Kaj si ogledati v galeriji Borghese
Apurva Sinha
·12 min read
Galerija Borghese je ogromna umetniška galerija v Rimu, ki hrani impresivne zbirke velikanov, kot sta Bernini in Caravaggio.
Med sprehodom boste videli živahne skulpture Giana Lorenza Berninija, ki se zdijo skoraj pripravljene na premikanje.
In globoke, ganljive slike Caravaggia, ki vzbujajo močna čustva.
Borghese Galerija je več kot le muzej; to je kraj, kjer se lahko vrnete v čas in si ogledate neverjetno umetnost.
Caravaggiove slike
Galerija Borghese v Rimu gosti izjemno zbirko Caravaggiovih slik, v kateri je predstavljenih šest mojstrovin Michelangela Merisija da Caravaggia.
Obstaja šest slik, med njimi Mladi bolni Bakhus, Sveti Hieronim piše in Deček s košaro sadja.
Med njimi izstopa »Bakhus«, v katerem Caravaggio na presenetljivo človeški način oživi rimskega boga vina.
Caravaggiove slike na ogled v galeriji Borghese v Rimu:
Mladi bolni Bakhus (1593)
Bolni Bakhus je še eno pomembno umetniško delo Caravaggia, ki predstavlja realističnega in bolnega mladostnika Bakha z rumeno kožo, ki se oklepa grozdja.
Ta slika ni neposreden avtoportret, ampak morda odraža Caravaggiove osebne težave.
To delo prikazuje Bakha, rimskega boga, povezanega s kmetijstvom, vinom in plodnostjo, kot bolnega in šibkega.
Tudi sam Caravaggio se je boril s prekomernim pitjem in ta slika prikazuje to njegovo plat.
Bolni Bakhus je zadnja Caravaggiova slika v sobi VIII zbirke, preden se razstava preseli k Berninijevim skulpturam.
Sveti Hieronim piše (1605)
Slika sv. Hieronima je izjemna, ker prikazuje ključni trenutek prevajanja Svetega pisma iz grščine v latinščino v krščanski zgodovini.
Zlahka spregledamo, kako težko je bilo v preteklosti deliti znanje.
V četrtem stoletju v Rimu, če si bil kristjan, ki ni razumel grščine, si bil nekako izključen, dokler ni prišel sveti Hieronim.
Zahvaljujoč njegovemu prevodu v latinščino so Rimljani, ki so znali le latinščino, končno lahko brali in sprejeli Sveto pismo.
David z Goljatovo glavo (1605)
David, biblični lik, je pogosto upodobljen v umetnosti, ta Caravaggiova različica pa ga prikazuje zmagovalca po tem, ko je obglavil Goljata.
Caravaggio je svoj obraz naslikal kot Goljata, kar je privedlo do različnih interpretacij slike.
Obstajajo teorije, da deček na sliki predstavlja Caravaggiovega pomočnika, morda njegovega ljubimca ali celo Caravaggia samega, kar prikazuje različna obdobja njegovega življenja.
Druga priljubljena razlaga je, da jo je Caravaggio naslikal kot darilo za papeža Pavla V., v katerem je prosil za odpuščanje za zločin, ki ga je storil.
Vendar se ni nikoli vrnil v Rim in je kmalu zatem umrl, zaradi česar je to ena njegovih zadnjih slik.
Deček s košaro sadja (1593)
To sliko je Caravaggio ustvaril, ko je bil star komaj 22 let v Milanu, in je na ogled v sobi VII galerije Borghese .
Na tej sliki Caravaggio uporablja tehniko, imenovano chiaroscuro, kar v prevodu pomeni »svetloba-tema«, pri čemer s pomočjo senc poudarja podrobnosti motiva.
To delo je eno od Caravaggiovih zgodnejših del in subtilno namiguje na njegovo težavno življenje.
Ker je bil starš že mlad in se je boril z zlorabo substanc, je Caravaggio pogosto upodabljal prostitutke ali brezdomce, kar je bilo očitno po umazaniji na njihovih telesih.
Vendar pa ta slika izstopa kot izjema.
Perdue je zelo pohvalil natančnost Caravaggiovega upodobitve sadja, pri čemer je opazil umetnikovo natančno pozornost do detajlov.
Narcis (1597)
Domneva se, da je Caravaggio Narcisa naslikal med letoma 1597 in 1599.
Prikazuje mitološko zgodbo o Narcisu, mladeniču, ki gleda svoj odsev v vodi in se vanj zaljubi.
Tako obseden s svojim odsevom je postal, da se ni mogel odmakniti od svojega pogleda, kar je privedlo do njegove smrti.
Ta skladba poudarja temo obsedenosti s samim seboj in tragično usodo Narcisa.
Caravaggiova uporaba chiaroscura, dramatičnega kontrasta med svetlobo in temo, poudarja čustveno intenzivnost prizora in Narcisovo obsesijo z lastno podobo.
Slika je znana po svoji psihološki globini in Caravaggiovem mojstrskem ravnanju s svetlobo in senco, s katerim je prenesla moralo zgodbe.
Janez Krstnik (1602)
Tik ob sliki »Deček s košaro sadja« boste našli še eno Caravaggiovo sliko, »Janez v divjini«, ki prikazuje utrujenega in suhega svetega Janeza Krstnika.
Občasni umetnostni kritik bi morda mislil, da je sveti Janez videti tako žalosten, ker razmišlja o Jezusovi Kristusovi prihajajoči žrtvi.
Toda tisti, ki poznajo Caravaggiove metode, bi morda uganili, da je za modela uporabil le uličnega otroka, ki se je med fotografiranjem dolgočasil, in prav to je Caravaggio naslikal.
Zgodovinsko gledano naj bi Scipione Borghese in njegov stric, papež Pavel V., to sliko skupaj z "Bolečim Bakhom" in "Dečkom s košaro sadja" vzela od Giuseppeja Cesarija, potem ko naj bi bil ta nepravično zaprt.
To je družini Borghese dalo priložnost, da si priskrbi ta umetniška dela.
Bodite pozorni na to, kako umazan je fant, zlasti na prsih in ramenih.
Caravaggio je pogosto izbiral modele iz nižjih družbenih slojev, da bi prihranil denar, zato so videti precej grobi.
Palafrenieri avtorja Caravaggia
Nasproti slike sv. Hieronima je veliko umetniško delo z naslovom »Palafrenieri«, na katerem so upodobljeni Jezus, njegova mati Marija in babica Ana.
Sprva so ustvarjalci sliko namenili baziliki svetega Petra v Rimu.
Vendar so oblasti zavrnile upodobitev Marije, Jezusa in Ane, ker so menile, da je neprimerna za sveti prostor.
Na sliki Marija nosi obleko, ki velja za preveč razkrivajočo za devico Božjo mater.
Jezus z rdečimi lasmi je bil v umetnosti pogosto povezan z negativnimi lastnostmi in ni bil dobro sprejet.
Poleg tega je Ana, Marijina mati, videti pretresena. Njena koža je videti trda, njen izraz pa je jezen, ko Marija in Jezus stopita na kačo, kar simbolizira njun poraz zla.
Berninijevi kipi
V galeriji je več znanih marmornih skulptur baročnega mojstra Giana Lorenza Berninija, kot so Apolon in Dafne, Ugrabitev Prozerpine, David in Enej, Anhiz in Askanij.
Hrani neverjetno osebno zbirko kardinala Scipioneja Borgheseja, pomembnega mecena umetnosti v začetku 17. stoletja.
Ta intimen in razkošen muzej je znan po svoji glavni vhodni dvorani, kjer so poudarjene marmorne skulpture mitoloških prizorov Giana Lorenza Berninija.
Med njimi Apolon in Dafne ujameta trenutek, ko se Dafnejine roke začnejo spreminjati v drevesno lubje in liste, da bi ušle iz Apolonovega prijema.
V drugem pomembnem delu Pluton drži Prozerpino za stegno, ko jo vleče v podzemlje, njeno telo pa se zvija v kačasti drži.
Berninijevo tehnično mojstrstvo je razvidno tudi v delih Eneja, Anhiza in Askanija, ki prikazujejo trojanskega junaka, ki z družino beži iz Troje.
Vhodna dvorana in skok Marcusa Curtiusa v brezno
V čudovitem sprejemnem prostoru palače boste našli starodavne rimske mozaike, pritrjene na tla.
Domneva se, da ti mozaiki izvirajo iz Karakalovih term v Rimu.
Opazili boste tudi čudovit strop z zapletenimi vzorci v rokokojevskem slogu, ki prikazuje prizore iz poganske mitologije.
Če se obrnete s hrbtom proti vratom in pogledate proti steni, ki se stika s stropom, boste našli impresiven reliefni kip Pietra Berninija, očeta slavnega Giana Lorenza Berninija.
Ta skulptura je edinstvena in prikazuje legendo o Marku Curtiusu.
Po zgodbi se je v Rimu po potresu v četrtem stoletju pred našim štetjem v tleh pojavila velika razpoka.
Rimljani so, misleč, da je to znamenje, vprašali vedeževalca, kaj naj storijo.
Rekel jim je, da bogovi želijo v razpoki svoj najdragocenejši zaklad.
Marcus Curtius je dejal, da je najpomembnejše bogastvo Rima njegov pogum.
Zato se je oblekel v polno oklep, zajahal konja in skočil v razpoko, ki se je nato zaprla in domnevno rešila Rim.
Tizianova sveta in profana ljubezen
Nicolo Aurelio je to sliko naročil za svojo poroko z Lauro Bagarotto leta 1514.
Sprva se je leta 1613 imenovala »Lepota okrašena in lepota neokrašena«, sedanje ime pa je dobila leta 1693.
Umetniško delo prikazuje pogovor med dvema različicama Venere, ki predstavlja ljubezen do ljudi in bogov, prikazanima skupaj, hkrati pa poudarjata njuni razliki.
Venera, ki predstavlja božansko ljubezen, je gola in postavljena višje, kar kaže na čistost in nebeško lepoto.
Nasprotno pa je druga Venera, ki predstavlja človeško ljubezen in veselje zakona, oblečena in bližje tlom.
Kupid in vrtnice med njima poudarjajo temo ljubezni, upodobitev divje poželenja na sarkofagu pa sliki doda še eno plast.
Tizianovo ustvarjanje spretno združuje nasprotja, od načina prikaza figur do njihovih simbolnih pomenov, pri čemer se opira na mite in renesančne ideje.
Diana in njene nimfe, avtor Domenichino
Slika v sobi številka 14 prikazuje Diano, boginjo lova, ki je vedno s svojo skupino nimf.
Povezana je tudi z željo in plodnostjo. Zgodba na sliki govori o Diani in moškem po imenu Akteon.
Akteon po naključju zagleda Diano med kopanjem, kar jo preseneti. Diana ga razdraži in on se spremeni v jelena.
Razmere se poslabšajo, ko nanj spustijo svoje pse, ki ga na koncu ubijejo.
Zgodbo si lahko ogledate na sliki, od Akteona, ki vohuni skozi drevesa, do napada psov in končno odvzema jelena.
Slika ima tudi nekaj drame za seboj.
Kardinal Pietro Aldobrandini ga ni hotel prodati Scipioneju Borgheseju, zaradi česar je bil tako kot drugi vržen v zapor.
Slika prikazuje, da se ne želiš igrati z Diano, in morda ji je bil Scipione Borghese v tem pogledu nekako podoben.
Rafaelov pokop
To je litografija, ki temelji na risbi Rafaela iz okoli leta 1506-07, ki je zdaj v Louvru v Parizu.
Risba je bila študija za Rafaelovo sliko "Borgesejevo pokopavanje", dokončano leta 1507 in trenutno v galeriji Borghese v Rimu.
Ta grafika je del serije iz galerije Lawrence, ki razstavlja kopije Rafaelovih risb.
Slika je bila prvotno glavni del oltarne slike za cerkev v Perugii, narejene v čast sinu Atalante Baglioni, Grifonettu, ki je bil ubit leta 1500.
Rafael je začel delati na njem okoli leta 1505, do končnega dela pa je pripeljalo veliko skic.
Prikazuje Kristusa, ki ga neso v grob, prizor, ki meša tradicionalne teme z Rafaelovim pripovedovanjem zgodb.
Scipione Borghese, sorodnik papeža Pavla V., je sliko leta 1608 prenesel v svojo zbirko v Rimu.
Napoleon ga je leta 1797 odpeljal v Pariz, a so ga leta 1815 vrnili v Rim.
Koza Amalteja z dojenčkom Jupitrom in favnom
Ta skulptura prikazuje mladega boga Jupitra, ki molze kozo po imenu Amalteja, ki ga gleda.
Majhen favn Pan pije mleko iz sklede za kozo.
Prva znana omemba te skulpture v Villi Pinciani je iz leta 1615.
Dolgo časa nihče ni vedel, kdo ga je izdelal, vse do leta 1926, ko so ga pripisali Gianu Lorenzu Berniniju, slavnemu umetniku.
Nekateri se sprašujejo, ali je Bernini to res uspelo, vendar to še vedno velja za zgodnji znak njegove velike spretnosti.
Skulptura naj bi simbolizirala upanje vrnitev v miren in uspešen čas, navdihnjena z zgodbo o Amalteji in povezana s Pavlom V. iz družine Borghese, ki je bil takrat papež.
Paolina Borghese kot Venus Victrix
»Paolina Borghese kot Venera Victrix« je znana neoklasična marmorna skulptura, ki jo je ustvaril italijanski umetnik Antonio Canova med letoma 1805 in 1808.
Kip, ki ga je naročil Camillo Borghese, mož Paoline Borghese in svak Napoleona Bonaparteja, prikazuje Paolino kot rimsko boginjo Venero.
Skulptura, narejena med letoma 1804 in 1810 v Rimu, jo prikazuje delno pokrito, kar ustvarja zelo privlačno podobo.
Paolina Borghese je bila pomembna osebnost svojega časa, znana po svoji lepoti, šarmu in vplivu, izbrana za najlepšo od dveh drugih boginj.
Upodobljena je, kako leži na kavču, delno zavita v blago, ki poudarja njeno bujno postavo.
Njena poza je sproščena in privlačna, z eno roko dvignjeno nad glavo, drugo pa počiva na boku.
Njen izraz je umirjen in samozavesten, uteleša brezčasno čar boginje Venere.
V tej upodobitvi Paolina uteleša idealizirano lepoto in gracioznost Venere, ki obuja klasične ideale harmonije, ravnovesja in popolnosti.
Ne predstavlja le lepote svojega motiva, temveč tudi umetniški genij svojega ustvarjalca, s čimer je v analih umetnostne zgodovine ovekovečil tako Paolino Borghese kot Antonia Canovo.
Gladiatorski mozaiki
Leta 1834 so med izkopavanji na posestvu Borghese blizu Rima našli sedem kosov starodavnih rimskih mozaikov.
Ta umetniška dela so prikazovala prizore lova in gladiatorskih bojev, verjetno iz bogate rimske vile.
Govorimo o barvitih delih, ki sestavljajo prizor lova na panterje z dvema nivojema: mrtvi panterji zgoraj in boj spodaj.
Na eni strani je panter, ki se ne bori, na drugi strani pa so samo noge druge živali.
Prikazovanje gladiatorskih in lovskih prizorov v domovih je bil takrat način, kako so bogati ljudje pokazali svoj status in pogum.
Gospa z samorogom, avtor Raphael
Leta 1506 je Rafael naslikal sliko, ki jo je družina Borghese kupila leta 1760, ne da bi vedela, da jo je naslikal on.
Šele med obnovo v 19. stoletju so ljudje spoznali, da jo je izdelal Rafael.
Slika je v sobi številka devet in prikazuje žensko, ki drži samoroga, kar simbolizira čistost, vendar nihče ne ve, kdo je.
Njen način sedenja in ozadje spominjata ljudi na drugo sliko, "Gospa s hermelinom" Leonarda da Vincija.
Kasnejše študije so pokazale, da je Rafael najprej naslikal psa z žensko, nato pa ga je spremenil v samoroga.
Rafaelova izjava
Leta 1507 je Rafael za Atlanto Baglione na lesene plošče naslikal sliko »Odlaganje« v spomin na njenega umrlega sina.
Slika je v sobi številka devet in prikazuje figure, ki Jezusa nosijo v grob, ena od njih pa je videti kot njen sin, Grifonetto Baglione.
Grifonetto je bil del zarote za prevzem vodstvenih položajev v svojem mestu 3. julija 1500.
Vendar je načrt propadel in osramočena mati mu je ob poskusu vrnitve zavrnila zatočišče.
Ubili so ga po soočenju z Gianom Paolom Baglionejem, novim družinskim poglavarjem.
Leta kasneje je njegova mati prosila Rafaela, naj mu naslika sliko.
Vendar slika ne prikazuje Jezusa, ki ga snamejo s križa, kot nakazuje naslov »Snemanje«, saj je ta prizor daleč v ozadju.
Rafael je bil pri prizoru ustvarjalen in je pokazal svoj talent pri upodabljanju neživega telesa z realizmom.
Izpostavljena slika: Tripadvisor.com