米开朗基罗的《最后的审判》讲述了怎样的故事？西斯廷教堂的非凡亮点
Apurva Sinha
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《最后的审判》是米开朗基罗最著名、最宏伟的作品之一，创作于1536年至1541年间，位于西斯廷教堂内。这幅画在梵蒂冈博物馆的西斯廷教堂中占据着特殊的位置，位于祭坛上方，具有浓厚的基督教色彩。其宗教内涵指向基督的第二次降临以及对人类的审判——即谁将升入天堂，谁将下地狱。本文将探讨这幅世代相传的杰作的创作历程。
绘画史
米开朗基罗在完成天顶画近25年后才创作了《最后的审判》。1534年，教皇克莱门特七世聘请米开朗基罗在祭坛墙上绘制《最后的审判》，对西斯廷教堂的装饰进行了翻新。由于这项工程，十五世纪的壁画遗失了，其中包括佩鲁吉诺绘制的摩西和基督故事的前两部分，以及描绘圣母玛利亚与使徒同在的祭坛画。
最终，祭坛墙的创作始于1536年，即教皇保罗三世时期。当时，米开朗基罗希望根据新约圣经的经文来展现基督荣耀的再临。凭借其非凡的艺术才能，米开朗基罗成功地传达了上帝的威严和不可见的美。他将西斯廷教堂改造成了“人体神学的圣殿”，其灵感源自《创世纪》的经文。
关于这幅画
这幅壁画覆盖了祭坛上方整面墙，从天花板顶部开始，构成了一幅巨大的画面。它高约14米（46英尺），止于木质墙板和祭坛处。画面呈圆形，事件依次展开。约300个精巧的人物形象构成了这幅壁画，中心是高举手臂的基督，他正在审判那些坠入地狱的罪人。
基督肌肉线条分明、面容年轻无须、神态安详的形象，都是刻意为之。圣母玛利亚站在基督身旁，侧过头去，表示顺从，意味着她只能等待审判的结果，再也无法左右最终的结局。
在上方的半月形壁龛中，基督被象征他受难的图案环绕，包括荆棘冠冕、长矛、钉子和十字架。一些重要的圣徒站在附近，等待着判决——
- 圣彼得，手握天堂的钥匙，
- 圣劳伦斯与橄榄球场，
- 圣巴塞洛缪，用他自己的皮，
- 圣凯瑟琳·亚历山大与齿轮
- 圣塞巴斯蒂安手持箭矢，跪倒在地。
他的整体构图呈流畅的圆形，启示录中的天使们吹响长号，唤醒亡灵。复活者在升天之际（肉身复活）取回自己的身体，位于壁画的右侧；而左侧，天使与魔鬼则争斗着将受诅咒者送入地狱。受但丁《神曲》和《地狱篇》的启发，米开朗基罗在这幅画的底部加入了卡戎和其他神话人物。
米开朗基罗创作这幅画的构思
文艺复兴时期，描绘上帝对人类的最终审判和耶稣基督的第二次降临是一个热门题材。因此，“最后的审判”是当时教堂艺术中常见的主题。然而，米开朗基罗从但丁的《神曲》和《地狱篇》中汲取灵感，创作了他对这一事件的独特诠释。
不仅如此，基督的形象也与基督教传统中的基督形象截然不同，他肌肉线条分明，而且没有胡须。米开朗基罗通过人物的重叠和进一步的描绘，营造出一种空间感和深度。此外，他作画时没有使用画框，这使得画面具有一种连贯性，这一点可以从画面边缘一些人物被裁剪掉的部分看出。
这种效果赋予画面一种永恒的动感和活力。另一种诠释方式是将画作放置在祭坛墙上。这样，画作便会正对着每一位进入教堂的人，使人无法忽视地狱的景象以及基督再临的预言。
这几乎就像是对正义终将伸张的警示。随着时间的推移，米开朗基罗通过在画作中融入诸多隐喻，令世人欣喜不已。其中之一是圣巴塞洛缪的形象，他赤裸着皮肤，这或许是米开朗基罗的自画像，暗示着他在绘制西斯廷教堂壁画时的状态。其他隐喻则以不同的视觉形式和象征意义描绘了七宗罪。
批评
尽管这幅杰作因其卓越的才华和绘画风格而广受赞誉，但米开朗基罗也并非没有争议和批评。人们不喜欢画中大量的裸体形象，米开朗基罗也因将宗教人物和神话故事混杂在一起而受到批评。这与意大利文艺复兴时期截然不同，在意大利文艺复兴时期，裸体形象并不被视为问题。
许多评论家认为米开朗基罗应该更精确地遵循圣经故事。一些人指出，基督应该被描绘成坐在宝座上，而且一些飘逸的衣褶也不可能，因为圣经设定中，天气会在审判日停止。
司仪比亚乔·达·切塞纳对此强烈批评，称在教堂这样“神圣的地方”绘制如此多的裸体人物是“极其不诚实的”，并认为这并非为教皇礼拜堂而作，而是为酒馆和炉灶而作。然而，米开朗基罗于1564年去世后，画家丹尼尔·达·沃尔泰拉受雇，在数年间逐渐用布料遮盖住裸露的裸体人物。
题图来源： wikipedia.org