O que ver na Galeria Borghese
Apurva Sinha
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A Galeria Borghese é uma vasta galeria de arte em Roma que abriga um santuário de coleções impressionantes de gigantes como Bernini e Caravaggio.
Ao passear pelo local, você verá as esculturas vibrantes de Gian Lorenzo Bernini, que parecem quase prontas para se mover.
E as pinturas profundas e comoventes de Caravaggio, que transmitem emoções fortes.
Os Borghese Uma galeria é mais do que apenas um museu; é um lugar onde você pode viajar no tempo e ver obras de arte incríveis.
Pinturas de Caravaggio
A Galeria Borghese, em Roma, abriga uma coleção excepcional de pinturas de Caravaggio, exibindo seis obras-primas de Michelangelo Merisi da Caravaggio.
São seis pinturas, incluindo "O Jovem Baco Doente", "São Jerônimo Escrevendo" e "Menino com uma Cesta de Frutas".
Dentre essas obras, "Baco" se destaca, com a representação realista de Caravaggio dando vida ao deus romano do vinho de uma maneira surpreendentemente humana.
Pinturas de Caravaggio em exposição na Galeria Borghese em Roma:
Jovem Baco Doente (1593)
Baco Doente é outra obra notável de Caravaggio, que apresenta um Baco adolescente realista e doentio, com a pele amarelada, segurando um cacho de uvas.
Esta pintura não é um autorretrato direto, mas pode refletir as lutas pessoais de Caravaggio.
Esta obra retrata Baco, o deus romano associado à agricultura, ao vinho e à fertilidade, doente e fraco.
O próprio Caravaggio lutou contra o alcoolismo, e esta pintura mostra esse seu lado.
Baco Doente é a última pintura de Caravaggio na sala VIII da coleção, antes da exposição passar para as esculturas de Bernini.
São Jerônimo escrevendo (1605)
A pintura de São Jerônimo é notável porque retrata um momento crucial na tradução da Bíblia do grego para o latim na história cristã.
É fácil ignorar o quão difícil era compartilhar conhecimento no passado.
No século IV, em Roma, se você fosse um cristão que não entendia grego, você ficava um tanto excluído até a chegada de São Jerônimo.
Graças à sua tradução para o latim, os romanos, que só conheciam latim, finalmente puderam ler e compreender a Bíblia.
Davi com a cabeça de Golias (1605)
Davi, uma figura bíblica, é frequentemente retratado na arte, e esta versão de Caravaggio o mostra vitorioso após decapitar Golias.
Caravaggio pintou seu próprio rosto como Golias, o que levou a diversas interpretações da pintura.
Existem teorias de que o menino na pintura representa o assistente de Caravaggio, possivelmente seu amante, ou até mesmo o próprio Caravaggio, mostrando diferentes fases de sua vida.
Outra explicação popular é que Caravaggio pintou o quadro como um presente para o Papa Paulo V, buscando perdão por um crime que havia cometido.
No entanto, ele nunca retornou a Roma e morreu pouco depois, tornando esta uma de suas últimas pinturas.
Menino com uma cesta de frutas (1593)
Esta pintura foi criada por Caravaggio quando ele tinha apenas 22 anos, em Milão, e está em exposição na Sala VII da Galeria Borghese .
Nesta pintura, Caravaggio utiliza uma técnica chamada claro-escuro, que se traduz como "claro-escuro", realçando os detalhes do tema através do uso de sombras.
Esta obra é uma das primeiras de Caravaggio e alude sutilmente à sua vida conturbada.
Tendo perdido os pais ainda jovem e lutado contra o vício, Caravaggio frequentemente retratava prostitutas ou pessoas sem-teto, o que fica evidente na sujeira que cobre seus corpos.
No entanto, esta pintura em particular destaca-se como uma exceção.
A precisão da representação das frutas por Caravaggio foi muito elogiada por Perdue, que destacou a meticulosa atenção do artista aos detalhes.
Narciso (1597)
Acredita-se que Caravaggio pintou o Narciso entre 1597 e 1599.
A obra retrata a história mitológica de Narciso, um jovem que, ao contemplar seu reflexo na água, se apaixona por ele.
Ele ficou tão obcecado com seu reflexo que não conseguia desviar o olhar de sua imagem, o que levou à sua morte.
Esta composição destaca o tema da obsessão consigo mesmo e o destino trágico de Narciso.
O uso do claro-escuro por Caravaggio, o contraste dramático entre luz e sombra, destaca a intensidade emocional da cena e a fixação de Narciso em sua própria imagem.
A pintura é famosa por sua profundidade psicológica e pelo domínio magistral de Caravaggio sobre a luz e a sombra para transmitir a moral da história.
João Batista (1602)
Bem ao lado de “Menino com uma Cesta de Frutas”, você encontrará outra pintura de Caravaggio, “João no Deserto”, que retrata um São João Batista magro e cansado.
Um crítico de arte desatento poderia pensar que São João parece tão triste porque está pensando no sacrifício vindouro de Jesus Cristo.
Mas, quem conhece os métodos de Caravaggio pode supor que ele simplesmente usou um garoto de rua como modelo, que ficou entediado durante a sessão, e foi isso que Caravaggio pintou.
Historicamente, conta-se que Scipione Borghese e seu tio, o Papa Paulo V, tomaram esta pintura, juntamente com "Baco Doente" e "Menino com uma Cesta de Frutas", de Giuseppe Cesari depois que ele teria sido preso injustamente.
Isso deu à família Borghese a oportunidade de se apoderar dessas obras de arte.
Observe como o menino parece sujo, principalmente no peito e nos ombros.
Caravaggio frequentemente escolhia modelos das classes sociais mais baixas para economizar dinheiro, por isso elas têm uma aparência bastante rude.
Palafrenieri de Caravaggio
Em frente à pintura de São Jerônimo, há uma grande obra de arte chamada "Palafrenieri", que retrata Jesus, sua mãe Maria e sua avó Ana.
Inicialmente, os criadores idealizaram a pintura para a Basílica de São Pedro, em Roma.
No entanto, as autoridades rejeitaram a proposta por considerarem a representação de Maria, Jesus e Ana inadequada para o espaço sagrado.
Na pintura, Maria veste um vestido considerado demasiado revelador para a Virgem Mãe de Deus.
Jesus com cabelo ruivo era frequentemente associado a características negativas na arte e não era bem recebido.
Além disso, Ana, a mãe de Maria, parece angustiada. Sua pele está áspera e sua expressão é de raiva enquanto Maria e Jesus pisam em uma serpente, simbolizando sua vitória sobre o mal.
Esculturas de Bernini
A galeria abriga diversas esculturas em mármore famosas do mestre barroco Gian Lorenzo Bernini, como Apolo e Dafne, O Rapto de Proserpina, Davi e Enéias, Anquises e Ascânio.
Abriga a incrível coleção pessoal do Cardeal Scipione Borghese, um importante mecenas das artes no início do século XVII.
Este museu, íntimo e opulento, é famoso pelo seu hall de entrada principal, onde se destacam as esculturas em mármore de Gian Lorenzo Bernini, que retratam cenas mitológicas.
Entre essas imagens, Apolo e Dafne capturam o momento em que as mãos de Dafne começam a se transformar em casca de árvore e folhas para escapar das garras de Apolo.
Em outra obra importante, Plutão segura Proserpina pela coxa enquanto a arrasta para o submundo, com o corpo dela contorcendo-se em uma postura serpentina.
O domínio técnico de Bernini também se evidencia em Eneias, Anquises e Ascânio, que retratam um herói troiano fugindo de Troia com sua família.
Hall de entrada e Marcus Curtius saltando para o abismo.
Na belíssima área de boas-vindas do palácio, você encontrará mosaicos romanos antigos isolados por cordas no chão.
Acredita-se que esses mosaicos sejam originários das Termas de Caracalla, em Roma.
Outro detalhe que você notará é um belo teto com desenhos intrincados em estilo rococó, apresentando cenas da mitologia pagã.
Se você virar as costas para a porta e olhar na direção do encontro da parede com o teto, encontrará uma impressionante escultura em relevo de Pietro Bernini, pai do famoso Gian Lorenzo Bernini.
Esta escultura é única, retratando a lenda de Marcus Curtius.
Segundo a história, uma grande fenda surgiu no solo em Roma após um terremoto no século IV a.C.
Pensando que aquilo era um sinal, os romanos perguntaram a um adivinho o que deveriam fazer.
Ele lhes disse que os deuses queriam seu tesouro mais valioso na fenda.
Marco Cúrcio disse que o tesouro mais importante de Roma era a sua bravura.
Então, ele vestiu sua armadura completa, montou em seu cavalo e saltou para dentro da fenda, que então se fechou, supostamente salvando Roma.
O amor sagrado e profano de Ticiano
Nicolo Aurelio encomendou esta pintura para seu casamento com Laura Bagarotto em 1514.
Inicialmente chamada de "Beleza adornada e Beleza desapegada" em 1613, recebeu seu nome atual em 1693.
A obra de arte mostra uma conversa entre duas versões de Vênus, representando o amor entre humanos e deuses, retratadas juntas, mas também destacando suas diferenças.
Vênus, representando o amor divino, está nua e posicionada em um nível mais alto, simbolizando pureza e beleza celestial.
Em contraste, a outra Vênus, que representa o amor humano e a alegria do casamento, está vestida e mais próxima do chão.
Cupido e rosas entre eles destacam o tema do amor, e uma representação da luxúria desenfreada em um sarcófago adiciona outra camada à pintura.
A criação de Ticiano combina habilmente opostos, desde a forma como as figuras são representadas até seus significados simbólicos, inspirando-se em mitos e ideias renascentistas.
Diana e suas ninfas, de Domenichino
A pintura na sala número 14 retrata Diana, a deusa da caça, que está sempre com seu grupo de ninfas.
Ela também está ligada ao desejo e à fertilidade. A história na pintura é sobre Diana e um homem chamado Acteon.
Acteon vê Diana por acaso enquanto ela está tomando banho, o que a surpreende. Irritada, Diana joga água nele, e ele se transforma em um cervo.
A situação piora quando os próprios cães de Acteon são soltos contra ele e acabam matando-o.
É possível ver a história se desenrolar na pintura, desde Acteon espiando por entre as árvores até o ataque dos cães e, finalmente, a captura do cervo.
A pintura também carrega um toque de drama por trás dela.
O cardeal Pietro Aldobrandini não quis vendê-lo a Scipione Borghese, o que o levou à prisão, assim como a outros.
A pintura mostra que não se deve mexer com Diana, e talvez Scipione Borghese fosse um pouco como ela nesse sentido.
O sepultamento de Rafael
Esta é uma litografia baseada em um desenho de Rafael de cerca de 1506-07, que agora se encontra no Louvre, em Paris.
O desenho foi um estudo para a pintura de Rafael "O Sepultamento dos Borghese", concluída em 1507 e atualmente na Galleria Borghese, em Roma.
Esta gravura faz parte de uma série da Galeria Lawrence que exibe cópias dos desenhos de Rafael.
A pintura era originalmente a parte principal de um retábulo para uma igreja em Perugia, feito em homenagem a Grifonetto, filho de Atalanta Baglioni, que foi morto em 1500.
Rafael começou a trabalhar na obra por volta de 1505, com muitos esboços que culminaram na peça final.
A obra retrata Cristo sendo levado ao túmulo, uma cena que mistura temas tradicionais com a narrativa de Rafael.
Scipione Borghese, um parente do Papa Paulo V, transferiu a pintura para sua coleção em Roma em 1608.
Napoleão levou-o para Paris em 1797, mas ele foi devolvido a Roma em 1815.
A cabra Amaltheia com o infante Júpiter e um fauno
Esta escultura mostra um jovem deus, Júpiter, ordenhando uma cabra chamada Amaltheia, que o observa.
Um pequeno cervo, Pan, bebe leite de uma tigela atrás da cabra.
A primeira menção conhecida desta escultura na Villa Pinciana data de 1615.
Durante muito tempo, ninguém soube quem a havia feito, até que em 1926 o crédito foi atribuído a Gian Lorenzo Bernini, um artista famoso.
Algumas pessoas questionam se Bernini realmente a fez, mas ela ainda é vista como um sinal precoce de sua grande habilidade.
Acredita-se que a escultura simbolize um retorno esperançoso a uma época de paz e prosperidade, inspirada na história de Amaltheia e ligada a Paulo V, da família Borghese, que era o papa na época.
Paolina Borghese como Vênus Victrix
"Paolina Borghese como Vênus Victrix" é uma renomada escultura neoclássica em mármore criada pelo artista italiano Antonio Canova entre 1805 e 1808.
A escultura, encomendada por Camillo Borghese, marido de Paolina Borghese e cunhado de Napoleão Bonaparte, retrata Paolina como a deusa romana Vênus.
Feita entre 1804 e 1810 em Roma, a escultura a mostra parcialmente coberta, criando uma imagem muito atraente.
Paolina Borghese foi uma figura proeminente de sua época, conhecida por sua beleza, charme e influência, escolhida como a mais bela entre outras duas deusas.
Ela é retratada reclinada em um sofá, parcialmente coberta por um tecido que acentua sua figura voluptuosa.
Sua pose é relaxada e sedutora, com um braço erguido acima da cabeça e o outro apoiado no quadril.
Sua expressão é serena e confiante, personificando o fascínio atemporal da deusa Vênus.
Nessa representação, Paolina personifica a beleza e a graça idealizadas de Vênus, evocando os ideais clássicos de harmonia, equilíbrio e perfeição.
A obra representa não apenas a beleza do seu tema, mas também o gênio artístico do seu criador, imortalizando Paolina Borghese e Antonio Canova nos anais da história da arte.
Mosaicos de Gladiadores
Em 1834, sete peças de mosaicos romanos antigos foram encontradas durante uma escavação na propriedade Borghese, perto de Roma.
Essas obras de arte mostravam cenas de caça e lutas de gladiadores, provavelmente de uma rica vila romana.
A obra em questão apresenta peças coloridas que compõem uma cena de caçada de panteras em dois níveis: panteras mortas na parte superior e uma luta na parte inferior.
De um lado, há uma pantera imóvel e, do outro, apenas as patas de outro animal.
Exibir cenas de gladiadores e caçadas nas casas naquela época era uma forma de os ricos demonstrarem seu status e bravura.
Dama com Unicórnio, de Rafael
Em 1506, Rafael pintou um quadro que a família Borghese comprou em 1760, sem saber que era dele.
Foi somente durante uma restauração no século XIX que as pessoas perceberam que Rafael o havia feito.
A pintura está na sala número nove e mostra uma mulher segurando um unicórnio, que simboliza pureza, mas ninguém sabe quem ela é.
A maneira como ela está sentada e o fundo lembram outra pintura, "Dama com Arminho", de Leonardo da Vinci.
Estudos posteriores descobriram que Rafael primeiro pintou um cachorro com a mulher, mas depois mudou para um unicórnio.
O depoimento de Rafael
Em 1507, Rafael pintou "A Deposição" em painéis de madeira para Atlanta Baglione em memória de seu filho, que havia falecido.
A pintura está na sala número nove e inclui figuras carregando Jesus para seu túmulo, uma das quais se parece com seu filho, Grifonetto Baglione.
Grifonetto participou de uma conspiração para assumir posições de liderança em sua cidade em 3 de julho de 1500.
No entanto, o plano falhou e, ao tentar voltar, sua mãe envergonhada lhe negou refúgio.
Ele foi morto após um confronto com Gian Paolo Baglione, o novo chefe da família.
Anos mais tarde, sua mãe pediu a Rafael que fizesse a pintura para ele.
No entanto, a pintura não mostra Jesus sendo retirado da cruz, como sugere o título "A Deposição", já que essa cena está bem ao fundo.
Rafael foi criativo com a cena, demonstrando seu talento ao retratar um corpo sem vida com realismo.
Imagem em destaque: Tripadvisor.com