Çfarë të shihni në Galerinë Borghese
Apurva Sinha
·14 min read
Galeria Borghese është një galeri e madhe arti në Romë që strehon një vend të shenjtë me koleksione mbresëlënëse nga gjigantë si Bernini dhe Caravaggio.
Duke ecur përreth, do të shihni skulpturat plot gjallëri nga Gian Lorenzo Bernini që duken pothuajse gati për t'u lëvizur.
Dhe pikturat e thella dhe prekëse të Caravaggio-s që përcjellin emocione të forta.
Borghese Galeria është më shumë sesa thjesht një muze; është vendi ku mund të udhëtoni prapa në kohë dhe të shihni art të jashtëzakonshëm.
Pikturat e Caravaggio-s
Galeria Borghese në Romë pret një koleksion të jashtëzakonshëm të pikturave të Caravaggio-s, duke shfaqur gjashtë kryevepra nga Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Janë gjashtë piktura, duke përfshirë Bakun e Ri të Sëmurë, Shën Jeronimin duke shkruar dhe Djalin me një shportë me fruta.
Midis tyre, spikat “Bacchus”, me portretizimin realist të Caravaggio-s që e sjell në jetë perëndinë romake të verës në një mënyrë çuditërisht njerëzore.
Pikturat e Caravaggio-s të ekspozuara në Galerinë Borghese në Romë:
Bakusi i Ri i Sëmurë (1593)
“Bakusi i Sëmurë” është një tjetër vepër arti e shquar nga Caravaggio që paraqet një Bakus adoleshent realist dhe të sëmurë me lëkurë të verdhë që mban një tufë rrushi.
Kjo pikturë nuk është një autoportret i drejtpërdrejtë, por mund të pasqyrojë vështirësitë personale të Caravaggio-s.
Kjo vepër e përshkruan Bakun, perëndinë romake të lidhur me bujqësinë, verën dhe pjellorinë, si të sëmurë dhe të dobët.
Vetë Caravaggio luftoi me pirjen e tepërt të alkoolit, dhe kjo pikturë e tregon atë anë të tij.
“Bakusi i Sëmurë” është piktura e fundit e Karavaxhos në dhomën VIII të koleksionit përpara se ekspozita të kalojë te skulpturat e Berninit.
Shkrimi i Shën Jeronimit (1605)
Piktura e Shën Jeronimit është e jashtëzakonshme sepse përshkruan një moment vendimtar në përkthimin e Biblës nga greqishtja në latinisht në historinë e krishterë.
Është e lehtë të harrosh sa e vështirë ishte të ndash njohuritë në të kaluarën.
Në shekullin e katërt në Romë, nëse ishe i krishterë që nuk kuptonte greqisht, ishe disi i lënë pas dore derisa erdhi Shën Jeronimi.
Falë përkthimit të tij në latinisht, romakët që dinin vetëm latinishten më në fund mundën ta lexonin dhe ta përqafonin Biblën.
Davidi me kokën e Goliathit (1605)
Davidi, një figurë biblike, përshkruhet shpesh në art, dhe ky version nga Caravaggio e tregon atë fitimtar pasi i pret kokën Goliathit.
Caravaggio pikturoi fytyrën e tij si Goliath, gjë që çoi në interpretime të ndryshme të pikturës.
Ekzistojnë teori se djali në pikturë përfaqëson ndihmësin e Caravaggio-s, ndoshta të dashurën e tij, apo edhe vetë Caravaggio-n, duke treguar faza të ndryshme të jetës së tij.
Një tjetër shpjegim popullor është se Karavaxho e pikturoi atë si një dhuratë për Papën Pali V, duke kërkuar falje për një krim që kishte kryer.
Megjithatë, ai nuk u kthye kurrë në Romë dhe vdiq pak më vonë, duke e bërë këtë një nga pikturat e tij të fundit.
Djali me një shportë me fruta (1593)
Kjo pikturë u krijua nga Caravaggio kur ai ishte vetëm 22 vjeç në Milano dhe është në ekspozitë në Sallën VII të Galerisë Borghese .
Në këtë pikturë, Caravaggio përdor një teknikë të quajtur chiaroscuro, që përkthehet si "dritë-errësirë", duke nxjerrë në pah detajet e subjektit përmes përdorimit të hijeve.
Kjo vepër është një nga veprat e hershme të Caravaggio-s dhe aludon në mënyrë delikate në jetën e tij të trazuar.
Duke i humbur prindërit e tij në moshë të re dhe duke luftuar me abuzimin me substanca, Caravaggio shpesh portretizonte prostituta ose individë të pastrehë, gjë që binte në sy nga pluhuri në trupat e tyre.
Megjithatë, kjo pikturë e veçantë dallohet si një përjashtim.
Saktësia e portretizimit të frutave nga Caravaggio u vlerësua shumë nga Perdue, i cili vuri në dukje vëmendjen e përpiktë të artistit ndaj detajeve.
Narcis (1597)
Besohet se Caravaggio e pikturoi Narcisin midis viteve 1597 dhe 1599.
Ai përshkruan historinë mitologjike të Narcisit, një të riu që shikon reflektimin e tij në ujë dhe bie në dashuri me të.
Ai u fiksua aq shumë me reflektimin e tij sa nuk mund ta linte dot pamjen e imazhit të tij, gjë që çoi në vdekjen e tij.
Ky kompozim nxjerr në pah temën e obsesionit me veten dhe fatin tragjik të Narcisit.
Përdorimi i kiaroskuros nga Caravaggio, kontrasti dramatik midis dritës dhe errësirës, nxjerr në pah intensitetin emocional të skenës dhe fiksimin e Narcisit në imazhin e tij.
Piktura është e famshme për thellësinë e saj psikologjike dhe trajtimin mjeshtëror të dritës dhe hijes nga Caravaggio për të përcjellë moralin e historisë.
Gjon Pagëzori (1602)
Pikërisht pranë “Djalit me një shportë me fruta”, do të gjeni një tjetër pikturë të Karavaxhos, “Gjoni në Shkretëtirë”, që tregon Shën Gjon Pagëzorin të lodhur dhe të dobët.
Një kritik arti i thjeshtë mund të mendojë se Shën Gjoni duket kaq i trishtuar sepse po mendon për sakrificën e ardhshme të Jezu Krishtit.
Por, ata që janë të njohur me metodat e Caravaggio-s mund të hamendësojnë se ai thjesht përdori një fëmijë rruge si model i cili mërzitej gjatë seancës, dhe kjo është ajo që pikturoi Caravaggio.
Historikisht, thuhet se Scipione Borghese dhe xhaxhai i tij, Papa Pali V, ia morën këtë pikturë, së bashku me “Bakusi i Sëmurë” dhe “Djali me një shportë me fruta”, Giuseppe Cesari-t, pasi ai dyshohet se u burgos padrejtësisht.
Kjo i dha familjes Borghese një shans për të rrëmbyer këto vepra arti.
Sigurohuni që të vini re sa i ndyrë duket djali, veçanërisht në gjoks dhe shpatulla.
Karavaxho shpesh zgjidhte modele nga klasat e ulëta shoqërore për të kursyer para, kështu që ato dukeshin mjaft të ashpra.
Palafrenieri nga Caravaggio
Përballë pikturës së Shën Jeronimit, ndodhet një vepër e madhe arti e quajtur “Palafrenieri”, ku paraqitet Jezusi, nëna e tij Mari dhe gjyshja e tij Ana.
Fillimisht, krijuesit kishin ndërmend që piktura të ishte për Bazilikën e Shën Pjetrit në Romë.
Megjithatë, autoritetet e refuzuan atë sepse e konsideruan përshkrimin e Marisë, Jezusit dhe Anës të papërshtatshëm për hapësirën e shenjtë.
Në pikturë, Maria vesh një fustan që konsiderohet shumë zbulues për nënën e virgjër të Zotit.
Jezusi me flokë të kuq shpesh shoqërohej me tipare negative në art dhe nuk pritej mirë.
Për më tepër, Ana, nëna e Marisë, duket e shqetësuar. Lëkura e saj duket e ashpër dhe shprehja e saj është e zemëruar ndërsa Maria dhe Jezusi shkelin mbi një gjarpër, duke simbolizuar mposhtjen e tyre ndaj së keqes.
Skulpturat e Berninit
Galeria strehon disa nga skulpturat e famshme prej mermeri të mjeshtrit barok Gian Lorenzo Berninit, të tilla si Apolloni dhe Dafne, Rrëmbimi i Proserpinës, Davidi dhe Enea, Ankisi dhe Askani.
Ai përmban koleksionin e jashtëzakonshëm personal të Kardinalit Scipione Borghese, një mbrojtës i madh i arteve në fillim të shekullit të 17-të.
Ky muze intim dhe luksoz është i njohur për sallën e tij kryesore të hyrjes, ku nxirren në pah skulpturat prej mermeri të Gian Lorenzo Berninit me skena mitologjike.
Midis këtyre, Apolloni dhe Dafne kapin momentin kur duart e Dafnes fillojnë të shndërrohen në lëvore pemësh dhe gjethe për t'i shpëtuar kapjes së Apollonit.
Në një vepër tjetër të rëndësishme, Plutoni e mban Proserpinën nga kofsha ndërsa e tërheq atë drejt botës së nëndheshme, trupi i saj përdridhet në një pozicion gjarpri.
Mjeshtëria teknike e Berninit është gjithashtu e shfaqur në veprat e Eneas, Ankisit dhe Askanit, ku përshkruhet një hero trojan që ikën nga Troja me familjen e tij.
Salla e Hyrjes dhe Marcus Curtius duke kërcyer në Humnerë
Në zonën e bukur të mirëseardhjes së pallatit, do të gjeni mozaikë të lashtë romakë të lidhur me litarë në dysheme.
Besohet se këto mozaikë e kanë origjinën nga Banjat e Karakallas në Romë.
Një gjë tjetër që do të vini re është një tavan i bukur me dizajne të ndërlikuara në stilin rokoko që paraqet skena nga mitologjia pagane.
Nëse i ktheni shpinën derës dhe shikoni drejt vendit ku muri takohet me tavanin, do të gjeni një skulpturë mbresëlënëse në reliev nga Pietro Bernini, babai i të famshmit Gian Lorenzo Bernini.
Kjo skulpturë është unike, duke përshkruar legjendën e Marcus Curtius.
Sipas historisë, një çarje e madhe u shfaq në tokë në Romë pas një tërmeti në shekullin e katërt para Krishtit.
Duke menduar se kjo ishte një shenjë, romakët pyetën një fallxhore se çfarë të bënin.
Ai u tha atyre se perënditë donin thesarin e tyre më të vlefshëm në çarje.
Markus Kurtius tha se thesari më i rëndësishëm i Romës ishte trimëria e saj.
Kështu që, ai u vesh me armaturë të plotë, hipi mbi kalin e tij dhe u hodh në çarje, e cila më pas u mbyll, duke supozuar se e shpëtoi Romën.
Dashuria e Shenjtë dhe Profane e Ticianit
Nicolo Aurelio e porositi këtë pikturë për dasmën e tij me Laura Bagarotto në vitin 1514.
Fillimisht e quajtur “Bukuria e stolisur dhe Bukuria e pastolisur” në vitin 1613, mori emrin e saj aktual në vitin 1693.
Vepra artistike tregon një bisedë midis dy versioneve të Venusit, që përfaqëson dashurinë për njerëzit dhe perënditë, të paraqitura së bashku, por gjithashtu nxjerr në pah dallimet e tyre.
Venusi, që përfaqëson dashurinë hyjnore, është lakuriq dhe e vendosur më lart, duke treguar pastërti dhe bukuri qiellore.
Në të kundërt, Venusi tjetër, që përfaqëson dashurinë njerëzore dhe gëzimin e martesës, është i veshur dhe më afër tokës.
Kupidi dhe trëndafilat midis tyre nxjerrin në pah temën e dashurisë, dhe një përshkrim i epshit të egër në një sarkofag i shton një shtresë tjetër pikturës.
Krijimi i Ticianit kombinon me mjeshtëri të kundërtat, nga mënyra se si shfaqen figurat deri te kuptimet e tyre simbolike, duke u mbështetur në mite dhe ide të Rilindjes.
Diana dhe Nimfat e Saj nga Domenichino
Piktura në dhomën numër 14 paraqet Dianën, perëndeshën e gjuetisë, e cila është gjithmonë me grupin e saj të nimfave.
Ajo është gjithashtu e lidhur me dëshirën dhe pjellorinë. Historia në pikturë është për Dianën dhe një burrë të quajtur Akteon.
Akteoni e sheh aksidentalisht Dianën ndërsa ajo po lahet, gjë që e habit. E bezdisur, Diana i spërkat me ujë dhe ai shndërrohet në dre.
Situata përkeqësohet kur qentë e vetë Akteonit lëshohen të lirë mbi të, të cilët përfundojnë duke e vrarë atë.
Mund ta shihni historinë të zhvillohet në pikturë, nga Akteoni që spiunon nëpër pemë te sulmi i qenve dhe, më në fund, marrja e drerëve.
Piktura ka edhe pak dramë pas saj.
Kardinali Pietro Aldobrandini nuk ia shiste atë Scipione Borghese-s, gjë që bëri që të futej në burg si të tjerët.
Piktura tregon se nuk do të duash të ngatërrohesh me Dianën, dhe ndoshta Scipione Borghese ishte pak a shumë si ajo në atë mënyrë.
Varrimi i Rafaelit
Kjo është një litografi e bazuar në një vizatim të Rafaelit nga rreth viteve 1506-07, i cili tani ndodhet në Luvër në Paris.
Vizatimi ishte një studim për pikturën e Rafaelit “Varrimi i Borghese-s”, e përfunduar në vitin 1507 dhe aktualisht në Galerinë Borghese, Romë.
Kjo printim është pjesë e një serie nga Galeria Lawrence që shfaq kopje të vizatimeve të Raphaelit.
Piktura fillimisht ishte pjesa kryesore e një altari për një kishë në Perugia, e bërë për të nderuar djalin e Atalanta Baglionit, Grifonetton, i cili u vra në vitin 1500.
Rafaeli filloi të punonte mbi të rreth vitit 1505, me shumë skica që çuan në veprën përfundimtare.
Tregon Krishtin duke u çuar në varrin e tij, një skenë që përzien temat tradicionale me rrëfimin e Rafaelit.
Scipione Borghese, një i afërm i Papa Palit V, e zhvendosi pikturën në koleksionin e tij në Romë në vitin 1608.
Napoleoni e çoi atë në Paris në vitin 1797, por u kthye në Romë në vitin 1815.
Dhia Amalthea me Jupiterin e Vogël dhe një Faun
Kjo skulpturë tregon një zot të ri, Jupiterin, duke mjelur një dhi me emrin Amalthea, e cila po e shikon atë.
Një faun i vogël, Pan, pi qumësht nga një tas pas dhisë.
Përmendja e parë e njohur e kësaj skulpture në Villa Pinciana ishte në vitin 1615.
Askush nuk e dinte se kush e krijoi atë për një kohë të gjatë deri në vitin 1926, kur iu atribuua Gian Lorenzo Berninit, një artisti të famshëm.
Disa njerëz vënë në dyshim nëse Bernini ia doli vërtet, por kjo shihet si një shenjë e hershme e aftësive të tij të mëdha.
Skulptura mendohet se simbolizon një kthim plot shpresë në një kohë paqësore dhe të begatë, e frymëzuar nga historia e Amaltheas dhe e lidhur me Palin V nga familja Borghese, i cili ishte papë në atë kohë.
Paolina Borghese në rolin e Venus Victrix
"Paolina Borghese si Venus Victrix" është një skulpturë e njohur neoklasike mermeri e krijuar nga artisti italian Antonio Canova midis viteve 1805 dhe 1808.
Skulptura e porositur nga Camillo Borghese, bashkëshorti i Paolina Borghese dhe kunati i Napoleon Bonaparte, e portretizon Paolinën si perëndeshën romake Venus.
E krijuar midis viteve 1804 dhe 1810 në Romë, skulptura e tregon atë pjesërisht të mbuluar, duke krijuar një imazh shumë tërheqës.
Paolina Borghese ishte një figurë e shquar e kohës së saj, e njohur për bukurinë, sharmin dhe ndikimin e saj, e zgjedhur si më e bukura nga dy perëndesha të tjera.
Ajo është përshkruar e mbështetur në një divan, pjesërisht e mbuluar me pëlhurë që thekson figurën e saj joshëse.
Poza e saj është e relaksuar dhe joshëse, me njërin krah të ngritur mbi kokë dhe tjetrin të mbështetur në ije.
Shprehja e saj është e qetë dhe e sigurt, duke mishëruar joshjen e përjetshme të perëndeshës Venus.
Në këtë portretizim, Paolina mishëron bukurinë dhe hirin e idealizuar të Venusit, duke evokuar idealet klasike të harmonisë, ekuilibrit dhe përsosmërisë.
Ajo përfaqëson jo vetëm bukurinë e subjektit të saj, por edhe gjenialitetin artistik të krijuesit të saj, duke i përjetësuar si Paolina Borghese-n ashtu edhe Antonio Canova-n në analet e historisë së artit.
Mozaikët e Gladiatorëve
Në vitin 1834, shtatë pjesë të mozaikëve të lashtë romakë u gjetën gjatë një gërmimi në pronën Borghese pranë Romës.
Këto vepra arti tregonin skena gjuetie dhe luftimesh gladiatorësh, me shumë mundësi nga një vilë e pasur romake.
Pjesa për të cilën po flasim ka pjesë shumëngjyrëshe që përbëjnë një skenë të një gjuetie panterash me dy nivele: panterat e ngordhura sipër dhe një luftë poshtë.
Nga njëra anë është një panterë që nuk lufton dhe nga ana tjetër janë vetëm këmbët e një kafshe tjetër.
Shfaqja e skenave të gladiatorëve dhe gjuetisë në shtëpi në atë kohë ishte një mënyrë që njerëzit e pasur të tregonin statusin dhe trimërinë e tyre.
Zonja me njëbrirësh nga Raphael
Në vitin 1506, Rafaeli pikturoi një pikturë që familja Borghese e bleu në vitin 1760, pa e ditur se ishte prej tij.
Vetëm gjatë një restaurimi të shekullit të 19-të njerëzit e kuptuan se e kishte bërë Rafaeli.
Piktura është në dhomën numër nëntë dhe tregon një grua që mban një njëbrirësh, i cili simbolizon pastërtinë, por askush nuk e di se kush është ajo.
Mënyra e saj e uljes dhe sfondi u kujtojnë njerëzve një pikturë tjetër, “Zonja me Hermelinë” nga Leonardo da Vinçi.
Studimet e mëvonshme zbuluan se Rafaeli fillimisht pikturoi një qen me gruan, por më pas e ndryshoi atë në një njëbrirësh.
Rënia nga Raphael
Në vitin 1507, Rafaeli pikturoi “Rrëzimin” në panele druri për Atlanta Baglione në kujtim të djalit të saj, i cili vdiq.
Piktura është në dhomën numër nëntë dhe përfshin figura që e çojnë Jezusin në varrin e tij, njëra prej të cilave duket si djali i saj, Grifonetto Baglione.
Grifonetto ishte pjesë e një komploti për të marrë pozicione udhëheqëse në qytetin e tij më 3 korrik 1500.
Megjithatë, plani dështoi dhe nëna e tij e turpëruar ia mohoi strehimin kur u përpoq të kthehej.
Ai u vra pas një përballjeje me Gian Paolo Baglione-n, kreun e ri të familjes.
Vite më vonë, nëna e tij i kërkoi Rafaelit t’ia bënte pikturën.
Megjithatë, piktura nuk e tregon Jezusin duke u zbritur nga kryqi siç sugjeron titulli "Rrëzimi", pasi ajo skenë është larg në sfond.
Rafaeli ishte krijues me skenën, duke treguar talentin e tij në portretizimin e një trupi të pajetë me realizëm.
Imazh i paraqitur: Tripadvisor.com