Borghese-galleriets målningar

Människor från hela världen förälskar sig i rikedomarna i Roms Borghese-galleri, ett centrum fullt av konstnärlig skönhet.

Detta uppskattade museum, som ligger i Villa Borgheses vidsträckta trädgårdar, är hem för en oöverträffad samling konstverk, inklusive målningar och skulpturer .

Borghese-galleriet grundades i början av 1600-talet av kardinal Scipione Borghese, som var passionerad för konst och kultur.

Ursprungligen förvarades den i kardinalens hus nära Peterskyrkan, men på 1620-talet flyttades den till hans nya villa utanför Porta Pinciana-porten.

Idag har Borghese-galleriet över 800 målningar och många andra föremål, inklusive mästerverk av de flesta välkända konstnärerna från barocken och renässansen.

Borghese-galleriet är fortfarande ett lysande exempel på konstnärlig briljans idag och ger människor en unik chans att uppleva lyx och elegans från förr.

Entréhallen och Marcus Curtius som hoppar in i avgrunden

I palatsets välkomnande hall är antika romerska mosaiker avrundade på golven som med omsorg har sitt ursprung i Roms termer i Caracalla.

Det finns också en imponerande målning i rokokostil med högt i tak i hallen med olika scener från antiken.

Ett anmärkningsvärt inslag i denna hall är en reliefstruktur av Pietro Bernini, far till den berömde Gian Lorenzo Bernini.

Den är placerad ovanför ingången; stå bara vänd mot dörren och titta upp mot där väggen möter taket.

Det är mycket mer än en enkel relief; det visar Marcus Curtius heroiska handling när han kastar sig ner i en avgrund.

Enligt historiker skapade en jordbävning under det fjärde århundradet f.Kr. en klyfta i centrala Rom.

För att ta reda på orsaken till denna klyfta rådfrågade romarna en augur, som sa att gudarna krävde att romarna skulle fylla den med sina mest värdefulla ägodelar.

Marcus Curtius svarade att mod var Roms mest värdefulla ägodel.

Som ett tecken på denna övertygelse besteg han sin häst, tog på sig sin rustning och hoppade ner i avgrunden, som slöt sig runt honom och räddade Rom.

Den porträtterar Marcus Curtius som är berömt för sitt dykande ner i ett stup, vilket är mycket mer än en enkel relieff.

Pojke med en fruktkorg av Caravaggio

Caravaggios ”Pojke med fruktkorg” är ett enastående exempel på hans originella måleri och hans förmåga att ge vardagliga föremål en fantastisk känsla av djup och skönhet.

Detta konstverk från 1593 i sal VIII i Borghese-galleriet misslyckas aldrig med att charma åskådarna med sina detaljer och djupa känslomässiga inverkan.

Bilden föreställer en ung pojke med en korg full av saftiga frukter med blicken riktad rakt på målaren.

Målningen är ett komplext samspel av kontraster och subtiliteter.

Med sina röda kinder och milda drag som uttrycker charm och vänlighet är pojkens ansikte en studie av oskyldig barndom.

Men hans uttryck har också ett spår av bus, en vetskap som ignorerar hans unga ålder.

Caravaggios behärskning av ljus och skugga finns i varje del av bilden, från de små rösterna i pojkens ansikte till frukternas vackert texturerade yta.

Samspelet mellan ljus och skugga skapar en känsla av djup och dimension, vilket frestar betraktaren att stanna kvar och ta in varje detalj.

Frukterna, avbildade med precision, är realistiska och bär symboliska betydelser relaterade till ungdomens flyktiga natur, fertilitet och överflöd.

Genom pojkens direkta blick inbjuder målningen till reflektion över skönhetens flyktiga egenskaper och naturens bestående skönhet.

”Pojke med fruktkorg” är en framträdande plats i sal VIII i Borghese-galleriet, bland andra fantastiska verk från den italienska renässansen och barocken.

Den unge Johannes Döparen

Denna målning är ett fantastiskt mästerverk som finns i rum VIII i Borghese-galleriet och symboliserar konstnärens revolutionerande teknik och djupa känslomässiga djup.

Denna kraftfulla målning av helgonbarnet omkring 1602 illustrerar Caravaggios oöverträffade skicklighet i att fånga den mänskliga formen med extraordinär realism och livfull intensitet.

Helgonet avbildas som en ung pojke med långt böljande hår och ett tankeväckande uttryck, stående i kompositionens fokuspunkt.

Hans läppar är isär som i bön eller tanke, och hans blick är fäst uppåt.

Det dramatiska samspelet mellan ljus och skugga framhäver hans ansiktsdrag.

Den förmedlar ögonblickets allvar och visar Caravaggios skicklighet i att återge texturer och skapa en känsla av liv och närvaro genom kontrasten mellan ljus och mörker.

Varje element i bilden visar Caravaggios effektiva talang, från den känsliga representationen av

Sankt Johannes drag till den ömtåliga texturen i hans hud och hår.

Bilden ”Den unge Johannes Döparen” innehåller betydelse och symbolik.

I kristen ikonografi är Sankt Johannes särskilt betydelsefull som en förfader till Kristus, vilket representerar moralisk renhet och andlig upplysning.

Hans ungdom och okunnighet tjänar som en påminnelse om möjligheten till återlösning och trons förvandlande kraft.

Denna målning är placerad bland andra mästerverk från italiensk renässans och barockkonst.

Sankt Hieronymus av Caravaggio

Caravaggios Sankt Hieronymus, som finns i rum VIII i Borghese-galleriet, är en kraftfull skildring av helgonet i ett tillstånd av ensam kontemplation.

Detta mästerverk, skapat mellan 1605 och 1606, visar Caravaggios behärskning av ljus och skugga, hans förmåga att framkalla starka känslor och hans breda kunskap om den mänskliga psyket.

Sankt Hieronymus avbildas som en åldrad och dyster person försjunken i eftertanke, med blicken intensivt fäst vid korset han håller, vilket återspeglar år av hängivenhet och meditation.

Hans ansiktskonturer – kindernas veck och fårorna i pannan – framhävs av ljusets och skuggans dans.

Sankt Hieronymus är målad med häpnadsväckande noggrannhet och detaljer; varje hårstrå i hans strängiga skägg och hans huds naturliga veck är delikat porträtterade, vilket ger målningen en känsla av djup och äkthet.

Placerad mot en mörk bakgrund är kompositionen enkel men kraftfull, med de starka kontrasterna mellan ljus och mörker som förstärker temat introspektion.

Detta drar effektivt in betraktaren i helgonets andliga resa och inre kamp, vilket gör ”Sankt Hieronymus” till ett djupt symboliskt verk som begrundar försoning och andlig upplysning.

Palafrenieri av Caravaggio

Mittemot Sankt Hieronymus finns en stor tavla som heter Palafrenieri med Maria, Jesu mor, och Anna, Marias mor.

Ursprungligen beställdes verket för Peterskyrkan i Rom, men refuserades för att det var för extravagant.

Konstverket avbildar Maria i ett urringat plagg, vilket anses olämpligt för Jungfrumodern, och Jesus med rött hår, ett kontroversiellt val på grund av dess negativa konnotationer inom konsten.

Slutligen har Marys mor, Anne, ett något stört uttryck.

Efter mindre justeringar ingrep kardinal Scipione Borghese och köpte konstverket till ett extremt lågt pris.

Skildringen av Maria och Jesus som trampar en orm under fötterna representerar deras trots mot Satan, där Marias hud ser läderliknande ut och hennes ögon fyllda av raseri.

David med Goliathuvudet

David med Goliathuvudet, som förvaras i rum VIII i Borghese-galleriet , är ett porträtt av den bibliska figuren David, målat någon gång omkring 1610.

I målningen porträtteras David som en ung man med en sorgsen blick som står i kompositionens mitt och håller i det avhuggna huvudet av den filistinska jätten Goljat.

Den dramatiska och spända atmosfären som skapas av ljus och skugga framhäver den skarpa kontrasten mellan Goliats fruktansvärda död och Davids unga oskuld.

Hans leende återspeglar båda sidor av ögonblicket – segerns glädje balanserad av tyngden av att ta en annan persons liv – som en del av triumf och ånger.

Davids figur är placerad mot en mörk bakgrund i målningens enkla men effektiva komposition, vilket förhöjer scenens intensitet.

Målningen är rik på symbolik och betydelse och representerar teman som mod, hjältemod och det godas triumf över ondskan.

Som en av de mest ikoniska berättelserna i Bibeln har berättelsen om David och Goliat glatt publiken i århundraden, och Caravaggios kraftfulla tolkning väcker berättelsen till liv.

Sjuk Bacchus av Caravaggio

”Sjuke Bacchus”, ett anmärkningsvärt verk av Caravaggio, tillhörde en gång Scipione Borghese och erbjuder en fängslande inblick i konstnärens psyke.

Målningen föreställer Bacchus, den romerska guden för vin, fertilitet och jordbruk, i ett tillstånd av sjukdom och trötthet, vilket kan återspegla Caravaggios egna kamp med drogmissbruk, särskilt alkoholism.

Skildringen är slående livfull och porträtterar Bacchus med en realism som lämnar föga åt tolkning.

Detta verk, en olja på duk, står som Caravaggios sista verk innan besökarna går vidare till Berninis skulpturer i rum VIII, vilket markerar en övergång från mästaren av barockmålningarna till en annan form av konstnärligt uttryck.

Depositionen av Raphael

Rafaels ”Korruptionen” (The Deposition of the Deposition), ett mästerverk från tidigt 1500-tal, inrymt i rum IX i Galleria Borghese, fångar den djupa sorgen och skönheten i ögonblicken efter Kristi korsfästelse.

Målningen porträtterar fängslande Maria, Johannes, den älskade lärjungen, och Maria Magdalena som försiktigt sänker ner Kristi livlösa kropp från korset, deras uttryck etsade av djup sorg.

Raphaels utmärkta användning av färg, ljus och skugga förstärker intrycket av uppriktighet och vördnad samtidigt som den ger figurerna en mjukt eterisk glöd, vilket bidrar till målningens känslomässiga inverkan.

Varje kompositionskomponent har placerats noggrant för att ge en känsla av klarhet och enhet, vilket gör den harmonisk och balanserad överlag.

Bilden symboliserar och förmedlar teman om försoning, uppoffring och hoppets seger över hopplösheten.

Besökare uppmuntras att undersöka den eviga kraften i kärlek och förlåtelse och det djupa mysteriet med Jesu uppståndelse och död.

Dam med enhörning av Raphael

Denna målning, skapad 1506, förvärvades av familjen Borghese år 1760 och erkändes initialt inte som ett verk av Raffaello förrän den restaurerades på 1800-talet.

Vid den tidpunkten var de osäkra på om bilden var av Raffaello eftersom konstnärens namn först fästes vid den efter att den restaurerades på 1800-talet.

Den märkliga damens identitet är fortfarande okänd, och ingen vet egentligen vem hon kan vara.

Den här kvinnan i målningen håller en enhörning, en symbol för oskuld, och blickar direkt mot betraktaren.

Posen och miljön påminner om Leonardo da Vincis "Kvinnan med hermelinen", vilket tyder på att Raffaello hämtade inspiration från Leonardos verk.

Historiker tror att Raffaello efter flera studier bestämde sig för att ersätta en ursprungligen avsedd hund med en enhörning i kvinnans armar, vilket tillförde ytterligare ett lager av intriger och komplexitet till konstverket.

Diana och hennes nymfer av Domenichino

Detta mästerverk av Domenichino, som finns i rum XIV i Borghese-galleriet, tar dig till den romerska legendernas vackra rike.

Detta underbara porträtt av gudinnan Diana och hennes nymfer, målat i början av 1600-talet, förkroppsligar perfekt det gudomligas tidlösa skönhet och nåd.

I mitten av kompositionen står Diana, jaktgudinnan, balanserad med ett pilkoger över axeln och hållande en båge.

Omkring henne finns nymfer, som studsar och dansar av njutning, vilket skildras i den vackra målningen.

Scenen har en förtrollande karaktär som förstärker känslan av magi och förtrollning på grund av det milda, diffusa ljuset som fyller den.

Domenichinos noggranna hängivenhet till detaljer syns i varje arbetsområde, från människornas fina ansiktsdrag till draperiernas fantastiska veck.

Nymferna visas med fantastisk elegans och skönhet, och deras böljande hår och kläder antyder rörelse och energi.

Varje figur i kompositionen har placerats noggrant för att ge en känsla av rytm och balans, vilket gör den energisk och harmonisk.

Sammantaget framkallar målningen en känsla av fred och lugn och inbjuder betraktaren att fördjupa sig i den klassiska mytologins värld.

Rik på symbolik utforskar den teman som natur, kvinnlighet och det gudomliga kraften.

Danae

Denna målning är en del av en berömd samling skapad av Correggio för Federico II Gonzaga, hertigen av Mantua.

Hertigen skänkte senare dessa målningar, inklusive denna av Danae, till Karl V.

De gavs möjligen i Bologna år 1530, men mer troligt i november 1532 när kejsaren besökte Mantua.

Målningen föreställer Danae, en prinsessa som är inlåst av sin far, kung Akrisius, för att hindra henne från att få barn.

Den fångar ögonblicket när Danaë och Jupiter, som förvandlas till gyllene regn enligt Ovidius berättelse, möts.

Deras barn, Perseus, uppfyller profetian genom att så småningom döda den argiviske kungen.

Unik bland Correggios verk utspelar sig denna scen inomhus, i en mer intim miljö.

Den föreställer Hymen, äktenskapets gud, och två cupidoer som kontrollerar om guldet (Jupiters form) är rent. Denna handling symboliserar Jupiters sanna och ovärderliga kärlek till Danae.

Vanliga frågor om Borghese Gallej-målningar

Utvald bild: Tripadvisor.in