Obrazy z Galerii Borghese 

Ludzie z całego świata zakochują się w bogactwach rzymskiej Galerii Borghese, która jest ośrodkiem pełnym artystycznego piękna. 

To cenione muzeum, mieszczące się w rozległych ogrodach Willi Borghese, jest domem dla niezrównanej kolekcji dzieł sztuki, w tym obrazów i rzeźby.

Galeria Borghese została założona na początku XVII wieku przez kardynała Scipione Borghese, który był pasjonatem sztuki i kultury. 

Początkowo przechowywany był w domu kardynała niedaleko Bazyliki św. Piotra, jednak w latach dwudziestych XVII wieku został przeniesiony do jego nowej willi za bramą Porta Pinciana. 

Dziś Galeria Borghese posiada ponad 800 obrazów i wiele innych przedmiotów, w tym arcydzieła najbardziej znanych artystów epoki baroku i renesansu. 

Galeria Borghese do dziś jest wspaniałym przykładem artystycznej błyskotliwości, zapewniając ludziom niepowtarzalną szansę doświadczenia luksusu i elegancji przeszłości.

Hol wejściowy i Marcus Curtius skaczący w przepaść

W gościnnej sali pałacu na podłogach znajdują się starożytne rzymskie mozaiki, starannie wykonane w rzymskich Termach Karakalli.

W holu znajduje się także imponujący malowidło na wysokim suficie w stylu rokoko, przedstawiające różne sceny ze starożytności.

Godnym uwagi elementem tej sali jest płaskorzeźba autorstwa Pietro Berniniego, ojca znanego Gian Lorenzo Berniniego.

Znajduje się nad wejściem; po prostu stań przodem do drzwi i spójrz w górę, gdzie ściana styka się z sufitem.

To znacznie więcej niż zwykła ulga; przedstawia bohaterski czyn Marka Curtiusa rzucającego się w przepaść. 

Według historyków trzęsienie ziemi w IV wieku p.n.e. utworzyło przepaść w centrum Rzymu.

Aby poznać przyczynę tej przepaści, Rzymianie zasięgnęli porady augura, który powiedział, że bogowie żądali od Rzymian wypełnienia jej najcenniejszym dobytkiem. 

Marek Curtius odpowiedział, że odwaga jest najcenniejszą własnością Rzymu. 

Okazując tę ​​wiarę, wsiadł na konia, przywdział zbroję i skoczył w przepaść, która się wokół niego zamknęła, ratując Rzym.

Przedstawia słynnego Marka Curtiusa nurkującego w przepaść, co jest czymś więcej niż zwykłą ulgą. 

Chłopiec z koszem owoców autorstwa Caravaggio 

„Chłopiec z koszem owoców” Caravaggia jest wybitnym przykładem jego oryginalnego podejścia do malarstwa Caravaggia i jego umiejętności nadawania zwykłym przedmiotom niesamowitego poczucia głębi i piękna. 

To dzieło sztuki powstałe w 1593 roku w sali VIII w Galerii Borghese nigdy nie przestaje oczarowywać widzów szczegółami i głębokim wpływem emocjonalnym.

Obraz przedstawia młodego chłopca z koszem pełnym soczystych owoców, z oczami skierowanymi prosto na malarza. 

Obraz jest złożoną grą kontrastów i subtelności.

Rude policzki i delikatne rysy twarzy wyrażające wdzięk i życzliwość sprawiają, że twarz chłopca jest studium niewinnego dzieciństwa. 

Jednak w jego wyrazie twarzy widać także ślad psot, bystrości, która ignoruje jego młody wiek.

Mistrzostwo Caravaggia w zakresie światła i cienia jest widoczne w każdej części obrazu, od cichych głosów na twarzy chłopca po pięknie teksturowaną powierzchnię owoców. 

Interakcja światła i cienia stwarza wrażenie głębi i wymiaru, kusząc obserwatora do pozostania i dostrzeżenia każdego szczegółu. 

Precyzyjnie przedstawione owoce są realistyczne i niosą ze sobą symboliczne znaczenia związane z ulotnością młodości, płodności i obfitości. 

Poprzez bezpośrednie spojrzenie chłopca obraz zachęca do refleksji nad ulotnymi cechami piękna i trwałym pięknem natury.

„Chłopiec z koszem owoców” jest eksponowany w sali VIII Galerii Borghese wśród innych wspaniałych dzieł z epoki włoskiego renesansu i baroku. 

Młody św. Jan Chrzciciel 

Obraz ten jest oszałamiającym arcydziełem znajdującym się w Sali VIII Galerii Borghese i symbolizuje rewolucyjną technikę artysty i głęboką głębię emocjonalną. 

Ten potężny obraz przedstawiający dziecko świętego z około 1602 roku ilustruje niezrównaną umiejętność Caravaggia w uchwyceniu ludzkiej postaci z niezwykłym realizmem i żywą intensywnością.

Święty przedstawiony jest jako młody chłopak o długich rozwianych włosach i zamyślonym wyrazie twarzy, stojący w centralnym punkcie kompozycji. 

Jego usta są rozchylone, jak do modlitwy lub myśli, a wzrok skierowany w górę. 

Dramatyczna gra światła i cienia podkreśla jego rysy twarzy. 

Oddaje powagę chwili, pokazując umiejętności Caravaggia w renderowaniu tekstur oraz tworzeniu poczucia życia i obecności poprzez kontrast światła i ciemności.

Każdy element obrazu ukazuje skuteczny talent Caravaggia, począwszy od wrażliwego przedstawienia

Rysy świętego Jana w delikatnej fakturze jego skóry i włosów. 

Obraz „Młody święty Jan Chrzciciel” zawiera znaczenie i symbolikę. 

W ikonografii chrześcijańskiej św. Jan ma szczególne znaczenie jako przodek Chrystusa, reprezentujący czystość moralną i duchowe oświecenie. 

Jego młodość i ignorancja przypominają o możliwości odkupienia i przemieniającej mocy wiary.

Obraz ten plasuje się wśród innych arcydzieł sztuki włoskiego renesansu i baroku.

Św. Hieronim Caravaggio

Św. Hieronim Caravaggia, mieszczący się w sali VIII Galerii Borghese, jest mocnym przedstawieniem świętego w stanie samotnej kontemplacji. 

To arcydzieło, powstałe w latach 1605–1606, ukazuje władanie Caravaggia światłem i cieniem, jego zdolność do wywoływania silnych uczuć i szeroką wiedzę na temat ludzkiej psychiki.

Św. Hieronim ukazany jest jako osoba starsza i ponura, zamyślona, ​​ze spojrzeniem utkwionym w trzymanym przez siebie krzyżu, odzwierciedlającym lata pobożności i medytacji.

Kontury jego twarzy – zmarszczki na policzkach i zmarszczki na czole – podkreślone są tańcem światła i cienia.

Postać św. Hieronima została namalowana z niezwykłą dokładnością i szczegółowością; każdy włos na jego strzępiastej brodzie i naturalne zmarszczki są delikatnie ukazane, co nadaje obrazowi poczucie głębi i autentyczności.

Umieszczona na ciemnym tle kompozycja jest prosta, ale pełna mocy, a wyraźne kontrasty światła i ciemności podkreślają motyw introspekcji.

Skutecznie wciąga to widza w duchową wędrówkę i wewnętrzne zmagania świętej, czyniąc „Św. Hieronima” to głęboko symboliczne dzieło, które kontempluje pokutę i duchowe oświecenie.

Palafrenieri autorstwa Caravaggia 

Naprzeciwko św. Hieronima znajduje się duży obraz zatytułowany Palafrenieri, przedstawiający Marię, matkę Jezusa i Annę, matkę Marii.

Utwór, pierwotnie zamówiony dla Bazyliki Świętego Piotra w Rzymie, został odrzucony ze względu na zbyt ekstrawagancki charakter.

Dzieło przedstawia Marię w głęboko wyciętej szacie, uważanej za niestosowną dla Dziewicy Matki oraz Jezusa w rudych włosach, co jest wyborem kontrowersyjnym ze względu na negatywne konotacje w sztuce. 

Wreszcie matka Marii, Anna, ma nieco zaniepokojoną minę.

Po drobnych korektach kardynał Scipione Borghese interweniował i zakupił dzieło sztuki po wyjątkowo niskiej cenie.

Przedstawienie Marii i Jezusa depczących węża nogami przedstawia ich bunt wobec szatana, przy czym skóra Marii przypomina skórę, a jej oczy są pełne wściekłości.

Dawid z głową Goliata

Dawida z głową Goliata, która przechowywana jest w sali VIII Galerii Borghese, to portret biblijnej postaci Dawida, namalowany około 1610 roku.

Na obrazie Dawid jest przedstawiony jako młody mężczyzna o smutnym spojrzeniu, stojący pośrodku kompozycji, trzymający odciętą głowę filistyńskiego giganta Goliata.

Dramatyczna i napięta atmosfera, którą tworzą światło i cień, podkreśla ostry kontrast między straszliwą śmiercią Goliata a młodą niewinnością Dawida.

Jego uśmiech odzwierciedla obie strony chwili – radość zwycięstwa zrównoważoną ciężarem odebrania życia innej osobie – jako triumf i żal.

W prostej, ale efektownej kompozycji obrazu, postać Davida umieszczona jest na ciemnym tle, co zwiększa intensywność sceny.

Obraz jest bogaty w symbolikę i znaczenie, przedstawia motywy odwagi, bohaterstwa i triumfu dobra nad złem.

Jako jedna z najbardziej ikonicznych historii w Biblii, opowieść o Dawidzie i Goliacie zachwyca widzów od wieków, a potężna interpretacja Caravaggia ożywia tę narrację. 

Chory Bachus Caravaggio

Chory Bachus”, godne uwagi dzieło Caravaggia, niegdyś należące do Scipione Borghese i oferujące fascynujący wgląd w psychikę artysty. 

Obraz przedstawia Bachusa, rzymskiego boga wina, płodności i rolnictwa, w stanie choroby i zmęczenia, co może odzwierciedlać zmagania Caravaggia z uzależnieniami, zwłaszcza alkoholizmem. 

Przedstawienie jest uderzająco żywe, przedstawia Bachusa z realizmem, który nie pozostawia wiele do interpretacji. 

To dzieło w formie oleju na płótnie jest ostatnim dziełem Caravaggia, zanim zwiedzający przejdą do rzeźb Berniniego w sali VIII, wyznaczając przejście od mistrza malarstwa barokowego do innej formy ekspresji artystycznej.

Zeznanie Rafaela

Mieszczące się w sali IX Galerii Borghese „Złożenie zeznań” Rafaela to arcydzieło z początku XVI wieku, które oddaje głęboki smutek i piękno chwil po ukrzyżowaniu Chrystusa. 

Obraz w fascynujący sposób przedstawia Marię, umiłowanego ucznia Jana i Marię Magdalenę, delikatnie opuszczające martwe ciało Chrystusa z krzyża, a na ich twarzach widać głęboki smutek. 

Doskonałe wykorzystanie przez Raphaela koloru, światła i cienia potęguje wrażenie szczerości i szacunku, jednocześnie nadając postaciom delikatny, eteryczny blask, zwiększając emocjonalny wpływ obrazu.

Każdy element kompozycji został starannie rozmieszczony, aby zapewnić poczucie przejrzystości i jedności, dzięki czemu całość jest harmonijna i zrównoważona.

Obraz symbolizuje i przekazuje motywy odkupienia, poświęcenia i zwycięstwa nadziei nad beznadziejnością. 

Odwiedzający są zachęcani do zbadania wiecznej skuteczności miłości i przebaczenia oraz głębokiej tajemnicy zmartwychwstania i śmierci Jezusa. 

Dama z jednorożcem – Raphael

Nabyty przez rodzinę Borghese w 1760 r. obraz ten, namalowany w 1506 r., początkowo nie był uznawany za dzieło Raffaela, dopóki nie przeszedł renowacji w XIX wieku.

Nie było wówczas jasne, czy obraz jest dziełem Raffaello, ponieważ nazwisko artysty zostało do niego dołączone dopiero po renowacji w XIX wieku.

Tożsamość dziwnej kobiety jest wciąż nieznana i nikt tak naprawdę nie wie, kim może być.

Kobieta na obrazie trzyma jednorożca, symbol dziewictwa, i patrzy bezpośrednio na widza.

Poza i sceneria przypominają „Damę z gronostajem” Leonarda da Vinci, co sugeruje, że Raffaello czerpał inspirację z twórczości Leonarda.

Historycy uważają, że po kilku badaniach Raffaello zdecydował się zastąpić pierwotnie zamierzonego psa jednorożcem w ramionach kobiety, dodając grafice kolejną warstwę intrygi i złożoności.

Diana i jej nimfy Domenichino 

To arcydzieło Domenichino, znajdujące się w sali XIV Galerii Borghese, przeniesie Cię do pięknej krainy rzymskiej legendy.

Ten wspaniały portret bogini Diany i jej nimf, namalowany na początku XVII wieku, doskonale ucieleśnia ponadczasowe piękno i wdzięk boskości.

W centrum kompozycji stoi Diana, bogini łowów, przerzucona przez ramię z kołczanem ze strzałami i trzymająca łuk.

Otaczają ją nimfy, podskakujące i tańczące z przyjemnością ukazane na pięknym obrazie. 

Scena ma urzekający charakter, który potęguje poczucie magii i czaru dzięki delikatnemu, rozproszonemu światłu, które ją wypełnia.

Skrupulatne przywiązanie Domenichino do szczegółów jest widoczne w każdym miejscu pracy, od delikatnych rysów ludzi po niesamowite fałdy draperii.

Nimfy ukazane są z oszałamiającą elegancją i urodą, a ich rozwiane włosy i ubrania sugerują ruch i energię.

Każda figura w kompozycji została starannie rozmieszczona, aby zapewnić poczucie rytmu i równowagi, nadając jej energii i harmonii.

Ogólnie obraz wywołuje poczucie spokoju i wyciszenia, zapraszając widza do zanurzenia się w świat klasycznej mitologii. 

Bogaty w symbolikę, porusza tematy natury, kobiecości i mocy boskości.

Danae

Obraz ten jest częścią słynnej kolekcji stworzonej przez Correggio dla księcia Mantui Federico II Gonzagi. 

Książę podarował później te obrazy, w tym ten przedstawiający Danae, Karolowi V. 

Prawdopodobnie wręczono je w Bolonii w 1530 r., ale bardziej prawdopodobne jest, że w listopadzie 1532 r., kiedy cesarz odwiedził Mantuę. 

Obraz przedstawia Danae, księżniczkę zamkniętą przez ojca, króla Akrisiusa, aby uniemożliwić jej posiadanie dzieci. 

Uchwyca moment, w którym Danaë i Jowisz, który według Owidiusza przemienia się w złoty deszcz, spotykają się. 

Ich dziecko, Perseusz, spełnia proroctwo, ostatecznie zabijając króla Argiwów.

Ta scena, wyjątkowa wśród dzieł Correggio, rozgrywa się w pomieszczeniu, w bardziej intymnym otoczeniu. 

Przedstawia Hymena, boga małżeństwa i dwóch amorków, którzy sprawdzają, czy złoto (postać Jowisza) jest czyste. Akt ten symbolizuje prawdziwą i nieocenioną miłość Jowisza do Danae.

Często zadawane pytania dotyczące obrazów Borghese Galley

Przedstawiony obraz: Tripadvisor.in