Vad är historien om den yttersta domen av Michelangelo? En extraordinär höjdpunkt i Sixtinska kapellet
Apurva Sinha
·5 min read
”Den yttersta domen” är en av Michelangelos mest berömda och mäktigaste kompositioner, målad mellan 1536 och 1541 i Sixtinska kapellet. Detta har en särställning i Vatikanmuseernas kapell, ovanför altaret, med starka kristna referenser. Sådana religiösa konnotationer hänvisar till Kristi andra ankomst och domen över mänskligheten – det vill säga vem som kommer till himlen och helvetet. I den här artikeln tar vi upp de olika aspekter som låg till grund för att måla detta mästerverk för alla åldrar.
Målningens historia
Michelangelo målade "Den yttersta domen" nästan 25 år efter att han hade slutfört sitt arbete med taken. Påven Clemens VII anlitade Michelangelo år 1534 för att måla den yttersta domen på altarväggen och renoverade därmed Sixtinska kapellets dekoration. På grund av detta förlorades freskerna från 1400-talet, inklusive Peruginos målningar av de två första avsnitten av berättelserna om Moses och Kristus och altartavlan som föreställer Jungfru Maria upptagen bland apostlarna.
Slutligen påbörjades arbetet med altarväggen år 1536, under påven Paulus III:s tid, då Michelangelo ville visa Kristi härliga återkomst i ljuset av Nya testamentets texter. Genom sina extraordinära konstnärliga förmågor kunde Michelangelo förmedla Guds majestät och osynliga skönhet. Han förvandlade Sixtinska kapellet till "helgedomen för den mänskliga kroppens teologi" och hämtade inspiration från orden i Första Moseboken.
Om målningen
Målningen täcker hela väggen ovanför altaret och börjar från takets topp, vilket ger en enorm skildringsduk. Dess höjd är cirka 14 m (46 fot) och slutar vid träväggpanelen och altaret. Representationen är cirkulär, med händelserna efter varandra. Omkring 300 skickligt målade figurer utgör fresken, som centrerar sig kring Kristus med upplyft hand, som avger dom över de fördömda som stiger ner till helvetet.
Skildringen av Kristus med tonade muskler, ett skägglöst och ungdomligt utseende och ett lugnt uppträdande var alla avsiktligt framställda. Jungfru Maria står bredvid Kristus med huvudet vänt i ett tecken på kapitulation, vilket betyder att hon bara kan vänta på utgången av domen och inte längre kan påverka utgången.
I de övre lunetterna är Kristus omgiven av symboler för sitt lidande, inklusive en törnekrona, en lans, spikar och ett kors. Några betydelsefulla helgon står i närheten och väntar på domen –
- Sankt Petrus, med himmelens nycklar,
- Sankt Laurentius med galler,
- Sankt Bartolomeus, med sin egen hud,
- Sankta Katarina av Alexandria med kugghjulet
- Sankt Sebastian med pilarna och knäböjande.
Hans övergripande komposition cirklar i en flytande rörelse, med apokalypsens änglar som väcker de döda till ljudet av långa trumpeter. De uppståndna tar tillbaka sina kroppar när de stiger upp till himlen (köttets uppståndelse) på höger sida av fresken, medan änglar och djävlar kämpar för att skicka de fördömda till helvetet på vänster sida. Inspirerad av Dantes "Inferno" och "Den gudomliga komedin" inkluderade Michelangelo Charon och andra mytologiska karaktärer längst ner i denna målning.
Michelangelos tankar bakom målningen
Ett populärt ämne under renässansen var skildringen av Guds yttersta dom över mänskligheten och Jesu Kristi andra ankomst. Därför var "Den yttersta domen" ett populärt konsttema i kyrkor under den tiden. Michelangelo målade dock sin tolkning av händelserna genom att hämta ytterligare inspiration från Dantes "Den gudomliga komedin" och "Inferno".
Inte bara det, representationen av Kristus skiljer sig från hur kristendomen såg på honom, med tonade muskler och skägglöshet. Michelangelo skapade en känsla av djup och rymd genom att överlappa sina figurer och måla dem ytterligare för att antyda rumsmedvetenhet. Han målade inte heller med en ram, vilket gav målningen en känsla av kontinuitet, vilket framgår av att vissa figurer runt kanterna är avskurna.
Denna effekt ger kompositionen en evig känsla av rörelse och handling. Ett annat sätt att uttrycka hans tolkning är genom att placera målningen på altarväggen. På så sätt skulle målningen vara direkt framför alla som går in i kapellet, vilket gör det omöjligt att ignorera idén om helvetet och profetian om Kristi andra ankomst.
Det var nästan som en påminnelse om rättvisa mot förövare. Med tiden glädde Michelangelo allmänheten genom att infoga flera dolda symboler. Den första är en Bartolomeusfigur med sin hud, ett självporträtt av Michelangelo själv, med trolig referens till hans tillstånd när han målade Sixtinska kapellet. Andra är skildringen av de sju dödssynderna i form av olika visuella effekter och implikationer.
Kritik
Även om detta mästerverk fick stor uppskattning och hyllning för Michelangelos genialitet och målarstil, var det inte fritt från kontroverser och kritik. Man ogillade den stora mängden nakenhet, och Michelangelo kritiserades för att blanda religiösa figurer och mytologi. Det är ett skifte bort från den italienska renässansen, där nakna figurer inte sågs som problematiska.
Många kritiker ansåg att Michelangelo borde ha följt de bibliska händelserna mer exakt. Några påpekade att Kristus borde avbildas sittande på en tron och att vissa av de böljande draperierna är omöjliga eftersom vädret var menat att upphöra på domens dag.
Ceremonimästaren Biagio da Cesena kritiserade det starkt och menade att det var "ytterst oärligt" att ha så många nakna figurer målade på en så "hedrad plats" som ett kapell och att det inte var ett verk för påvens kapell utan för tavernor och spisar. Men efter Michelangelos död 1564 anlitades målaren Daniele Da Volterra för att gradvis täcka över synliga nakna figurer med draperier under en period av år.
Utvald bild: wikipedia.org