghese, krewny papieża Pawła V, przeniósł obraz do swojej kolekcji w Rzymie w 1608 roku.
Napoleon zabrał ją do Paryża w 1797 roku, ale wróciła do Rzymu w 1815 roku.
Koza Amaltea z małym Jowiszem i fauna
Rzeźba przedstawia młodego boga, Jowisza, dojącego kozę o imieniu Amaltea, która patrzy na niego.
Mały faun o imieniu Pan pije mleko z miski znajdującej się za kozą.
Pierwsza znana wzmianka o tej rzeźbie w Villa Pinciana pochodzi z 1615 roku.
Przez długi czas nie było wiadomo, kto wykonał tę pracę, aż do 1926 roku. Dopiero wtedy przypisano ją słynnemu artyście, Gian Lorenzo Berniniemu.
Niektórzy zastanawiają się, czy Bernini rzeczywiście to zrobił, lecz i tak uważa się to za wczesny dowód jego wielkiego kunsztu.
Uważa się, że rzeźba symbolizuje nadzieję na powrót do czasów pokoju i dobrobytu, a inspiracją dla niej jest historia Amaltei, a także osoba Pawła V z rodu Borghese, który w tamtym czasie był papieżem.
Paolina Borghese jako Venus Victrix
„Paolina Borghese jako Wenus Zwycięska” to znana neoklasycystyczna rzeźba marmurowa stworzona przez włoskiego artystę Antonio Canovę w latach 1805–1808.
Rzeźba zamówiona przez Camilla Borghese, męża Paoliny Borghese i szwagra Napoleona Bonaparte, przedstawia Paolinę jako rzymską boginię Wenus.
Rzeźba, wykonana w latach 1804–1810 w Rzymie, przedstawia ją częściowo zakrytą, co tworzy niezwykle atrakcyjny wizerunek.
Paolina Borghese była wybitną postacią swoich czasów, znaną ze swojej urody, uroku i wpływów, wybraną jako najpiękniejsza spośród dwóch innych bogiń.
Przedstawiono ją leżącą na kanapie, częściowo okrytą materiałem podkreślającym jej zmysłową figurę.
Jej poza jest swobodna i kusząca, z jedną ręką uniesioną nad głową, a drugą spoczywającą na biodrze.
Jej wyraz twarzy jest spokojny i pewny siebie, ucieleśnia ponadczasowy urok bogini Wenus.
W tym przedstawieniu Paolina uosabia wyidealizowane piękno i wdzięk Wenus, przywołując klasyczne ideały harmonii, równowagi i perfekcji.
Dzieło to ukazuje nie tylko piękno tematu, ale i artystyczny geniusz twórcy, utrwalając na kartach historii sztuki zarówno Paolinę Borghese, jak i Antonia Canovę.
Mozaiki Gladiatora
W 1834 roku podczas wykopalisk w posiadłości Borghese niedaleko Rzymu odkryto siedem fragmentów starożytnych rzymskich mozaik.
Dzieła te przedstawiały sceny polowań i walk gladiatorów, prawdopodobnie z bogatej rzymskiej willi.
Dzieło, o którym mówimy, składa się z kolorowych elementów tworzących scenę polowania na panterę z dwoma poziomami: martwe pantery na górze i walka na dole.
Po jednej stronie nie walczy pantera, a po drugiej stronie widać tylko stopy innego zwierzęcia.
Pokazywanie scen gladiatorów i polowań w domach było wówczas sposobem, w jaki bogaci ludzie chwalili się swoim statusem i odwagą.
Dama z jednorożcem autorstwa Rafaela
W 1506 roku Rafael namalował obraz, który rodzina Borghese kupiła w 1760 roku, nie wiedząc, że jest jego dziełem.
Dopiero podczas renowacji w XIX wieku ludzie zdali sobie sprawę, że dzieło to wykonał Rafael.
Obraz znajduje się w pokoju numer dziewięć i przedstawia kobietę trzymającą jednorożca, symbolizującego czystość. Nikt jednak nie wie, kim ona jest.
Jej sposób siedzenia i tło przypominają ludziom inny obraz Leonarda da Vinci, „Damę z gronostajem”.
Późniejsze badania wykazały, że Rafael najpierw namalował psa z kobietą, ale później zmienił to na jednorożca.
Zeznanie Rafaela
W 1507 roku Rafael namalował na drewnianych panelach „Złożenie do grobu” dla Atlanty Baglione ku pamięci jej zmarłego syna.
Obraz znajduje się w sali numer dziewięć i przedstawia postacie niosące Jezusa do grobu, z których jedna przypomina jej syna, Grifonetto Baglione.
Grifonetto brał udział w spisku mającym na celu przejęcie stanowisk kierowniczych w swoim mieście 3 lipca 1500 roku.
Jednak plan się nie powiódł i gdy próbował wrócić, zawstydzona matka odmówiła mu schronienia.
Został zabity po konfrontacji z Gian Paolo Baglione, nową głową rodziny.
Wiele lat później matka Rafaela poprosiła go, aby namalował dla niego ten obraz.
Jednakże obraz nie ukazuje zdjęcia Jezusa z krzyża, jak sugeruje tytuł „Złożenie do grobu”, gdyż scena ta znajduje się daleko w tle.
Rafael wykazał się kreatywnością w tej scenie, pokazując swój talent w przedstawieniu martwego ciała z realizmem.
Wyróżniony obraz: Tripadvisor.com