Rzeźby Galerii Borghese

Ród Borghese, prominentna postać w renesansowym i barokowym Rzymie, zgromadził znaczącą kolekcję starożytnych rzymskich rzeźb marmurowych.

Często nazywa się je posągami Borghese.

Rzeźby te, znajdujące się głównie w Galleria Borghese , klasycznej rezydencji położonej na terenie Ogrodów Willi Borghese, stanowią jedne z najwspanialszych przykładów klasycznego kunsztu i sztuki.

Ponadto w Galerii Borghese znajduje się bogata kolekcja rzeźb, w tym liczne arcydzieła cenionego artysty barokowego Gian Lorenza Berniniego.

Apollo i Dafne

Bernini stworzył rzeźbę Apollina i Dafne w latach 1622–1625.

To znany obraz przedstawiający moment, w którym Dafne przemienia się w drzewo laurowe, aby uciec przed Apollinem.

Historia rzeźby oparta jest na dramatycznej scenie z „Metamorfoz”, w której bóg Apollo goni nimfę Dafne.

Obraz ten charakteryzuje się intensywnością emocji, misternymi detalami i wrażeniem ruchu.

Na rzeźbie można dostrzec wyciągniętą dłoń Apollina niemal dotykającą cienkich palców Dafne, gdy ta przemienia się w gałęzie drzewa.

Rzeźba uchwyciła ich kształty w ruchu z niesamowitą szczegółowością, ukazując przerażający uśmiech Daphne i jej wyciągnięte ramiona, ukazujące jej silne pragnienie ucieczki przed lubieżnym bóstwem.

Kunszt Berniniego widoczny jest w realistycznym przedstawieniu postaci i elementów naturalnych, takich jak włosy Dafne zmieniające się w liście czy jej skóra przemieniająca się w korę.

Realizm jego rzeźb przejawia się w fakturach marmuru, niczym włosy Dafne zamieniające się w liście, a jej skóra w korę drzewa.

Apollo i Daphne to nie tylko arcydzieło sztuki; film ten porusza również głębsze tematy, takie jak miłość, pożądanie i przemiana.

Umiejętność Berniniego wyrażania złożonych emocji i historii za pomocą marmurowych rzeźb jest tym, co wyróżnia jego twórczość.

Rzeźba Apollina i Dafne jest nadal ceniona za swoją artystyczną i narracyjną głębię.

Dzieło to wystawione jest w Galerii Borghese w Rzymie i zaprasza widzów do mitycznego świata, w którym krzyżują się światy boski i śmiertelny.

Porwanie Prozerpiny

Porwanie Prozerpiny to kolejna marmurowa rzeźba wykonana przez Berniniego w latach 1621–1622.

W mitologii greckiej Persefona, znana również jako Prozerpina, była córką boga nieba i piorunów, Jowisza i Cerery, bogini rolnictwa (w mitologii greckiej bogowie Demeter i Zeus) i królową podziemi.

Prozerpina zwróciła uwagę brata swego ojca, władcy zmarłych, który zapragnął Plutona.

Pewnego dnia, gdy młoda Prozerpina zbierała kwiaty, Pluton, bóg Podziemia, porwał ją swoim rydwanem ciągniętym przez cztery czarne konie i powiózł do Podziemia.

Demeter błagała Zeusa, aby uwolnił jej córkę, na co Pluton się zgodził.

Powiedział Persefonie, że może tam pójść, pod warunkiem że nie będzie tam jadła.

Kiedy jednak myślała, że nikt nie patrzy, Persefone weszła do ogrodu z sześcioma pestkami granatu.

W związku z tym zmuszona była spędzać sześć miesięcy w roku z Hadesem, a resztę czasu spędzać na Ziemi, by spotkać się z matką.

Mit głosi, że gdy kobieta spędza miesiące w Zaświatach, Ziemia staje się zimna, ciemna i zimowa, lecz gdy wraca, nadchodzi wiosna i lato.

Rzeźba przedstawia moment porwania Prozerpiny przez Plutona, boga podziemi. Jest to dowód niezwykłego kunsztu Berniniego w przedstawianiu drobnych szczegółów, jak choćby zsuwające się ubranie Prozerpiny czy realistyczna faktura jej ciała, ukazująca jej walkę o ucieczkę.

Pluton jest przedstawiony jako potężny i zdeterminowany, chwyta Prozerpinę silnymi ramionami, gdy ta desperacko próbuje uciec, jej ciało wykrzywia się ze strachu i desperacji.

Rzeźba ukazuje fizyczną walkę i emocjonalne napięcie towarzyszące scenie.

Wyciągnięte ramiona Prozerpiny i wyraz jej twarzy wyrażają jej strach i rozpacz.

Jednocześnie szczegółowe faktury ich ciał, takie jak mięśnie i żyły, świadczą o mistrzowskim opanowaniu przez Berniniego sztuki przedstawiania ludzkich form i emocji.

Technika Berniniego pozwala odczuć dramaturgię z każdej perspektywy, dodając rzeźbie dynamiki, która sprawia, że wydaje się żywa.

To arcydzieło jest świadectwem kunsztu i kreatywności Berniniego oraz porusza głęboką tematykę pożądania, władzy i złożoności ludzkich emocji.

Warto zauważyć, że w czasach Berniniego słowo „gwałt” oznaczało „porwanie”, dlatego rzeźba przedstawia porwanie Persefony.

Dawid

Dawid jest jedyną rzeźbą o tematyce biblijnej wykonaną przez Gian Lorenza Berniniego dla Scipione Borghese.

Przedstawia Dawida na chwilę przed rzuceniem kamienia, który miał uderzyć olbrzyma Goliata, którego Filistyni wezwali do walki z izraelską armią króla Saula.

Napierśnik, który pożyczył mu Saul, leży na ziemi obok kitary, tradycyjnego atrybutu bohatera.

W tym przypadku instrument zakończony jest głową orła, co wskazuje na intencję uhonorowania rodu Borghese.

Bernini przewidział, że Dawid zostanie umieszczony na ścianie Sali Seneki, dzisiejszej Sali Pierwszej.

Z tego miejsca możesz zobaczyć, jak rozwija się akcja, od skrętu ciała i ramion mocno trzymających procę, po twarz skupioną na wysiłku w danej chwili.

Pierwotne umieszczenie rzeźby na niższej podstawie sprawiało, że widz czuł się bardziej częścią dramatycznej sceny.

Pod koniec XVIII wieku rzeźbę przeniesiono do Sali 2. Z tyłu Dawida widoczne są niedokończone fragmenty, gdyż artysta uważał, że nie będą one widoczne.

Ten szczegół świadczy o niezwykłej pewności siebie, z jaką rzeźbiarz podchodził do swoich dzieł już na wczesnym etapie swojej kariery.

Eneasz, Anchizes i Askaniusz

W tym arcydziele ukazany jest mityczny bohater Eneasz, prowadzący swego syna Askaniusza i niosącego na rękach chorego ojca Anchizesa podczas ucieczki z płonącej Troi.

Na zdjęciu widać Askaniusza trzymającego ojca za rękę i Anchizesa spoczywającego na ramieniu Eneasza.

Rzeźba doskonale oddaje intensywne emocje chwili uchwycone w kamieniach.

Dzieło to jest przykładem mistrzowskiego opanowania przez Berniniego narracji i realizmu rzeźbiarskiego, dzięki dynamicznej kompozycji i realistycznemu wyrazowi.

Eneasz, przedstawiony jako postać o heroicznej postawie i niezłomnej woli, stoi w centrum kompozycji.

Prowadzi swoją rodzinę w bezpieczne miejsce dzięki muskularnej sylwetce i pewnemu tonowi głosu, pokazując, że jest oddanym przywódcą i opiekunem.

Starszy i schorowany Anchizes przedstawiony jest jako osoba w dużym stopniu zależna od wsparcia Eneasza.

Najmłodszy, Askaniusz, trzymający ojca za nogę z wyrazem zmieszania i strachu na twarzy, dodaje opowieści głębi.

Dzięki mistrzowskiemu wykorzystaniu rzeźby Bernini nadał postaciom niesamowity realizm i głębię emocjonalną.

Dokładnie oddał ich morfologię, od zmarszczek na czole Anchisesa po splątane loki we włosach Askaniusza.

Faktura ich ubrań i fałdy draperii sugerują szybkie ruchy, wzmacniając wrażenie desperackiej próby uniknięcia śmierci.

Rzeźba ukazuje złożoność uczuć i powiązań między postaciami:

Wrażliwość Anchizesa, determinacja Eneasza i młodość Askaniusza podkreślają wspólne tematy poświęcenia, rodziny i obowiązku.

W „Eneaszu, Anchisesie i Askaniuszu” Berniniego czytamy:

• Głęboka refleksja nad kondycją ludzką.
• Analiza tematów odwagi i odporności.
• Trwała więź między pokoleniami.

Przedstawia ona zwycięstwa i tragedie starożytnego świata na płótnie, dzięki czemu widzowie w Galerii Borghese w Rzymie mogą przenieść się w sam środek epickiej opowieści Wergiliusza.

Koza Amaltea z małym Jowiszem i fauna

Dzieło Gian Lorenza Berniniego „Koza Amaltea z małym Jowiszem i faunem” z 1615 r. przedstawia scenę z mitologii rzymskiej.

Przedstawia młodego boga Jowisza, czule karmionego przez kozę Amalteę pod czujnym okiem wesołego fauna.

Rzeźba ta obrazowo ukazuje pełną czułości chwilę, w której mały Jowisz sięga po róg Amaltei, symbolizujący pożywienie i ochronę, a faun dodaje scenie zabawny akcent.

W centrum kompozycji znajduje się cherubinowa postać Jowisza, spoczywająca obok leżącej Amaltei, której wzrok skierowany na obserwatora i wyciągnięty biust przekazują poczucie troski i wsparcia.

Obecność pogodnego fauna, charakteryzującego się kozimi rysami twarzy, dodaje narracji humoru.

Skrupulatna dbałość Berniniego o szczegóły sprawia, że scena ożywa z niezwykłą precyzją, ukazując niewinność Jowisza i fakturę futra Amalthei z zadziwiającym realizmem.

Utwór ten wywołuje poczucie intymności i uczucia, podkreślając radość młodości i ochronne więzi rodzinnej miłości.

Łączy w sobie klasyczną mitologię z ludzkimi emocjami, ukazując harmonię między bogami i śmiertelnikami.

Za pomocą tej rzeźby Bernini oferuje dogłębną analizę mitologii rzymskiej, celebrując odwieczne tematy miłości, opieki i cudownej mocy tworzenia.

Rzeźba ta nie tylko jest dowodem niezwykłego kunsztu Berniniego, ale także hołdem złożonym ponadczasowym wartościom obecnym w mitologii.

Pauline Bonaparte jako Venus Victrix

„Paulina Bonaparte jako Wenus Zwycięska” to zachwycająca rzeźba autorstwa Antonia Canovy, który stworzył realistyczną rzeźbę z marmuru.

Przedstawia ona Paulinę Bonaparte, siostrę Napoleona, jako boginię Wenus, ucieleśniającą w rzeźbiarskiej formie wykwintne piękno i zmysłową elegancję stylu neoklasycystycznego.

Rzeźba przedstawia Paulinę leżącą z gracją na kanapie, jej ciało otulone jest zwiewnymi szatami, które łagodnie opadają wokół niej.

Emanuje klasycznym pięknem i zmysłowością, ma pogodny wyraz twarzy i delikatny uśmiech.

Trzyma w dłoni jabłko jako symbol miłości i pożądania. Wydaje się być pogrążona w myślach lub medytacji, wpatrując się w niebo.

Skrupulatna dbałość Canovy o szczegóły jest widoczna w każdym elemencie rzeźby – od pięknych rysów twarzy Pauline po skomplikowane fałdy jej szat.

Pod wprawnymi rękoma Canovy marmur ożywa, gdy delikatne ciało Pauline się wygina, a subtelna gra światła i cienia tworzy realistyczną obecność.

Rzeźba zyskała uznanie za wyidealizowane ukazanie kobiecego wdzięku i piękna, ukazując Paulinę jako wzór klasycznej elegancji i wyrafinowania.

Uchwycił ponadczasowe ideały piękna, pożądania i miłości, które od wieków fascynują artystów i poetów.

Chociaż Canova docenia urodę Pauline, uznaje ją za symbol siły, mocy i kobiecości.

To wspaniałe dzieło, znajdujące się w Galleria Borghese w Rzymie, przenosi widzów do mitycznego świata, w którym Paulina Bonaparte, bogini Wenus, zdaje się ożywać, stanowiąc ponadczasowy hołd dla nieprzemijającego uroku piękna i pożądania.

Śpiący Hermafrodyta II wieku

Jedna z najbardziej znanych historycznych rzeźb marmurowych, Śpiący Hermafrodyta, pochodzi z II wieku n.e.

Przedstawia śpiącego młodzieńca w pozycji półleżącej, cechy kobiece.

Unikalne połączenie cech męskich i żeńskich podkreśla dwoistą naturę tej mitologicznej postaci.

Rzeźba przedstawia moment, w którym Hermafrodyta, syn Hermesa i Afrodyty w mitologii greckiej, łączy się z nimfą Salmakis, tworząc ich połączone postacie.

Śpiący Hermafrodyta, starożytna marmurowa rzeźba, znajduje się w paryskim Luwrze

Oryginał Śpiącego Hermafrodyty został odkryty na początku XVII wieku w kościele Santa Maria della Vittoria w Rzymie.

Znaleziono go w pobliżu Term Dioklecjana i na terenie starożytnych Ogrodów Salustiusza.

Kardynał Scipione Borghese natychmiast zgłosił swoje roszczenia do dzieła i obraz stał się częścią Kolekcji Borghese.

Później został sprzedany francuskim okupantom i trafił do Luwru, gdzie jest obecnie eksponowany.

Ponadto w Galleria Borghese w Rzymie zastąpiono oryginał kopią Śpiącego Hermafrodyty pochodzącą z II wieku n.e., znalezioną w 1781 r.

Popiersie kardynała Scipione Borghese

Na początku XVII wieku włoski artysta Gian Lorenzo Bernini stworzył niezwykłą marmurową rzeźbę zwaną popiersiem kardynała Scipione Borghese.

Przedstawia asertywnego kardynała w sposób majestatyczny i pełen godności, odzwierciedlając jego pozycję jako jednej z najbardziej wpływowych osób w Rzymie.

Każdy element pięknie oddaje powiewne szaty Scipione, a szczegółowe przedstawienie rysów twarzy świadczy o mistrzostwie Berniniego w rzeźbie.

Wyraz twarzy kardynała odzwierciedla istotę jego budzącej grozę osobowości: siłę, inteligencję i determinację.

To dzieło sztuki, przechowywane w rzymskiej Galerii Borghese , jest trwałym pomnikiem spuścizny kardynała i artysty, który uwiecznił je w kamieniu.

Statua poszukiwacza przygód i ekscentrycznego lorda Byrona

Pomnik poety Lorda Byrona jest repliką oryginalnego dzieła duńskiego rzeźbiarza Bertela Thorvaldsena (1770-1844).

Ta statua jest repliką oryginalnego dzieła duńskiego rzeźbiarza Bertela Thorvaldsena (1770-1844).

Oryginał znajduje się w bibliotece Trinity College w Cambridge.

Pomnik upamiętnia ekscentrycznego i pełnego przygód Lorda Byrona, ukazując jego tajemniczy urok i dostojną osobowość.

Ilustruje ducha oporu, pasji i przygody, który cechował życie i twórczość Byrona.

Przedstawia go jako romantycznego bohatera, często ukazywanego w szlachetnej pozie, z zamyślonym wyrazem twarzy i rozwianymi włosami.

Statua ma symbolizować trwające dziedzictwo Byrona i czasami jest ozdobiona motywami z jego słynnych wierszy lub symbolami jego osiągnięć literackich.

La Verita autorstwa Gian Lorenzo Berniniego

Ta zachwycająca marmurowa rzeźba „La Verità” („Prawda”) powstała w XVII wieku.

Rzeźba przedstawia ideę prawdy jako siły przekraczającej ograniczenia tego świata, przedstawionej w formie postaci wyłaniającej się z bloku kamienia.

Wyjątkowe umiejętności Berniniego w zakresie techniki rzeźbiarskiej są widoczne w realistycznych rysach twarzy i dynamicznym ruchu szat postaci.

Oddaje poczucie witalności i siły. „La Verità” przedstawia moment objawienia, symbolizując prawdę wyłaniającą się w świetle mądrości i oświecenia, rozpraszającą ignorancję i nieuczciwość.

Jako potężny symbol dążenia do prawdy i triumfu wiedzy nad ignorancją, „La Verità” zaprasza do zastanowienia się nad ponadczasowym znaczeniem prawdomówności, moralności i precyzji w kontekście indywidualnym i zbiorowym.

„La Verità” to nieustanne przypomnienie o nieprzemijającej mocy prawdy, która inspiruje, podnosi na duchu i transformuje, urzekając publiczność swoim pięknem, złożonością i nieprzemijającą aktualnością.

Gdzie w Rzymie mogę znaleźć rzeźby Berniniego?

Rzeźby Gian Lorenza Berniniego znajdziesz w różnych miejscach Rzymu.

Odzwierciedla to jego znaczący wkład w artystyczne dziedzictwo miasta.

Oto kilka najważniejszych miejsc, w których można podziwiać dzieła Berniniego:

1. Galleria Borghese: W tej galerii znajduje się pokaźna kolekcja rzeźb Berniniego, w tym arcydzieła takie jak „Apollo i Dafne”, „Dawid” i „Porwanie Prozerpiny”.

2. Bazylika św. Piotra: Wpływ Berniniego widoczny jest w całej Bazylice św. Piotra, od majestatycznego „Baldacchina” nad ołtarzem po „Krzesło św. Piotra” w absydzie i grób papieża Urbana VIII.

3. Piazza Navona: Na tym kultowym placu rzymskim znajduje się „Fontanna Czterech Rzek” (Fontana dei Quattro Fiumi) Berniniego, arcydzieło baroku symbolizujące rzeki Nil, Ganges, Dunaj i Rio de la Plata.

4. Santa Maria della Vittoria: W kaplicy Cornaro wewnątrz tego kościoła znajduje się obraz Berniniego „Ekstaza św. Teresy”, będący żywym przedstawieniem duchowej wizji św. Teresy z Ávili.

5. Most Świętego Anioła: Bernini i jego uczniowie zaprojektowali posągi aniołów, które znajdują się wzdłuż mostu prowadzącego do Zamku Świętego Anioła. Każdy z nich niesie narzędzia męki Chrystusa.

6. Santa Maria del Popolo: W kaplicy Chigi w tym kościele znajdują się rzeźby zaprojektowane przez Berniniego, w tym posągi Daniela i Lwa oraz Habakuka i Anioła.

Te miejsca należą do najbardziej znanych miejsc, w których można podziwiać dzieła Berniniego w Rzymie, ale jego wpływ rozciąga się także na inne kościoły, pałace i przestrzenie publiczne na terenie miasta.

Często zadawane pytania

Wyróżniony obraz: Zdjęcia stockowe autorstwa Vecteezy