Co zobaczyć w MoMA

Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) należy do najbardziej znanych na świecie muzeów prezentujących sztukę nowoczesną i współczesną.

W jego ogromnej kolekcji znajduje się ponad 200 000 dzieł pochodzących z okresu od końca XIX wieku do dnia dzisiejszego.

Wizyta w MoMA pozwala przyjrzeć się z bliska ewolucji sztuki, prezentując nowatorskie i wpływowe dzieła wykonane w różnych mediach.

W tym artykule omówiono 15 kultowych dzieł ze zbiorów MoMA, które każdy zwiedzający powinien zobaczyć.

Les Demoiselles d'Avignon (1907) Pabla Picassa

Ten przełomowy obraz znanego hiszpańskiego artysty Pabla Picassa przedstawia pięć nagich kobiet, prawdopodobnie prostytutek, w domu publicznym.

Dzieło to wyróżnia się fragmentaryczną perspektywą, twarzami inspirowanymi afrykańskimi maskami i wyrazistymi kolorami. Jest to pionierskie dzieło, które utorowało drogę kubizmowi i sztuce nowoczesnej.

Początkowo szokujący i kontrowersyjny, obraz ten ucieleśnia ducha wczesnego modernizmu i podkreśla pionierską rolę Picassa jako postaci artystycznej.

Taniec I (1909) Henriego Matisse’a

Henri Matisse, legendarny francuski artysta, rozpoczął swój ceniony cykl Tańca tym obrazem.

Przedstawia pięć nagich postaci tańczących w kręgu na jaskrawym czerwonym tle. Cechą charakterystyczną dzieła Matisse'a jest użycie wyrazistych, nierealistycznych kolorów.

Jest to cecha charakterystyczna jego stylu fowistycznego – dzieło to wyraża radość, ducha tańca i beztroską naturę europejskiej belle époque sprzed I wojny światowej.

Taniec I jest nie tylko świadectwem mistrzostwa Matisse’a w posługiwaniu się kolorami, ale także trwałym symbolem witalności sztuki wizualnej.

Trzej muzycy (1921) Pabla Picassa

Na tym kubistycznym obrazie olejnym Picasso przedstawia trzech muzyków noszących maski Pierrota, Arlekina i mnicha, bohaterów komedii dell'arte.

Obraz prezentuje kubistyczny styl Picassa, abstrakcyjnie przedstawiając rzeczywistość w geometrycznych kształtach, kreatywnie bawiąc się przestrzenią i formą.

Jest to doskonały przykład technik kubistycznych i żartobliwa interpretacja popularnego tematu artystycznego. Dzieło to należy do najsłynniejszych dzieł Picassa z okresu kubistycznego.

Gwiaździsta noc (1889) Vincenta van Gogha

Dla wszystkich zwiedzających, którzy zastanawiają się, co zobaczyć w Muzeum Sztuki Nowoczesnej, przygotowaliśmy światowej sławy widowisko Gwiaździsta Noc.

Prawdopodobnie najsłynniejszy obraz świata, Gwiaździsta noc holenderskiego postimpresjonisty Vincenta van Gogha, przedstawia wirujące nocne niebo nad małą wioską.

Niezwykłe użycie przez Van Gogha żywych kolorów i dynamicznych pociągnięć pędzla przekazuje głębokie emocje, odzwierciedlając jego zmagania.

Gwiaździsta noc nadal fascynuje, pokazując ogromny wpływ Van Gogha na nasycenie sztuki emocjami, wyobraźnią i osobistą perspektywą.

Trwałość pamięci (1931) Salvadora Dalí

Salvador Dalí, hiszpański surrealista, stworzył swój najbardziej ikoniczny obraz Trwałość pamięci.

Jest to żywy przykład jego umiejętności tworzenia uderzających i niezapomnianych obrazów.

Na tym obrazie widać miękkie, rozpływające się zegarki kieszonkowe, nieruchomo rozwieszone na skałach na tle niepokojącego krajobrazu zachodzącego słońca.

Symbolika ta natychmiast podważa nasze konwencjonalne rozumienie i zapada w pamięć ze względu na swoją dziwaczną symbolikę.

Obraz zyskał ogromną popularność i ugruntował pozycję Dalíego jako jednego z najzdolniejszych malarzy surrealistycznych.

Śpiąca Cyganka (1897) Henri Rousseau

Henri Rousseau, francuski postimpresjonista, był artystą samoukiem, związanym z kręgami awangardy.

Jego dzieła, w tym niezwykły obraz Śpiąca Cyganka, zapowiadały kilka stylów sztuki nowoczesnej, które pojawiły się później.

Na tym obrazie egzotyczny lew spokojnie odpoczywa obok śpiącego człowieka pod rozgwieżdżonym niebem.

Choć Rousseau nigdy nie opuścił Francji, jego oniryczne obrazy egzotyki świadczą o jego żywej wyobraźni.

Obraz, w którym połączono szczegółowe obserwacje natury ze scenami bujnej dżungli i dzikiej przyrody, ukazuje wyjątkowy styl realizmu magicznego Rousseau i jego znaczący wpływ.

Złota Marilyn Monroe (1962) autorstwa Andy'ego Warhola

Andy Warhol, czołowa postać amerykańskiego pop-artu, zasłynął z sitodruków przedstawiających codzienne dobra konsumpcyjne i gwiazdy.

Wśród nich znalazły się słynne portrety Marilyn Monroe wykonane po jej śmierci w 1962 roku.

Złota Marilyn Monroe, oparta na kadrze z filmu Niagara z 1953 r., to sugestywny, a zarazem urzekający portret.

Dzieło sztuki, stworzone przy użyciu złotego akrylu i sitodruku, łączy w sobie konsumpcjonizm, sławę i proces tworzenia sztuki – cechy charakterystyczne stylu Pop Art Warhola.

Puszki zupy Campbella (1962) autorstwa Andy'ego Warhola

Jednym z najsłynniejszych dzieł Andy’ego Warhola są puszki zupy Campbell, stanowiące cykl 32 płócien.

W tej serii odtwarzane są znane artykuły spożywcze, każde płótno przedstawia inny ich rodzaj.

Powtarzalność nawiązuje do masowej produkcji, będącej podstawą ideologii pop-artu, i odzwierciedla codzienne życie amerykańskiej klasy średniej na początku lat 60.

W niektórych odmianach dzieła widać osobiste zaangażowanie Warhola, widoczne w drobnych niedoskonałościach i nierównomiernym blaknięciu.

Prezentując przedmioty codziennego użytku w nowym świetle, marka Campbell's Soup Cans zaciera granicę między wysoką sztuką a życiem codziennym.

Seria Lilie wodne (1914-1926) Claude'a Moneta

Żadna lista arcydzieł w MoMA nie byłaby kompletna bez wzmianki o serii Lilie wodne.

Claude Monet jest francuskim impresjonistą, którego seria obrazów „Lilie wodne” stanowi uosobienie celów i technik impresjonizmu i wywiera wpływ na sztukę współczesną.

Monet namalował ponad 250 obrazów olejnych przedstawiających lilie wodne w ozdobnych ogrodach, które stworzył w swojej posiadłości w Giverny od początku XX wieku aż do swojej śmierci w połowie lat dwudziestych XX wieku.

Jego obsesja na punkcie stawu z liliami wodnymi doprowadziła do powstania kompozycji graniczących z prawdziwą abstrakcją i zapowiadających ekspresjonizm abstrakcyjny.

Seria Lilie wodne jest przykładem zaangażowania Moneta w eksplorację i poszerzanie granic impresjonizmu.

Widać to wyraźnie w jego próbach uchwycenia ulotnych efektów światła i pogody poprzez szybkie wrażenia koloru i ruchu.

Autoportret z przyciętymi włosami (1940) Fridy Kahlo

Znana meksykańska artystka Frida Kahlo jest ceniona za urzekające autoportrety, w których podejmuje tematy tożsamości, seksualności, bólu, życia i śmierci.

Na portrecie, wykonanym wkrótce po rozwodzie z Diego Riverą, Kahlo ukazuje się w nietypowym męskim stroju. Ma na sobie męski garnitur i obcina swoje charakterystyczne długie włosy.

Mroczny, enigmatyczny obraz jest świadectwem jej kunsztu w dziedzinie alegorii i symboliki wizualnej, czerpiąc inspirację z własnego życia i łącząc metafory zakorzenione w meksykańskim folklorze.

Tonąca dziewczyna (1963) Roya Lichtensteina

Roy Lichtenstein, wybitna postać pop-artu, przekształcił metodę druku punktowego Ben-Daya, podstawową metodę sztuki komercyjnej, na potrzeby swoich rozległych płócien.

Na płótnach tych przedstawiono typowe amerykańskie tematy, takie jak romans, wojna i inne.

„Drowning Girl” to dramatyczna scena zaczerpnięta z komiksu romantycznego z lat 60., wzbogacona o dymki myślowe, będące kwintesencją zdystansowanego, satyrycznego podejścia autora.

Krytykuje stereotypy dotyczące wyidealizowanej kobiecości, komercjalizmu i banalnych romantycznych narracji.

Obraz ten świadczy o trwałym wpływie Lichtensteina na ruch Pop Art.

Unikalne formy ciągłości w przestrzeni (1913) Umberto Boccioniego

Oprócz obrazów w Muzeum Sztuki Nowoczesnej znajduje się duża kolekcja rzeźb.

Jedną z rzeźb, których nie można pominąć, jest dzieło z brązu zatytułowane Unikalne formy ciągłości w przestrzeni włoskiego futurysty Umberto Boccioniego.

Boccioni uchwycił w tej rzeźbie prędkość i ruch poprzez radykalnie abstrakcyjną postać ludzką składającą się z unoszących się płaszczyzn i linii.

Uosabia fascynację początków XX wieku dynamiką epoki maszyn.

Dzieła Boccioniego, kładące nacisk na prędkość, siłę i potencjał rzeźbiarski inspirowany technologią i nowoczesnym życiem, pozostają pionierskie w sztuce współczesnej.

Koło rowerowe (1913) autorstwa Marcela Duchampa

Marcel Duchamp, radykalny innowator, rzucił wyzwanie konwencjonalnej sztuce swoim dziełem „Koło rowerowe” – odwróconym kołem rowerowym umieszczonym na drewnianym stołku.

Dzieło to dało początek późniejszym ruchom, takim jak dadaizm i sztuka konceptualna.

„Koło rowerowe” i podobne gotowe, masowo produkowane przedmioty, prezentowane jako dzieła sztuki, skłaniały do ponownej oceny kreatywności artystycznej, a także skupienia się na wyborze i interpretacji.

Jako jeden z pierwszych ready-mades, „Koło rowerowe” znacząco zmieniło postrzeganie rzeźby i jej potencjału narracyjnego w XX wieku.

Flaga (1954-55) autorstwa Jaspera Johnsa

Po II wojnie światowej, w okresie rozkwitu sztuki abstrakcyjnej, Jasper Johns stworzył „Flagę”, realistyczne przedstawienie flagi amerykańskiej.

Obraz ma delikatne pęknięcia i kontury, niczym flaga poruszana wiatrem.

Ponowne wprowadzenie jawnego realizmu i patriotycznej symboliki do sztuki wysokiej oznaczało przesunięcie akcentów w stronę neodadaizmu, a później trendów pop-artu.

Dzieła Johnsa, podobnie jak zaangażowanie Warhola w kulturę konsumpcyjną, na nowo nawiązywały do realizmu i tematów istotnych dla codziennego życia.

Numer 1A, 1948, autorstwa Jacksona Pollocka

Jackson Pollock, jedna z najważniejszych postaci ekspresjonizmu abstrakcyjnego, zrewolucjonizował malarstwo w połowie XX wieku swoimi abstrakcyjnymi płótnami, dynamicznym połączeniem zacieków i innych elementów.

Jego technika, kładąca nacisk na spontaniczne, pełne ruchu, przekazywała wewnętrzne emocje bardziej niż formy zewnętrzne.

„Numer 1A, 1948” jest świadectwem tej metody, w której Pollock manipuluje płótnem na ziemi i inscenizuje wokół niego taniec farby.

Dzieło to stanowiło znaczącą zmianę w malarstwie, gdyż ceniło akt twórczy i osobistą ekspresję bardziej niż obrazowanie namacalnej rzeczywistości.

Wyróżniony obraz: Moma.org