Skulpturen der Galleria Borghese
Apurva Sinha
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Die Familie Borghese, eine bedeutende Persönlichkeit im Rom der Renaissance und des Barock, trug eine bemerkenswerte Sammlung antiker römischer Marmorskulpturen zusammen.
Sie werden oft als die Borghese-Statuen bezeichnet.
Die Skulpturen, die hauptsächlich in der Galleria Borghese , einem klassischen Herrenhaus in den Gärten der Villa Borghese, untergebracht sind, stellen einige der schönsten Beispiele klassischer Kunstfertigkeit und Handwerkskunst dar.
Darüber hinaus präsentiert die Galleria Borghese eine umfangreiche Skulpturensammlung, darunter zahlreiche Meisterwerke des hochverehrten Barockkünstlers Gian Lorenzo Bernini.
Apollo und Daphne
Bernini schuf die Skulptur von Apollo und Daphne zwischen 1622 und 1625.
Es handelt sich um ein berühmtes Gemälde, das den Moment illustriert, als sich Daphne in einen Lorbeerbaum verwandelt, um Apollo zu entkommen.
Die Geschichte der Skulptur basiert auf einer dramatischen Szene aus den „Metamorphosen“, in der der Gott Apollo die Nymphe Daphne verfolgt.
Es ist bekannt für seine emotionale Intensität, die detailreiche Ausgestaltung und das Gefühl von Bewegung.
In der Skulptur kann man sehen, wie Apollos ausgestreckte Hand fast Daphnes dünne Finger berührt, während sie sich in Baumzweige verwandelt.
Die Skulptur fängt ihre Gestalten in der Bewegung mit unglaublicher Detailgenauigkeit ein und zeigt Daphnes verängstigtes Lächeln und ihre ausgestreckten Arme, die ihren starken Wunsch offenbaren, der lüsternen Gottheit zu entkommen.
Berninis Können zeigt sich in der lebensechten Darstellung der Figuren und der Naturelemente, etwa in der Verwandlung von Daphnes Haar in Blätter und ihrer Haut in Rinde.
Der Realismus seiner Skulpturen zeigt sich in den Marmorstrukturen, etwa in Daphnes Haar, das sich in Blätter verwandelt, und in ihrer Haut, die zu Baumrinde wird.
Apollo und Daphne ist nicht nur ein Meisterwerk der Kunst; es erforscht auch tiefgründige Themen wie Liebe, Begierde und Transformation.
Berninis Fähigkeit, komplexe Emotionen und Geschichten durch seine Marmorskulpturen auszudrücken, ist das, was sein Werk auszeichnet.
Auch heute noch wird die Skulptur von Apollo und Daphne für ihre künstlerische und erzählerische Tiefe gefeiert.
Es wird in der Galleria Borghese in Rom ausgestellt und lädt die Betrachter in eine mythische Welt ein, in der sich göttliche und sterbliche Welten begegnen.
Die Vergewaltigung der Proserpina
Der Raub der Proserpina ist eine weitere Marmorskulptur, die Bernini zwischen 1621 und 1622 schuf.
In der griechischen Mythologie war Persephone oder Proserpina die Tochter des Himmels- und Donnergottes Jupiter und der Göttin der Landwirtschaft Ceres (in der griechischen Mythologie Demeter und Zeus) und war die Königin der Unterwelt.
Proserpina erregte die Aufmerksamkeit des Bruders ihres Vaters, des Herrschers der Toten, der Pluto begehrte.
Eines Tages, als die junge Proserpina Blumen pflückte, entführte Pluto, der Gott der Unterwelt, sie in seinem von vier schwarzen Pferden gezogenen Wagen und brachte sie in die Unterwelt.
Demeter bat Zeus inständig, ihre Tochter freizulassen, woraufhin Pluto zustimmte.
Er sagte Persephone, sie könne gehen, solange sie dort nichts esse.
Als sie jedoch glaubte, unbeobachtet zu sein, betrat Persephone den Garten mit sechs Granatapfelkernen.
Sie war daher gezwungen, sechs Monate im Jahr bei Hades zu verbringen, während sie die anderen sechs Monate zur Erde zurückkehren konnte, um ihre Mutter zu treffen.
Der Mythos besagt, dass die Monate, in denen sie in der Unterwelt verweilt, die Erde kalt, dunkel und winterlich hinterlassen, aber Frühling und Sommer sie bei ihrer Rückkehr begleiten.
Die Skulptur zeigt den Moment, in dem Pluto, der Gott der Unterwelt, sie entführt, und demonstriert Berninis außergewöhnliches Geschick in der Darstellung feiner Details wie Proserpinas verrutschende Kleidung und die realistische Textur ihres Fleisches, wodurch ihr Kampf um die Flucht verdeutlicht wird.
Pluto wird als mächtig und entschlossen dargestellt; er packt Proserpina mit starken Armen, während diese verzweifelt zu fliehen versucht, ihr Körper vor Angst und Verzweiflung verdreht.
Die Skulptur fängt den physischen Kampf und die emotionale Intensität der Szene ein.
Proserpinas ausgestreckte Arme und ihr Gesichtsausdruck vermitteln ihre Angst und Verzweiflung.
Gleichzeitig zeugen die detaillierten Texturen ihrer Körper, wie Muskeln und Adern, von Berninis Meisterschaft in der Darstellung menschlicher Formen und Emotionen.
Berninis Technik ermöglicht es, die Dramatik aus jedem Blickwinkel zu spüren und verleiht der Skulptur eine dynamische Qualität, die sie lebendig erscheinen lässt.
Dieses Meisterwerk zeugt von Berninis Können und Kreativität und erforscht tiefgründige Themen wie Begierde, Macht und die Komplexität menschlicher Emotionen.
Zu Berninis Zeit bedeutete das Wort „Vergewaltigung“ „Entführung“; daher stellt die Skulptur die Entführung der Persephone dar.
David
David ist die einzige Skulptur mit biblischem Thema, die Gian Lorenzo Bernini für Scipione Borghese anfertigte.
Das Bild zeigt David in dem Augenblick, bevor er den Stein wirft und den Riesen Goliath trifft, den die Philister zum Kampf gegen das israelitische Heer von König Saul gerufen hatten.
Der ihm von Saul geliehene Kürass liegt zusammen mit einer Kithara, dem traditionellen Attribut des Helden, auf dem Boden.
Hier endet das Instrument in einem Adlerkopf, was die Absicht symbolisiert, das Haus Borghese zu ehren.
Bernini sagte voraus, dass David an einer Wand des Seneca-Saals, dem heutigen Saal Eins, aufgestellt werden würde.
Dieser Blickwinkel ermöglicht es Ihnen, den Ablauf der Aktion zu verfolgen, von der Drehung des Körpers und den Armen, die die Schlinge fest umklammern, bis hin zum Gesichtsausdruck, der sich auf die Anstrengung des Augenblicks konzentriert.
Die anfängliche Platzierung der Skulptur auf einem kurzen Sockel vermittelte dem Betrachter zudem das Gefühl, stärker in die dramatische Szene eingebunden zu sein.
Ende des 18. Jahrhunderts wurde die Skulptur in Raum 2 verlegt: Der David weist auf der Rückseite unfertige Stellen auf, da der Künstler davon ausging, dass diese nicht sichtbar sein würden.
Dieses Detail ist ein Zeichen für das außergewöhnliche Selbstvertrauen, mit dem der Bildhauer bereits in den frühen Phasen seiner Karriere an seine Werke heranging.
Aeneas, Anchises und Ascanius
In diesem Meisterwerk wird der mythische Held Aeneas gezeigt, wie er seinen Sohn Ascanius führt und seinen kranken Vater Anchises trägt, während sie aus der brennenden Stadt Troja fliehen.
Man sieht Ascanius, der die Hand seines Vaters hält, und Anchises, der auf Aeneas' Schulter ruht.
Die Skulptur vermittelt perfekt den intensiven emotionalen Gehalt des Augenblicks, der in den Steinen eingefangen ist.
Es veranschaulicht Berninis Meisterschaft im erzählerischen Gestalten und im skulpturalen Realismus dank seiner dynamischen Komposition und seines lebensechten Ausdrucks.
Aeneas, dargestellt als heroischer Mann mit unbezwingbarem Willen, steht im Zentrum der Komposition.
Mit muskulöser Statur und selbstsicherer Stimme führt er seine Familie in Sicherheit und unterstreicht damit seine Rolle als engagierter Anführer und Beschützer.
Der betagte und gebrechliche Anchises wird als jemand dargestellt, der stark auf die Unterstützung des Aeneas angewiesen ist.
Der jüngste Sohn, Ascanius, der mit verwirrtem und ängstlichem Gesichtsausdruck das Bein seines Vaters umklammert, verleiht der Erzählung zusätzliche Tiefe.
Berninis gekonnter Einsatz von Bildhauerkunst verleiht den Figuren unglaublichen Realismus und emotionale Tiefe.
Er schildert ihre Morphologie präzise, von den Falten auf Anchises' Stirn bis zu den verstrubbelten Locken in Ascanius' Haar.
Die Beschaffenheit ihrer Kleidung und die Falten ihrer Gewänder deuten auf schnelle Bewegungen hin und verstärken so den Eindruck ihres verzweifelten Versuchs, dem Tod zu entkommen.
Die Skulptur fängt die komplexen Gefühle und Verbindungen zwischen den Figuren ein:
Anchises' Sensibilität, Aeneas' Entschlossenheit und Ascanius' Jugend unterstreichen die gemeinsamen Themen Opferbereitschaft, Familie und Pflicht.
Berninis „Aeneas, Anchises und Ascanius“ bietet:
- Eine eindringliche Reflexion über die menschliche Existenz.
- Analyse der Themen Mut und Widerstandsfähigkeit.
- Das unvergängliche Band zwischen den Generationen.
Es erweckt die Siege und Tragödien der Antike in Stein zum Leben und ermöglicht es den Besuchern der Galleria Borghese in Rom, sich ins Zentrum von Vergils epischem Werk zu versetzen.
Die Ziege Amalthea mit dem Säugling Jupiter und einem Faun
Gian Lorenzo Berninis Gemälde „Die Ziege Amalthea mit dem Säugling Jupiter und einem Faun“, entstanden 1615, fängt eine mythologische Szene aus der römischen Mythologie ein.
Es zeigt den jungen Gott Jupiter, der von der Ziege Amalthea zärtlich gesäugt wird, unter den wachsamen Augen eines fröhlichen Fauns.
Diese Skulptur stellt einen zärtlichen Augenblick eindrucksvoll dar: Der kleine Jupiter greift nach Amaltheas Horn, das Nahrung und Schutz symbolisiert, während der Faun der Szene eine spielerische Note verleiht.
Im Zentrum der Komposition steht die cherubische Figur des Jupiter, eingebettet neben der liegenden Amalthea, deren Blick auf den Betrachter und deren ausgestreckte Brustwarze ein Gefühl der Fürsorge und des Nährens vermitteln.
Die Anwesenheit des unbeschwerten Fauns, der sich durch seine ziegenartigen Merkmale auszeichnet, bringt Humor in die Erzählung.
Berninis akribische Detailgenauigkeit erweckt die Szene mit bemerkenswerter Präzision zum Leben und fängt die Unschuld Jupiters und die Beschaffenheit von Amaltheas Fell mit erstaunlichem Realismus ein.
Dieses Werk vermittelt ein Gefühl von Intimität und Zuneigung und hebt die Freude der Jugend sowie die schützenden Bande familiärer Liebe hervor.
Sie verbindet klassische Mythologie nahtlos mit menschlichen Emotionen und suggeriert so eine Harmonie zwischen Göttern und Sterblichen.
Mit dieser Skulptur bietet Bernini eine tiefgründige Auseinandersetzung mit der römischen Mythologie und feiert die zeitlosen Themen Liebe, Fürsorge und die wundersame Kraft der Schöpfung.
Diese Skulptur zeugt nicht nur von Berninis außergewöhnlichem Können, sondern ist auch eine Hommage an die zeitlosen Werte, die in der Mythologie widerhallen.
Pauline Bonaparte als Venus Victrix
„Pauline Bonaparte als Venus Victrix“ ist eine beeindruckende Skulptur von Antonio Canova, dem eine lebensechte Darstellung in Marmor gelungen ist.
Es zeigt Pauline Bonaparte, die Schwester Napoleons, als Göttin Venus und verkörpert so die exquisite Schönheit und sinnliche Eleganz des neoklassizistischen Stils in der skulpturalen Form.
In der Skulptur liegt Pauline anmutig auf einer Couch, ihr Körper ist in fließende Gewänder gehüllt, die sanft um sie herumfallen.
Sie strahlt klassische Schönheit und Sinnlichkeit mit einem gelassenen Ausdruck und einem leichten Lächeln aus.
Sie hält einen Apfel in der Hand als Symbol der Liebe und Sehnsucht und scheint in Gedanken oder Meditation versunken, den Blick gen Himmel gerichtet.
Canovas akribische Detailgenauigkeit zeigt sich in jedem Aspekt der Skulptur, von Paulines schönen Gesichtszügen bis hin zu den komplexen Falten ihres Gewandes.
Unter Canovas geschickten Händen erwacht der Marmor zum Leben, während sich Paulines zierliche Körperkurven schlängeln, und das subtile Zusammenspiel von Licht und Schatten erzeugt eine realistische Präsenz.
Die Skulptur wird für ihre idealisierte Darstellung weiblicher Anmut und Schönheit gefeiert und positioniert Pauline als Inbegriff klassischer Eleganz und Raffinesse.
Es fing zeitlose Ideale von Schönheit, Sehnsucht und Liebe ein, die Künstler und Dichter durch die Geschichte hindurch fasziniert haben.
Während Canova Paulines körperliche Schönheit feiert, würdigt er sie gleichzeitig als Symbol für Stärke, Macht und Weiblichkeit.
Dieses großartige Werk, das in der Galleria Borghese in Rom ausgestellt ist, entführt die Betrachter in eine mythische Welt, in der Pauline Bonaparte, die Göttin Venus, zum Leben erwacht und als zeitlose Hommage an die anhaltende Anziehungskraft von Schönheit und Begierde dient.
Der schlafende Hermaphrodit des 2. Jahrhunderts
Eine der bekanntesten historischen Marmorskulpturen, der Schlafende Hermaphrodit, stammt aus dem zweiten Jahrhundert n. Chr.
Es zeigt ein schlafendes Kind in zurückgelehnter Position mit weiblichen Merkmalen.
Die einzigartige Kombination männlicher und weiblicher Merkmale unterstreicht die duale Natur der mythologischen Figur.
Die Skulptur stellt den Moment dar, in dem Hermaphroditos, der Sohn von Hermes und Aphrodite in der griechischen Mythologie, mit der Nymphe Salmacis zu einer gemeinsamen Gestalt verschmilzt.
Der schlafende Hermaphrodit, eine antike Marmorskulptur, befindet sich im Louvre in Paris.
Der ursprüngliche Schlafende Hermaphrodit wurde im frühen 17. Jahrhundert in Santa Maria della Vittoria in Rom entdeckt.
Es wurde in der Nähe der Diokletiansthermen und innerhalb der Grenzen der antiken Gärten des Sallust gefunden.
Kardinal Scipione Borghese nahm es sofort in Besitz, und es wurde Teil der Borghese-Sammlung.
Später wurde es an die französischen Besatzer verkauft und gelangte in den Louvre, wo es heute ausgestellt ist.
Darüber hinaus hat eine 1781 gefundene Kopie des Schlafenden Hermaphroditen aus dem zweiten Jahrhundert den Platz des Originals in der Galleria Borghese in Rom eingenommen.
Büste von Kardinal Scipione Borghese
Der italienische Künstler Gian Lorenzo Bernini schuf Anfang des 17. Jahrhunderts eine unglaubliche Marmorskulptur mit dem Titel „Büste des Kardinals Scipione Borghese“.
Es porträtiert den selbstbewussten Kardinal auf eine königliche und würdevolle Weise und spiegelt seine Stellung als eine der einflussreichsten Persönlichkeiten Roms wider.
Jedes einzelne Element stellt Scipiones wallende Gewänder wunderschön dar, und die minutiöse Ausarbeitung seiner Gesichtszüge zeugt von Berninis Meisterschaft in der Bildhauerei.
Der Gesichtsausdruck des Kardinals spiegelt den Kern seiner einschüchternden Persönlichkeit wider: Stärke, Intelligenz und Entschlossenheit.
Dieses Kunstwerk, das in der Galleria Borghese in Rom aufbewahrt wird, ist ein dauerhaftes Denkmal für das Vermächtnis des Kardinals und den Künstler, der es in Stein verewigt hat.
Die Statue des Abenteurers und Exzentrikers Lord Byron
Die Statue des Dichters Lord Byron ist eine Nachbildung des Originalwerks des dänischen Bildhauers Bertel Thorvaldsen (1770–1844).
Diese Statue ist eine Nachbildung des Originalwerks des dänischen Bildhauers Bertel Thorvaldsen (1770-1844).
Das Original befindet sich in der Bibliothek des Trinity College in Cambridge.
Die Statue würdigt den abenteuerlustigen und exzentrischen Lord Byron und fängt seinen geheimnisvollen Charme und seine unverwechselbare Ausstrahlung ein.
Es veranschaulicht den Geist des Widerstands, der Leidenschaft und des Abenteuers, der Byrons Leben und Werk prägte.
Er porträtiert ihn als romantischen Helden, oft in einer noblen Pose mit nachdenklichem Ausdruck und vom Wind zerzaustem Haar.
Die Statue ist ein visuelles Zeichen für Byrons fortwährendes Vermächtnis und ist manchmal mit Motiven aus seinen berühmten Gedichten oder Symbolen seiner literarischen Leistungen verziert.
La Verita von Gian Lorenzo Bernini
Diese atemberaubende Marmorskulptur mit dem Titel „La Verità“ oder „Die Wahrheit“ wurde im siebzehnten Jahrhundert geschaffen.
Die Skulptur verkörpert die Idee der Wahrheit als einer Kraft, die die Grenzen dieser Welt transzendiert, indem sie durch die Figur dargestellt wird, die aus einem Steinblock hervortritt.
Berninis außergewöhnliches Können in der Bildhauertechnik zeigt sich in den lebensechten Gesichtszügen und dem dynamischen Fall der Gewänder der Figur.
Es vermittelt ein Gefühl von Vitalität und Stärke. „La Verità“ schildert den Moment der Offenbarung und symbolisiert die Wahrheit, die im Lichte von Weisheit und Erleuchtung hervortritt und Unwissenheit und Unehrlichkeit vertreibt.
Als aussagekräftiges Symbol für das Streben nach Wahrheit und den Triumph des Wissens über die Unwissenheit lädt „La Verità“ dazu ein, über die zeitlose Bedeutung von Wahrhaftigkeit, Moral und Präzision im individuellen und gemeinschaftlichen Kontext nachzudenken.
„La Verità“ ist eine ständige Erinnerung an die anhaltende Fähigkeit der Wahrheit, zu inspirieren, zu erheben und zu verändern, und fesselt das Publikum mit ihrer Schönheit, Komplexität und bleibenden Relevanz.
Wo kann ich Bernini-Skulpturen in Rom finden?
Skulpturen von Gian Lorenzo Bernini finden Sie an verschiedenen Orten in ganz Rom.
Es spiegelt seinen bedeutenden Beitrag zum künstlerischen Erbe der Stadt wider.
Zu den wichtigsten Orten, an denen man Berninis Werk bewundern kann, gehören:
- Galleria Borghese: Diese Galerie beherbergt eine bedeutende Sammlung von Bernini-Skulpturen, darunter Meisterwerke wie „Apollo und Daphne“, „David“ und „Der Raub der Proserpina“.
- Petersdom: Berninis Einfluss ist im gesamten Petersdom sichtbar, vom majestätischen „Baldacchino“ über dem Altar bis zum „Stuhl des Heiligen Petrus“ in der Apsis und dem Grab von Papst Urban VIII.
- Piazza Navona: Auf diesem legendären römischen Platz befindet sich Berninis „Vierströmebrunnen“ (Fontana dei Quattro Fiumi), ein barockes Meisterwerk, das die Flüsse Nil, Ganges, Donau und Río de la Plata symbolisiert.
- Santa Maria della Vittoria: In der Cornaro-Kapelle dieser Kirche befindet sich Berninis „Ekstase der Heiligen Teresa“, eine lebendige Darstellung der spirituellen Vision der Heiligen Teresa von Ávila.
- Ponte Sant'Angelo: Bernini und seine Schüler entwarfen die Engelsstatuen, die die Brücke zur Engelsburg säumen; jede trägt ein Leidenswerkzeug Christi.
- Santa Maria del Popolo: Die Chigi-Kapelle in dieser Kirche enthält von Bernini entworfene Skulpturen, darunter Statuen von Daniel und dem Löwen sowie von Habakuk und dem Engel.
Diese Orte zählen zu den bekanntesten Sehenswürdigkeiten Roms, um Berninis Werk zu bewundern, doch sein Einfluss erstreckt sich auch auf diverse andere Kirchen, Paläste und öffentliche Plätze in der ganzen Stadt.
Häufig gestellte Fragen
1. Welche Statuen befinden sich in der Galleria Borghese?
Zu den bekanntesten Skulpturen in der Galleria Borghese gehören Ascanius, La Verita, Aeneas, Anchises, Ratto di Proserpina und David von Gian Lorenzo Bernini, Pauline Bonaparte von Antonio Canova und Marcus Curtius, der sich in den Abgrund stürzt, von Pietro Bernini.
2. Wer ist die Skulpturfrau, die sich in einen Baum verwandelt?
Berninis Können ist atemberaubend; wenn man um die Skulptur herumgeht, entfaltet sich Daphnes Verwandlung in einen Baum; von einer Seite sieht man eine schöne junge Frau, die von ihrem unerbittlichen jugendlichen Verfolger gejagt wird.
3. Wie kann ich die Galleria Borghese besuchen, um die Bernini-Skulpturen zu sehen?
Buchen Sie Ihre Tickets für die Galleria Borghese am besten online im Voraus, da das Museum zum Schutz der Kunstwerke strenge Besucherbegrenzungen einhält. Der Eintritt ist auf eine bestimmte Anzahl von Besuchern in zweistündigen Zeitfenstern beschränkt. Nach Ablauf dieser Zeit müssen die Besucher das Museum verlassen, um Platz für die nächste Gruppe zu machen.
4. Ist das Fotografieren der Bernini-Skulpturen in der Galleria Borghese erlaubt?
Fotografieren ohne Blitz ist im Museum grundsätzlich für den persönlichen Gebrauch gestattet, jedoch können für bestimmte Kunstwerke oder Sonderausstellungen Einschränkungen gelten. Bitte informieren Sie sich vor Ihrem Besuch über die aktuellen Fotografiebestimmungen des Museums.
5. Gibt es Führungen, um mehr über die Galleria Borghese und die Bernini-Skulpturen zu erfahren?
Die Galleria Borghese bietet Führungen an, die einen tiefen Einblick in ihre Sammlung, darunter die Werke Berninis, ermöglichen. Diese Führungen werden in mehreren Sprachen angeboten und können über die Website der Galerie gebucht werden.
Titelbild: Stockfotos von Vecteezy